Reseñas | Hysteria

Paraíso queer-cuir-cuy

marzo 16, 2015mayo 23, 2015
por admin

por Laura Milano*

Este verano se realizó la primera residencia de arte queer El dispositivo Afrodisíaco en la ciudad chilena de Valparaíso, que reunió a artistas del Norte y del Sur. Lo que aquí se resume es parte de los trabajos que realizamos allí y de las hermosas situaciones que compartimos en la casa más marica de la ciudad porteña.

Entre las suculentas y los cactus de nuestro jardín, dejamos tirados los tacones, las pestañas postizas, las copas con rouge, las colillas de cigarros de la noche anterior, los libros de poemas, los dibujos y crayones. La cartelera color rosa que organizaba nuestra agenda, iba llenándose de tierra, maquillaje, borrones y nuevas anotaciones con el paso de los días. De fondo, Valparaíso con su infinidad de escaleras, casas y calles estrechas nos acompaña como una presencia permanente, como un telón de fondo vivo que se despliega ante nuestra mirada. Hemos construido un hogar frente al Pacífico y montada sobre un cerro; con vecinas porteñas y santiaguinas que nos invitan a sus fiestas y nos abren las puertas de sus casas (y sus camas). Un hogar colmado de colaboraciones creativas y afectivas, de interacciones entre artistas, amigxs y viajerxs que andan yirando por Valparaíso tan sólo porque la ciudad es mágica y es imposible no amarla por su caos, su desborde y su espesura. Un paraíso queer/cuir/cuy como anuncia la inscripción que pintamos en la pared de nuestro jardín con tizas de colores en donde se celebra lo disidente a cada hora.

El Dispositivo Afrodisíaco fue una iniciativa de los artistas Jamie Ross y Felipe Rivas San Martín que, movidos por sus prácticas artísticas y políticas en torno a las disidencias sexuales, decidieron crear la primera residencia para artistas queer en América Latina. Durante dos semanas, artistas y activistas de Canadá, Ecuador y Argentina nos reunimos en la ciudad de Valparaíso, para participar de esta residencia experimental enfocada en explorar las múltiples formas de sentir, crear, compartir y convivir desde las disidencias sexuales. La tensión siempre permanente entre el Norte y el Sur, entre lo queer y lo cuir, entre la solidaridad internacional y la particularidad situada de los contextos locales fueron puntos de partida sobre los que se buscó construir no sólo un experimento doméstico-artístico único, sino también fortalecer alianzas creativas y activistas entre artistas de diferentes regiones.

Cada unx de los artistas convocados llegamos a Valparaíso con un proyecto en mente para realizar durante nuestra estadía, que fue mutando al ritmo de nuestras propias mutaciones. Uno de los colectivos que participaron de la experiencia fueron los Pacha Queer, un dúo ecuatoriano conformado por Eduardo Fajardo y Fernando Rodríguez. Pacha es un colectivo de artistas oriundos de la ciudad de Quito que a través del arte y la disidencia cuestionan las violentas normas de la sociedad heteronormada y capitalista. Proponen lo cuir como una idea de vivir en amor y comunidad, rescatando principios ancestrales de solidaridad, participación e intercambio como mecanismos de resistencia para de-construir los códigos binarios del individualismo, el consumo, las jerarquías, el género y el poder. Con su irreverente estilo macho-mariposa y su taconeo furioso, recorrieron las calles de Valparaíso realizando performances. En una de ellas, lxs Pachas recorrieron un típico de venta ambulante convocando a comerciantes y lugareños para que defiendan y se solidaricen con un grupo de mujeres trans que montaban un show en la misma plaza y habían sido agredidas por la policía chilena. Irrumpiendo en cada puesto de venta, o en las partidas de cartas y ajedrez de los señores mayores, lxs Pachas escucharon historias de abusos policiales, de solidaridad con las mujeres trans; al tiempo que capturaron todas las miradas de los que por allí pasaban.

Uno de los trabajos en colaboración con artistas locales, se realizó durante el cierre de los talleres de performance que la artista Eli Neira realizó en la ciudad de Valparaíso. Allí lxs PachaQueer realizaron una performance en donde se los veía acostados en la entrada a los baños públicos del Parque Cultural ExCárcel, sólo vestidos con sus tacones y ocultando sus genitales entre las piernas. Durante unos minutos, Eduardo y Fernando estuvieron allí recostados mientras se iban tapando sus bocas con papeles hasta casi producirse arcadas; al tiempo que se dibujaban líneas infinitas de rouge rojo en sus cuerpos.

Pacha queer Perfo - Foto de Ainsleigh Spencer — Pacha queer Perfo – Foto de Ainsleigh Spencer

Otra de las artistas que participaron de El Dispositivo Afrodisíaco fue Jes Sachse, una artista visual, escritora y curadora oriunda de la ciudad de Toronto (Canadá) que trabaja en las líneas borrosas de la discapacidad y la locura. Cuando lo queer entra en su cuerpo, surgen historias en forma de palabras y dibujos. En su estadía en Valparaíso inició el proceso de su primera novela gráfica, Gutter, en el que retrató algunos de los momentos compartidos en la residencia, conversaciones y sensaciones experimentadas desde su corporalidad diferente. A través de sus crayones, Jes exploró en las particularidades del contexto latinoamericano para hablar de lo queer y construir bellísimos cuentos ilustrados. En la fotografía, se la ve junto a Fernando Rodríguez de PachaQueer quien fue su musa inspiradora durante la residencia.

Otra de las perlitas de nuestra casa fue Ainsleigh Spencer, un escritor, investigador y artista interdisciplinario canadiense que busca explorar los vínculos entre la geografía y la responsabilidad en intimidades poliamorosas, basándose en su experiencia en el activismo, la escritura y el arte desde los márgenes. La primera noche en la ciudad nos contó acerca de su proyecto y por qué una situación de expulsión dentro de la comunidad queer de Vancouver fue el detonante para crear una obra que pudiera reflexionar -desde su experiencia de hombre trans- sobre las malas prácticas del concepto de accountability dentro de las comunidades queer del Norte. Su proyecto fue una instalación en forma de laberinto lleno de historias silenciosas de dolor y tensión dentro de una comunidad, donde la justicia y la autodeterminación se encuentran incómodamente.

Por último, el proyecto que completaba el esquema de trabajos de la residencia era mi propuesta de realizar un comando susuro-disidente. La idea era generar instancias de comunicación poética en el espacio público y afectaciones eróticas desde la estimulación sonora directa al oído. Este proyecto buscó recuperar textos de poetas disidentes sexuales y recitarlos en las calles para generar instancias de afectación sonora en el espacio público. Tal es así que una tarde, todos los residentes y otrxs amigxs salimos en plan comando susurro-disidente y copamos las calles del centro de Valparaíso con nuestros tubos susurradores en mano para compartir con las personas fragmentos de poemas, onomatopeyas, melodías, sonoridades diversas. Los textos que habíamos elegido para recitar eran poemas de poetas disidentes sexuales, como Perlongher, Lemebel, Corvalán, Ginsberg, Urdapilleta y así las voces de nuestras poetas –vivas y muertas- se hicieron escuchar en Valparaíso vibrando en lo más profundo de cada oído intervenido. Como respuesta, algunos oyentes decían que les excitaba, que les inquietaba la sensación de cercanía a través de la potencia de la voz. Otros se disponían a compartir la susurrada en dúo o trío; los más osados se entregaban a la penetración doble de poesía y gemidos multiplicando así las sensaciones sonoras en todo el cuerpo.

Maricas todas, no sólo compartimos el trabajo artístico y creativo, sino también las charlas, las salidas, los taconeos de madrugada por los infinitos cerros de Valparaíso, los tragos y los besos. Pero aquello no fue todo. La residencia El Dispositivo Afrodisíaco fue una experiencia de casa a puertas abiertas que no sólo buscó la interacción entre lxs residentes sino que buscó conectarnos con las prácticas artísticas disidentes chilenas y generar afectaciones críticas entre locales y residentes. Aquello fue posible gracias al afecto y el trabajo colaborativo con residencias de arte y trabajo comunitario, espacios de arte independiente, y plataformas de investigación colectiva situados en la ciudad de Valparaíso como Áncora517, Gálvez Inc., y CRAC que fueron una extensión amorosa y creativa de nuestra casa.

Goldman Sachse y Fernando Rodriguez Alcivar

Pacha Queer -perfo (Foto Juvenal Barría Gomez)

Datos técnicos de la residencia:

Nombre: El Dispositivo Afrodisíaco | The Aphrodisiac Device

Fechas: del 16 al 31 de enero de 2015

Lugar: Ciudad de Valparaíso – Chile.

Coordinadores: Jamie Ross (Canadá) y Felipe Rivas San Martín (Chile)

Web: http://queerresidency.wordpress.com/

FB: El dispositivo afrodisíaco

Auspiciantes: Áncora, CRAC, Gálvez.

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*Laura Milano (Argentina, 1984) Comunicadora, investigadora y docente. Graduada de la Licenciatura en Ciencias de la Comunicación por la Universidad de Buenos Aires. Escribe e investiga sobre cuestiones vinculadas al cruce comunicación,género y sexualidades. Ha publicado el libro USINA POSPORNO: disidencia sexual, arte y autogestión en la pospornografía (Editorial Títulos – Blatt & Ríos, 2014), un ensayo sobre pospornografía en donde examina las rupturas, especificidades y contextualizaciones de las producciones posporno surgidas desde los activismos de la disidencia sexual; al tiempo que revisa su experiencia sexo-afectiva dentro del ambiente posporno de Barcelona y Buenos Aires. Colabora en medios de comunicación gráficos y digitales. Integró el staff organizador de la Muestra de Arte Pospornográfico de Argentina. Ha participado en ciclos de arte en la ciudad de Buenos Aires, a través de la gestión y la realización artística.

www.lauramilano.com.ar

Negras pordioseras que venden el sudor

febrero 22, 2015mayo 23, 2015
por admin

Presentación del libro Pordioseros del Caribe del poeta dominicano Johan Mijail

Por Cristian Cabello

Activista feminista del Colectivo Universitario Disidencia Sexual (CUDS) y Magíster en Comunicación Política (Universidad de Chile)

Hoy la ciudad de Santiago es hostil para las mujeres dominicanas inmigrantes. Son devoradas por las miradas de un patriarcado neoliberal, se cobijan en sus peluquerías para soportar una ciudad que no acoge, sino que separa. “El sentido de gueto, la visión maniquea de la realidad donde sólo caben unos; o nosotros o los otros. La necesidad de cerrar la puerta a cualquiera que no pertenezca al colectivo”, así explica la activista feminista boliviana María Galindo la experiencia de división racial. ¿Qué tiene ese caribe que hace que unas caribeñas pordioseras viajen hasta la Patagonia de América para buscar «mejor suerte” y traer el calor de sus cuerpos a un sur con icebergs y esqueletos de una pre-historia[1]? ¿Qué hace el caribe que tantas cuerpos negros se le fugan, que tantas cuerpas migran para terminar saciando la erótica capitalista de chilenos y chilenas con cuerpos que ni se imaginaban que existían? ¿Qué sabemos del caribe sino sólo su olvido?

Como frustrado de tanta espera y exhibiendo la violencia que supone imaginar un futuro -en unas islas que fueron saqueadas por colonizadores europeos y norteamericanos- un poeta performer dominicano pregunta a gritos al imperio “¿Cuándo vas a contestarme el teléfono? ¿Cuándo dejarás de hablarme en inglés? ¿Cuándo me darás la oportunidad de dejar de ser esclavo y ser amo”[2]. Una feminista negra y transfronteriza describe ese clima poético como un infierno, como un territorio donde se sobrevive con la locura. Es cierto que a veces esta locura permite sobrevivir y eso lo sabemos los y las poetas: “Yo sé que la locura es un pretexto que han inventado algunos grupos para marginar a otros grupos que se están enterando de qué es lo que está realmente pasando en este presente”, dice la voz de Johan Mijail, para luego agregar que la locura ya es un modo de vivir: “hace ya algún tiempo es fruto de la posmodernidad, donde la gente hace todo lo posible por parecer demente”[3]. Entre la figura de una negra loca, una escritura que va pa’ llá, viene pa’ acá, “Sí, señores, tó e’ ná, cuando se vive en esta hipocresía. En esta mentira travestida de verdad. Tó e’ ná, Ná e’ tó, Tó e’ coro’”[4].

Como una filosofía del caribe el todo se vuelve nada y la nada todo, un modo de burlarse de un pensamiento que busca razones y explicaciones para estas vidas caribeñas precarizadas. Mijail no hace tomar conciencia de estos problemas de tercermundismo con razones, sino con fragmentos poéticos que presentan cómo el cuerpo caribeño es educado para soportar un no futuro[5]. Bourdieu en una conversación con Egleaton señala «las personas dominadas, las mujeres, adquieren el sometimiento a través de la educación del cuerpo. Podría dar algunos detalles: por ejemplo, las chicas aprenden a caminar de un modo determinado, a mover sus pies de una forma particular y a ocultar sus pechos» [6].

La educación sobre el cuerpo, el cuerpo como un foco de aprendizaje del sometimiento que es precisamente un proceso que no es necesariamente asunto de la conciencia. La emancipación como una cuestión del cuerpo. ¿Cómo reconocer el lugar del sometimiento racial y sexual? Nos parece preguntar Mijail. Hay una insistencia por un cuerpo racializado que responde, un cuerpo caribeño que se emancipa, que es todo lo que nos queda. Como pequeñas acciones de performance se presenta este cuerpo negro: “lo primero que hago cuando despierto en las mañanas es ver si mis cejas todavía están sobre mis ojos”[7].

En el texto la afirmación negra no aparece de modo identitario, no es una identidad caribeña solicitando aceptación desde un foco colonial que nomina la política de forma compartimentalizada, sino que se trata de una parodia poética de un texto que no parece poesía sino que más bien ocupa la forma del ensayo para escribir una poética pordiosera. “La queeridad deshace las identidades a través de las que nos experimentamos como sujetos, insistiendo en lo Real de un goce que ya ha sido clausurado de antemano por la realidad social y por el futurismo en que esta se basa” dice Lee Edelman (2014) poniendo atención en cual es el lugar del deseo de un cuerpo que no se hace Real sino sólo como rareza posible, alegando que no todos los cuerpos adquieren un territorio visible como ciertos sexos y la “raza”. Prestar atención en el color de la piel es de antemano un diálogo social y político negado, una negritud que no se piensa como parte de los relatos futuristas de la nación heterosexual donde vivimos. Para romper esta clausura contra lo negro la escritura de Johan Mijail es algo de lo que –ocupando palabras del dominicano Junot Díaz- “los muchachos no pueden parar de hablar (…) y cuya atracción todavía no entiendes”[8]. Como una rareza dentro de una ciudad como Santiago la escritura de Mijail toma escena como una excepción dominicana, como una rareza dentro de ese estereotipo que piensa sólo como víctimas a los cuerpos caribeños.

¿Cómo tomar reconocimiento de este sometimiento racial? ¿Cómo se vive siendo un dominado en un New York chiquito? Un Apocalipsis caribeño, ruinas y
desolaciones en el territorio donde llegó Colón y donde ahora después de 500 años la «estatua de Cristóbal Colón está sola» donde «ya no hay enamorados dispuestos a ir a besarse a los parques » (pág. 41). Mijail pone un cuerpo isla, inserta corporalidad al territorio. Una isla donde sus habitantes originarios, los Taínos, se rebelaron contra los españoles y “comenzaron a asesinar a sus propios hijos y recién nacidos, a fin de que no sufrieran el destino que ellos debían padecer en carne propia” [9].

Son esas violencias que educan al cuerpo racializado lo que se pone en escena en esta isla donde los relatos civilizatorios del progreso siguen siendo promesas válidas, tan válidas que inmigrantes dominicanos, quizás vecinas de Mijail, llegan a Chile con la información de que aquí en Chile se paga en dólares y de que hay trabajo e incluso cuando llegan aquí notan que no hay tantos negros[10]. Y es que ¿a quién le interesa pensar o hablar del problema social e histórico que se apega al color de la piel? Entonces son esas promesas de un neoliberalismo que genera promesas de un avance y un mejor desarrollo, son esos discursos los que Mijail parodia. Una poética política que derrumba estos sueños económicos civilizatorios y se arma sus propios afectos.

“El mundo es una trampa donde van cayendo por un hueco enorme muñecos de plástico de todos los tamaños y colores para poder sobrevivir cuando se acaba la naturaleza o cuando comienzan a llover gotas de cemento y a veces piedras” (78).

Esta ficción con la que se arma Mijail es para una resistencia, la resistencia a articular relatos no victimizarios de la negritud. Sino eso que no esperabas.

Y debemos afirmar con Mijail como la razón es un lugar de instauración de colonialismos históricos que excluyen esa dimensión donde el cuerpo se articula y no necesariamente desde la razón. Así lo advierte Bourdieu «yo lo llamo una tendencia escolástica, una tendencia a la que todos estamos expuestos: la de pensar que los problemas pueden ser resueltos sólo mediante la conciencia»[11]. Y asimismo aparecen escenas donde las creencias expresan otros modos de habitar que han sido silenciados, donde aparecen fantasmas, espectros más que personas, donde el pan en la puerta servía para no «dejar entrar cualquier energía a la casa. Que lo malo andaba suelto y nuestra responsabilidad es alejarlo»(88). Esta es la voz de los padres del caribe, una que asusta, que reprime y que persigue.

Politizar el color del cuerpo, no significa colorear o travestir superficialmente el cuerpo, sino reconocer los vínculos donde se reproduce la violencia racial. No es mera performance. La raza es una dimensión que no requiere sólo de un grupo humano o que describa a una minoría, sino que está fundada en dimensiones sociales como la familia. Familia, nación y raza es lo que se presenta en este ensayo poético de un cuerpo que se declara isla, donde no hay ninguna familia armoniosa sino que Mijail se enfrenta a los estereotipos de la negritud. «El tambor, la velas, el gagá. Cada una de esas características de nuestros ancestros parece le hicieron algo malo a los presidentes y a los que han tenido, desde siempre, el poder. Los vencedores» (89). ¿Por qué y para qué preguntarse por los ancestros? ¿Cuál es el lugar de lo hereditario en un régimen nacionalista sino sólo restituir el valor de lo sanguíneo de esas “primeras familias” originales? Y como afirma la feminista bióloga Haraway la raza se basa en una diferenciación de sangre, de quién pertenece a qué tipo de origen y a que por favor no se mezclan las sangres. “Los lazos sanguíneos eran los hilos proteicos expulsados por el paisaje físico e histótico de sustancia de generación en generación, formando los colectivos orgánicos altamente entretejidos de la familia humana. En este proceso, donde estaba la raza estaba también el sexo. Y donde estaban la raza y sexo, las precauciones en torno a la higiene, la decadencia, la salud y la eficiencia orgánica” (Haraway, 265). ¿Cuándo unos orígenes sanguíneos, es decir familiares, siguen constituyendo el relato del sujeto? Es decir, donde los orígenes siguen importando, la raza seguirá funcionando como un articulado de exclusión. Algunos tienen el honor de saber y hablar sobre sus orígenes familiares, conocen la herencia de su sangre, otros nos conformamos con imaginar una raza kiltra, una donde las violaciones entre españoles, indias y negras nos difuminaron un pasado biológicamente prístino[12].

¿Cómo se sobrevive siendo un pordiosero del Caribe? Esa es la pregunta que instala la posición crítica de Mijail resaltando ese lugar del pordiosero que imagina en qué basurero quiere pasar la noche cuando se acabe el mundo o que incluso ha pensado en vender su sudor «para darle tumbe a los extranjeros que todavía creen que somos únicamente palmeras y motoconchos y, del otro, enormes tiendas con ropa muy fea y cafeterías donde he pensado ir a vender mi sudor» (86). Y no es locura, pero también sí, y no es sólo una buena performance, pero también sí, sino que Mijail propone y sigue el juego de la imaginación neoliberal, ese donde un caribeño hace visible que quizás sea posible vender ese cansancio, ese gasto enérgico, ese sudor ya sea sexual o efecto de la explotación laboral, ese sudor que se pone a la venta y que no es visible en las vitrinas. Ese sudor invisible del inmigrante que tampoco sabía que en el sur hacia tanto frío y donde viven negros y negras atrapados en la isla que nos enseñan es Chile.

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[1] Recomiendo revisar la investigación periodística sobre las trabajadoras sexuales dominicanas en la región de Magallanes de Chile. “Crece la violencia y los abusos contra mujeres migrantes en Magallanes”. En Ciper. Link: http://ciperchile.cl/2014/12/29/crece-la-violencia-y-los-abusos-contra-mujeres-migrantes-en-magallanes/

[2] Pordioseros del Caribe (2014) Johan Mijail. Editorial Desbordes: Santiago.

[3] Íbid. Pág. 85.

[4] Íbid.

[5] No al futuro. La teoría queer y la pulsión de muerte (2014) Lee Edelman. Egales editores: Barcelona.

[6] “Doxa y vida cotidiana: una entrevista” (2003) Pierre Bourdieu y Terry Eagleton. En Ideología: un mapa de la cuestión, Slavoj Zizek. Fondo de Cultura Económica. Pág. 300.

[7] Pordioseros del Caribe. Pág. 85.

[8] La maravillosa vida breve de Óscar Wao (2008) Junot Díaz. Editorial Mondadori, Barcelona.

[9] La invasión de Haití. La cara sucia de las razones humnitarias (2013) José Antonio Gutiérrez. Witrän Propagaciones, Argentina.

[10] Observaciones realizadas en el contexto de la investigación Fondecyt “Inmigrantes ‘negros’ en Chile: prácticas de racialización/sexualización” a cargo de la Dra. María Emilia Tijoux (2013-2015).

[11] Op.Cit.(2003). Pierre Bourdieu y Terry Eagleton. Pág. 300.

[12] Agradezco a Lucha Venegas, activista CUDS y huacha, esta reflexión.

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Johan Mijail Castillo Guillén (Santo Domingo, República Dominicana, 1990) Periodista, escritor y performer. Ha publicado un poemario (Metaficción, 2011). Ha presentado exposiciones fotográficas, performances y spoken Word. Trabaja gestión cultural y colabora para medios de comunicación de su país.

http://johanmijailcastillo.tumblr.com/

Bitch Planet

enero 18, 2015mayo 23, 2015
por admin

Adrián Velázquez (mantium11)

A medida que nos hemos llenado de películas y series de superhéroes, el mundo del cómic se ha ido acercando cada vez más a la gente que regularmente no disfrutaba de esta forma de narrativa. Y lo que a muchos les parece un universo nuevo, en realidad tiene ya bastante tiempo de ir evolucionando y madurando. Esta madurez no sólo ha llegado mediante nuevas técnicas de dibujo o impresiones de mejor calidad, además está la creación de personajes y la presentación de temas que en su momento eran taboo. Esto lo podemos ver en títulos como los XMen, The Amazing SpiderMan, Green Lantern, Maus, Blade, Power Man, Black Panther entre otros. No les contaré sobre las hazañas realizadas dentro de estos cómics, pero es importante recalcar que los temas van desde problemas de adicción hasta el abuso sexual infantil.

Actualmente la industria del cómic está dando un gran avance, e Image Comics lo esta logrando gracias a Bitch Planet. Esta nueva historia, escrita por Kelly Sue DeConnick (Captain Marvel, Black Widow, Thor, etc.) y dibujada por Valentine De Landro (XFactor, XMen, Superman, etc.) está tratando de romper con los esquemas del papel de la mujer en el cómic.

El argumento parece sencillo: una tierra cuyo gobierno es básicamente masculino (cosa que no dista mucho de la realidad) ha decidido llevar una medida bastante eficiente en contra de las mujeres. Sobre todo para aquellas que no se encuentren dentro de la norma y que no cumplan con las expectativas masculinas, es enviada a una prisión (que en realidad es otro planeta) a pagar sus crímenes al no encajar en aquello que la sociedad exije de lo que es ser mujer. Resulta evidente la carga política que tiene este cómic y no es gran sorpresa, ya que su autora abiertamente se reivindica como feminista. Si esto no es poco lo que podemos observar en el primer número es que las protagonistas son negras y para nada son las bellezas que por lo general encontramos en este medio. Lo que Kelly trae con este cómic va mucho más allá de simplemente presentar una historia con protagonistas femeninos. Esta es una historia que transgrede tanto en términos visuales como narrativos pues, al menos yo, no recuerdo algún otro experimento de este tipo. Sobre todo, y nos podemos dar cuenta por los comentarios que vienen al final de la historieta intenta abrir una discusión en un mundo muy cerrado como el del cómic, tratando de enfatizar lo importante que es el feminism, así como el borrar esas nociones erróneas que tanto circulan de este tema, llevando los problemas de género a un mundo tan flexible como la ciencia ficción. Hasta el momento, este título sólo tiene un número, pero 27 de enero saldrá el segundo, por lo cual no puedo presentar una reseña más grande sin que parezca que estoy literalmente narrando esta primer entrega. Sin embargo, lo que sí puedo decirles es que el primer número te atrapa, tanto por la estética de los personajes que te incitan a querer saber cuál es la historia de estas mujeres, como por las escenas de acción bien logradas, sin dejar de lado que cada una de las viñetas nos hacen sentir en una película de ciencia ficción.

Por ultimo, y no por eso menos importante, lo que Bitch Planet ha traído el día de hoy a la industria del cómic es un espacio de entretenimiento, pero a su vez, de cuestionamiento sobre el papel que juega el género en la vida cotidiana y en el mismo mundo del cómic. Y es por esto que me parece ampliamente recommendable.

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Adrián Velázquez (mantium11).  Pasante de la carrera de Economía de la UNAM, un incorregible marxista, fan de los cómics desde los 5 años, activista, software librero entre otras tantas cosas.

Página personal: www.twitter.com/mantium11

Antic Horror Picture Show

enero 18, 2015mayo 23, 2015
por admin

Por Magalli Salazar | SALCON

*(texto en español y catalán)

ANTIC TEATRE/ Andriantic | Espacio de creación

Imma Romero, responsable de comunicación y programación del Antic Teatre, nos recibe para hablarnos un poco sobre la historia de este singular espacio cultural ⁽¹⁾, ubicado en el casco antiguo de la Ciudad de Barcelona, que define como un lugar para la creación artística, el aprendizaje y la lucha.

El V festival de cortometrajes de terror y ciencia ficción, de producción propia, es una de las actividades del Centro, de carácter autogestivo e independiente, que ha operado de manera ininterrumpida desde 2003.

La quinta edición del Antic Horror Picture Show celebrada el 31 de Octubre de 2014, tuvo una participación muy amplia, pues de entre decenas de trabajos fílmicos enviados, el jurado, encabezado por Guillem Puig, realizó una selección minuciosa que, finalmente, estuvo conformada por doce cortometrajes de gran calidad técnica, de tramas inesperadas y humor, mucho humor sangriento y macabro: ★ BIENVENIDOS AL FIN DEL MUNDO de Manu Carbajo ★ MR. DENTONN de Iván Villamel Sánchez ★ LA BOCA DEL LEÓN de Alfonso García ★ ELADIO Y LA PUERTA INTERDIMENSIONAL de María Giráldez ★ POR ESO NO TENGO HERMANOS de Paco Cavero ★ MAGIA de Iker Arce Aretxabala ★ SUPERVILLAIN de Joaquin Lora Jiménez ★ MONGUIS de Isaac Berrokal ★ 24H CON LUCÍA de Marcos Cabotá ★ HOGAR HOGAR de Carlos Alonso Ojea ★ TUCK ME IN de Ignacio F. Rodó ★ VIBRACIONES de Guis Brothers ★

INICIO APOTEÓSICO

El opening teatralizado con un solo actor-presentador, al estilo del Grand Guignol minimal (en un dramático~bello fondo rojo), que canturreba como un himno “black is black “(de los bravos, 1966) nos hace imaginar lo que vendrá con cada cortometraje. Bastantes reminiscencias del cine gore y splatter; también de tipo caníbal y demoníaco; psicópatas asesinos, espectros del más allá, deudores morosos y niñas tenebrosas; monstruos bajo la cama o en el lago, colmillos sangrantes, bombas; cuerpos crueles y una foca (Floyd).

Convivían el apocalipsis con el surrealismo, la carcajada con el escalofrío. Era notable los referentes a los grandes maestros ~Buñuel, Hitchcock, Tarantino, Jackson, Hopper, Friedkin, Parello, Kitano, Matsushima, Boorman, Ross, entre otros~, pero que de manera muy convincente nos hacen disfrutar de piezas originales y atrevidas, demostrando que los nombres de estos nuev&s director&s al igual que sus obras entretenidas y provocadoras dejan una huella en l&s espectador&s.

LA REVELACIÓN DE LOS RESULTADOS

Después de ver las propuestas presentadas el anunciador regresa con una cubata en mano y un estilo más informal para contarnos los resultados… Para ese momento habíamos muy pocos asistentes entre el público.

El hombre simpático, antes tenebroso, junto a Guillem Puig nos revela que:

El premio del jurado, es para…

★24H CON LUCÍA de Marcos Cabotá

y, el premio del público, es para…

★SUPERVILLAIN de Joaquín Lora Jiménez.

¡Felicidades chicos! Nos habría encantado verlos recibir su estatuilla…

Buena, corta y magnífica noche.

Es lo que hay en youtube:

★https://www.youtube.com/watch?v=M7JciS_RS8E(Marc Cabotá)
★ ———————————(no hay datos de Joaquín Lora Jiménez)

(1) Nos comenta que desde el año 2003 el espacio físico donde se encuentra el teatro ha tenido una intensa actividad cultural ininterrumpida, pese a que se había visto a punto de cerrar sus puertas, debido a presiones por parte del Sr. Heliodoro Lozano, un funcionario público de Ciutat Vella, quien emitió en el año 2005 una orden de cierre del local. A pesar de ello, y con una colaboración muy amplia (de artistas, activistas, vecinos y varias organizaciones culturales) el teatro se remodeló y acondicionó bajo los estándares vigentes para un uso público.

El espacio de creación teatral promueve sobre todo puestas en escena experimentales y residencias de investigación y creación, un plan de internacionalización que incluye en proyecto cav_a: Catalan & artists visiting_artist, y el proyecto B2B: Barcelona <>Berlin. Para 2012 El Antic Teatreforma parte de la red de espacios culturales independientes en Trans Europe Halles. Para este centro cultural, el lazo con la comunidad es fundamental, pues es el motor de lucha que sobrevive desde los tiempos del Círculo Barcelonés de Obreros, 1889.

★★★

Más información: http://www.anticteatre.com/
Gracias a Imma Romero, Miner Montell, Guillem Puig y a la directora del anticteatre, la artista yugoslava Semolinika Tomic.

★★

Agradecimientos especiales por su colaboración en la revisión de la traducción a Erick Ravinad Vall i y por las conversaciones en idioma catalán sobre cine a Ferran Raventós i Planas.

[divider]

Magalli Salazar. SALCON.

https://elparpadodeceluloide.wordpress.com

VERSIÓN EN CATALÁN

ANTIC TEATRE
Andriantic | Espai de creació
Imma Romero responsable de comunicació i programació de l’Antic Teatre ens rep per parlar-nos una mica sobre la història d’aquest singular espai cultural ⁽¹⁾, situat al casc antic de la ciutat de Barcelona, que defineix com un lloc per a la creació artística, l’aprenentatge i la lluita.

El V festival de curtmetratges de terror i ciència-ficció, de producció pròpia, és una de les activitats del Centre, de caràcter autogestionat i independent, que ha operat de manera ininterrompuda des de 2003.

La cinquena edició de l’Antic Horror Picture Show celebrada el 31 d’Octubre de 2014, va tenir una participació molt àmplia, ja que d’entre desenes de treballs fílmics enviats, el jurat, encapçalat per Guillem Puig, va realitzar una selecció minuciosa que, finalment, va estar conformada per dotze curtmetratges de gran qualitat tècnica, de trames inesperades i humor, molt d’humor sagnant i macabre: ★ BENVINGUTS A LA FI DEL MÓN de Manu Carbajo ★ MR. DENTONN d’Iván Villamel Sánchez ★ LA BOCA DEL LLEÓ d’Alfonso García ★ ELADIO I LA PORTA interdimensional de Maria Giráldez ★ PER AIXÒ NO TINC GERMANS de Paco Cavero ★ MÀGIA d’Iker Arce Aretxabala ★ SUPERVILLAIN de Joaquin Lora Jiménez ★ monguis d’Isaac Berrokal ★ 24H AMB LUCÍA de Marc Cabotá ★ LLAR LLAR de Carlos Alonso Ojea ★ TUCK ME IN d’Ignacio F. Rodó ★ VIBRACIONS de Guis Brothers★

INICI APOTEÒSIC

El opening teatralitzat amb un sol actor-presentador a l’estil del Grand Guignol “minimal” (en un dramàtic <>bell fons roig), que cantussejava com un himne “black is black “ (dels bravos, 1966) ens fa imaginar el que vindrà amb cada curtmetratge. Bastants reminiscències del cinema gore i splatter, també de tipus caníbal i demoníac; psicòpates assassins, espectres del més enllà, morosos i nenes tenebroses, monstres sota el llit o al llac, ullals sagnants, bombes; cossos cruels i una foca (Floyd).
Convivien l’apocalipsi amb el surrealisme, la riota amb el calfred. Eren notables els referents als grans mestres ~Buñuel, Hitchcock, Tarantino, Jackson, Hopper, Friedkin, Parello, Kitano, Matsushima, Boorman, Ross, entre d’altres~, però que de manera molt convincent ens fan gaudir de peces originals i atrevides, demostrant que els noms d’aquests director&s de la mateixa manera que les seves obres entretingudes i provocadores deixen una petja en els espectador&s.—

LA REVELACIÓ DELS RESULTATS
Després de veure les propostes presentades l’anunciador torna amb una cubata en mà i un estil més «informal» per explicar els resultats. Per a aquest moment estàvem presents gaire pocs de persones entre el públic…————————- —– —-

L’home simpàtic, abans tenebrós, al costat de Guillem Puig ens revelen que:

El premi del jurat és per a —

★24H AMB LLÚCIA de Marc Cabotá

i, el premi del públic és per a —

★SUPERVILLAIN de Joaquin Lora Jiménez.
Felicitacions nois! Ens hauria encantat veure’ls rebre la seva estatueta…

Bona, curta i magnífica nit.

És el que hi ha a youtube:
★ https: //www.youtube.com/watch? V = M7JciS_RS8E (Marc Cabotá)
★ ———————————————–(res de en Joaquín Lora Jiménez)

★★★
⁽¹⁾ Ens comenta que des de l’any 2003 l’espai físic on es troba el teatre ha tingut una intensa activitat cultural ininterrompuda, tot i que s’havia vist a punt de tancar les seves portes, a causa de pressions per part del Sr. Heliodoro Lozano, un funcionari públic de Ciutat Vella, que va emetre l’any 2005 una ordre de tancament del local. Tot i això, i amb una col·laboració molt àmplia (d’artistes, activistes, veïns i diverses organitzacions culturals) el teatre es va remodelar i condicionar sota els estàndards vigents per a un ús públic.
L’espai de creació teatral promou sobretot posades en escena experimentals i residències d’investigació i creació, un pla d’internacionalització que inclou en projecte cav_a: Catalan & artists visiting_artist, i el projecte B2B: Barcelona <> Berlin. Per al 2012 L’Antic Teatre forma part de la xarxa d’espais culturals independents a Trans Europe Halles. Para aquest centre cultural, el llaç amb la comunitat és fonamental, ja que és el motor de lluita que sobreviu des dels temps del Cercle Barcelonès d’Obrers, 1889.

★★★
Més informació: http://www.anticteatre.com/
Mercès a Imma Romero, Miner Montell, Guillem Puig i a la seva directora, l´artista yugoslava Semolinika Tomic.

★★

Agraïments especials per la seva col.laboració en la revisió de la traducció i L´Erick Ravinad Vall i per les converses en català sobre cine al Ferran Raventós i Planas.
★

Por Magalli Salazar | SALCON

https://elparpadodeceluloide.wordpress.com

Recordando el Festival Extra! FEM

por Pola RG

Desde el 5 de noviembre hasta el 8 del mismo mes se llevó a cabo el Festival Internacional de Performance EXTRA FEM!, con la curaduría a cargo de Pancho López. Fueron tres días dónde se hizo gala de la gran variedad de propuestas que hay en torno al performance hecho por mujeres. Hysteria! Estuvo presente en algunas de las performances y conferencias del viernes 7 y el sábado 8.

La conferencia a cargo de Mónica Mayer fue una amena plática acerca de “Archiva: obras maestras del arte feminista en México” proyecto en el que Mayer ha compilado las obras más significativas del arte feminista mexicano, desde los años 60 hasta la fecha. Un día antes Lorena Orozco impartió la conferencia: “Mujeres/cuerpo, espacio y tiempo. Intervenciones y acciones” también en el Museo de la mujer.

El viernes Nayla Altamirano, Nadia Granados (La Fulminante), Doris Steinbichler, Clara Macías, Odette Fajardo (La jaula de oro) y Claudia Cabrera presentaron performances individuales que trataban lo femenino desde la percepción social de lo que debería ser.

El sábado ocho se presentaron en conjunto lxs participantes del taller de Rocío Boliver La Congelada de Uva; “Pensar para dejar de pensar y accionar”. Apenas entrabas al anexo del museo el ambiente se sentía diferente, quizá caótico y a la vez libre.

También hubo un conversatorio titulado “Pornoterrorismo: Herramientas de lucha feminisa radical” que se llevó a cabo el sábado en el que participaron Diana J. Torres “La Pornoterrorista y Nadia Granados “La Fulminate” quienes nos mostraron un poco de su obra y nos platicaron sobre su proceso creativo y las motivaciones que tienen para hacer éste tipo de obra y Julia Antivilo que habló de las manifestaciones del pornoterrorismo en el «Coño sur» éste conversatorio fue moderado por la mismisima editora de Hysteria! Liz Misterio…YA TU SABE

La «cuatitud» en el séptimo arte

Por SALCON | Magalli Salazar _oct 2014

Anormal. (De a-² y normal). 1. adj. Que accidentalmente se halla fuera de su natural estado o de las condiciones que le son inherentes. / 2. adj. infrecuente.

Así se describe a una de las maravillas de la naturaleza reproductiva humana: el embarazo gemelar. Esos pares de melliz&s o cuates, como se les conoce por un mexicanismo, del náhuatl cóatl, serpiente o mellizo, también es sinónimo de amigo íntimo y su condición atípica ha provocado un gran interés para la ciencia médica, un alimento para los mitos y leyendas y un juego para la imaginación cinematográfica.

Pese a que otras especies de mamíferos presentan embarazos múltiples, solamente a la raza humana se les confiere el calificativo de gemelos a aquellos individuos nacidos en una sola gestación. Y por sus características específicas se les denomina con los nombres de gemelo, mellizo, gemelo semiidéntico-quimera y siamés.

La producción de un par de herman&s sucede cuando el embrión se biparte y cada uno de esos dos embriones es fecundado por separado, en algunos casos excepcionales la ruptura del embrión no se completa y los individuos presentan una unión definitiva.

***

Pero si miramos a este fenómeno a lo largo de la historia humana podremos ver que el nacimiento de cuates o cuatas, triates o triatas, (mellizos y trillizos o más) ha desencadenado una serie de mitologías fascinantes y prácticas extraordinarias. Por principio habrá que derribar el mito de que en los gemelos hay uno mayor que otro; dado que la fecundación sucede casi de manera simultánea no ha de hacerse tal distinción, el hecho de que el embrión se anide más cerca de la salida del útero es una situación casual. También es interesante saber que existe un síndrome llamado del gemelo evanescente que se refiere a la pérdida de uno o más de los fetos en un embarazo múltiple y el producto es reabsorbido de manera parcial o total, es decir, que un porcentaje importante de nacimientos de un solo bebé fueron en principio un embarazo múltiple.

En las culturas originarias de América en especial en la del antiguo México, los gemelos juegan un papel central en la creación del ser humano. Podemos mencionar a los dioses Quetzalcóatl (la serpiente emplumada), que representa la sagrada energía de la vida y su hermano Tezcatlipoca, ambos son hijos de la serpiente cósmica Coatlicue. De la cultura de los antepasados Mayas, pueblo indígena de la península de Yucatán, México y parte baja de Guatemala, se conserva el Popol Vuh, libro sagrado en donde se relata que Sabná, Padre de todos los Dioses, pidió a sus hijos gemelos que bajaran a Xilán a crear el hombre con diferentes materiales. Primero lo hicieron de barro, luego de madera y finalmente de maíz; este pre-hombre fue enterrado y dio origen al verdadero hombre que nació de la tierra para luego poblarla.

En contraste, en Colombia existe una comunidad indígena llamada los U´Was que habitan en el oriente y en el nororiente del país. Se dio a conocer el abandono de unos gemelos en la zona selvática, rechazados por las creencias religiosas de la comunidad que los considera mensajeros de malos augurios y representantes de sisrama (el diablo). Sus padres (uisa tetá y uisa bá, papá y mamá respectivamente) son considerados no aceptables (cacajarna) y durante cuatro años no pueden consumir sal y son rechazados de varias de sus actividades diarias y rituales. Al cabo de ese periodo de relativo aislamiento los padres son convocados a un «chaubitá» (ritual de purificación) que les devolverá la plenitud de sus derechos. Pero, en vez de sus propios nombres, se les llamará de ahí en adelante como uisa tetá y uisa bá. Es muy probable que en años próximos Bienestar Familiar[1] se haga cargo de los niños que sean abandonados.

Como se ha contado, los embarazos múltiples son acontecimientos que causan miedos irracionales aún en la actualidad. Y si eso fuera poco, en el caso de los herman&os siames&s no ha sido sino recientemente que se legisla para favorecer los derechos de las personas que presentan está condición.

Una historia emblemática es la de los hermanos conocidos como Chang y Eng, que nacieron en el año de 1811 en Siam, actualmente Tailandia. Según la costumbre del lugar debían ser sacrificados en público para ahuyentar al diablo. Por el contrario, sus familiares los escondieron y para el año de 1829 fueron trasladados a Boston, Estados Unidos. Durante años fueron exhibidos por todo el mundo, siendo presentados como “E pluribus unum” (de muchos uno). Los hermanos estaban unidos por el tórax y pese que en algún momento intentaron encontrar algún médico que les separara, no hubo quien lo hiciera. Entonces ellos se dedicaron a trabajar en las giras del circo y cuando se independizaron se fueron a vivir a una granja, con sus esposas Sarah y Adelaide Yates, con quienes procrearon más de 20 hijos, ninguno gemelo. Chang y Eng murieron con algunas horas de diferencia a la edad de 63 años.

Otra historia fascinante ocurrió en el año 2000. Se trata del debate legal en torno al caso de Jodie y Mary Atard, hermanas siamesas a quienes los médicos les habían diagnosticado una condición que comprometía el aparato cardio-circulatorio y de no separarlas ambas morirían. Sus padres no querían hacerlo pues representaba quitarle la vida a Mary -la más débil de las dos-. Así que los médicos llevaron el caso ante la corte porque de no intervenirlas quirúrgicamente fallecerían antes de cumplir un año de edad.

El abogado Robert Walker, calificó el caso de «trágico y sin precedentes». Concluyó que la separación era benéfica pues le daba la oportunidad a Mary de su integridad y su individualidad aunque fuera por pocos instantes, y que no se debería considerar la cirugía como un sacrificio para Mary, sino como un intento de salvar a Jodie. Gracias a este argumento la cirugía se llevó a cabo en enero de 2001, Mary sobrevivió solo unos minutos y Jodie se repuso para volver con sus padres a Gozo.

Más allá de los mitos y leyendas que puedan surgir del nacimientos de herman&s gemel&s lo cierto es que es un hecho de lo más extraordinario y emocionante desde muchas perspectivas, que comienza por compartir el mismo espacio en el vientre materno y se extiende hasta, por ejemplo, inventar un lenguaje de balbuceos, mantener una conversación más o menos coherente mientras están dormid&s, descubrir a temprana edad que hay alguien que se te parece y obvio “no eres tú”, intercambiarse en clases, confundir a los amig&s…Esa complicidad maravillosa junto a tu persona gemela.

Recomendación fílmica entre cuates

Daisy Hilton&Violet Hilton en Freaks (Fenómenos), de Tod Browning, 1932; Princesa Leia&Luke Skywalker en Star Wars (La guerra de las galaxias), dir. George Lucas, 1977; twins Grady Daughter´s en The Shining (El resplandor), dir. Stanley Kubrick, 1980; Oswald Deuce&Oliver Deuce en A Zed & Two Noughts (Una z y dos ceros), dir. Peter Greenaway, 1985; Dr. Beverly Mantle&Dr. Elliot Mantle en Dead Ringers (Inseparables), dir. David Cronenberg, 1988; Julius Benedict&Vincent Benedict en Twins (Gemelos), dir. Ivan Reitman, 1988; Rey Luis XIV&Phillippe en The Man in the Iron Mask (El hombre de la máscara de hierro), dir. Randall Wallace, 1998; [Pablo Ceniza&Pedro Ceniza] en The Ninth Gate (La novena puerta), dir. Roman Polanski, 1999; Twin1&Twin2 en The Matrix Reloaded (Matrix recargado), dir. The Wachowski Bros., 2003; So-yeon&Hyun-sik en Jeonseol-ui gohyang (La gemela malvada), dir. Kim Ji-Hwan,2007; Tweedledee&Tweedledum en Alice in Wonderland (Alicia en el país de las maravillas), dir. Tim Burton, 2010.

[1] Institución colombiana encargada de resguardar la familia y la niñez. Brinda servicios a niñas, niños adolescentes y familias que, sobe todo, se encuentran en vulnerabilidad económica y scoial. (Nota de corrección).

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Reseña de la película «Fat girl» de Catherine Breillat

por Amado Cabrales

A Ma Soeur!

Dos hermanas en oposición, en competencia y complicidad para alcanzar su plena sexualidad. Dos cuerpos en conflicto, uno anegado del placer en convite y otro objeto-fetiche, buscado y deseado. Ambas en búsqueda de perder su virginidad, ambas de vacaciones, aburridas, tarareando una canción:

Me aburro de 6 a 10
de 6 a 10
Toda mi vida
de noche y día
Me aburro tanto
Si solo pudiera encontrar
vivo o muerto
un hombre, un cuerpo
un animal
No me importa
solo soñar

Anais y Helena son hermanas, están de vacaciones en lo que probablemente es el sur de Francia. Salen de su aburrimiento caminando. Salen al pueblo, lejos de su retiro familiar en la residence. Buscan algo, lo que sea, sea hombre o animal. Es entonces que encuentran a Fernando.

A Ma Soeur! (léase A mi hermana! 2001) con una trama aparentemente simple y plana, logra el extrañamiento frente a cuestiones de temática adolescente: el despertar sexual, el verano, las relaciones entre hermanos, incluso el aburrimiento como principio de acción, pues Fat girl, como fue titulada en inglés, las trasciende, profundiza, mas allá y se interna en sus detonantes, los expone y ridiculiza al mismo tiempo que critica la superficialidad y voyerismo con que son tratados.

Catherine Breillat (36 fillete 1988, Romance 1999) crea en el film personajes borrosos, carentes de pasado y llenos de contrariedad, y por lo tanto de realidad. Coloca dentro de la trama la sexualidad femenina, la vuelve el sujeto de análisis visual, y desde su perspectiva amoral, desgrana poco a poco los mecanismos de sumisión cultural del cuerpo y mente de las protagonistas, exhibiendo de manera cruda sus respuestas a tal sometimiento, sea consciente o no.

El papel de la cámara es paciente, toma su tiempo para observar el letargo de las vacaciones de Anaís y Elena. Se mantiene en medios planos y contempla, hace sutiles paneos a la hora del torpe cortejo de Fernando en la habitación, y se abre poco a poco para recordar al espectador que no está solo. Los rostros de Anaïs y Helena son el objeto de los close ups que revelan sus diferencias y afinan sus coincidencias. Reveladora es la escena de ambas frente al espejo, en donde a partir de sus diferencias físicas encuentran en sus ojos la condición esencial que las hace ser iguales.

Entre el hecho de que Anaïs sea gorda o quiera perder su virginidad con un desconocido al que no ame y la alienación y aparente soledad a la que la confina su hermana y su familia porque Helena es más bella o semejante a su madre, ambas hermanas son tratadas bajo un parámetro que las rivaliza y confronta y que impide se apoyen mas allá del simple solaparse sus aventuras sexuales.

Anaïs encubre y cuida a Helena a pesar de sus insultos y malos tratos, y lo que lo hace posible, más allá de la camaradería de hermanas, es el reconocimiento de Helena como un igual, con las mismas necesidades y deseos: aquello que ven ambas en el espejo es su condición de mujer. Ambas son torpes en lo que respecta expresar su sexualidad al sexo opuesto: juegan a seducir, Anaïs con las barandillas de la alberca, frotándose aceite sobre la plancha de la alberca, Helena con Fernando, quien literalmente la obliga a tener sexo con ella, mediante alegatos aberrantes.

Las diferencias físicas y de perspectiva ante la primera vez llevan, por un lado, a Helena a topar con pared con su ideal del amor con sexo como medida para perder la virginidad en donde es tratada como un objeto del cual se vale Fernando como un medio para una satisfacción unilateral y misógina. Anaïs, por otro lado, defiende hasta la última toma su falta de creencia en los mecanismos que la llevan a la marginalidad de su cuerpo, de su derecho a la satisfacción sexual y al placer.

A pesar de lo que sugiere el titulo en inglés, la obra de Breillat no versa solo sobre los problemas que conlleva tener un físico como el de Anaïs, sino en mostrar en clara dualidad las desventuras sexuales de dos hermanas. Cómo éstas son sometidas bajo los cánones de belleza, aspiración-obligación social de tener un cuerpo lo más apegado al icono sexual para poder disfrutar de la sexualidad.

Son muchos los temas que saltan en la hora y media de película, que no pueden ser tratados sin el terrible spoiler, razón por la cual dejo al lector que haga sus propias opiniones al ver el filme. No obstante, un comentario final: la escena de los camiones acechando el pequeño auto con madre e hijas a bordo, es por demás tenso, y encaja perfectamente en un ambiente de violencia hacia la mujer por parte de los personajes masculinos de la película.

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Encuentra más de las críticas de Amado Cabrales en la revista F.I.L.M.E.

Carnita, tripitas y moronga

Cine sangriento de cuerpos desparramados en todas sus dimensiones

1897 París, Francia. Es este el primer escenario de una tendencia teatral dedicada a la crueldad, el escándalo y el asombro terrorífico. En la calle de Chantal número 20 se exhibieron las representaciones del Grand Guignol. L&s espectador&s que ahí acudían solían gritar por las barbaries que estaban observando, no salían despavorid&s por saber cuál sería el destino trágico de l&s personaj&s, y debido a ello, se desmayaban a causa del impacto de los horrores perpetuados en contra de hombres y mujeres víctimas de atroces y escalofriantes actos. Esto para el teatro y sus administradores era una forma de medir su éxito. Cada acto era organizado metódicamente, entre más realista mejor.

Una de sus estrellas principales, la actriz francesa Paula Maxa (1898 -1970) sufrió a lo largo de su carrera histriónica cientos de violaciones, mutilaciones y muertes. Los datos encontrados no coinciden en las cantidades sobre las muertes inhumanas que sus personajes sufrieron, pues en algunos textos se habla desde 358 hasta 30.000 veces, en lo que sí concuerdan, es en que ella fue nombrada como “la mujer más asesinada del mundo”, en algunas ocasiones de manera espantosa y, cabe decir, con bastante ingenio. Por ejemplo, apuñalada con un arma invisible, devorada por un puma o al ser besada por un leproso.

En este Gran Teatro de Marionetas los seres humanos eran representados desde una perspectiva brutal y cómica a la vez. De modo que la crítica social sobre la existencia era un punto relevante en la dramaturgia de este género. Recordemos que entre una obra de terror dramático se intercalaba alguna comedia. En el teatro se programaban varias obras breves al día, cuya finalidad era involucrar al público en las historias sobre muerte, erotismo y locura, procurando hacer de lo predecible algo insoportable y de la trama algo absolutamente inesperado.

Su último director, Charles Nonon, desarrolló técnicas para simular varios tipos de sangre, los cuales se usaban para maquillar heridas recientes, heridas más viejas e, incluso, sangre coagulada, así también, creó sangre comestible para aplicar en la boca y sangre que no irritara los ojos.

De manera irónica el final del Grand Guignol (1962), entre otras cosas, fue la aparición y éxito del cine que cada vez fue acaparando a más público.

* * *

Ironía si, por que al Grand Guignol se lo considera el ancestro de los subgéneros del cine terror sangriento, cuya filmografía es extremadamente abundante, este subgénero representa uno de los resurgimientos fílmicos del siglo pasado y aún continúa gestando nuevos tipos de público y de narrativas estéticas para alimentar lo torcido, lo asqueroso, lo inmoral…

Algunos historiadores consideran a la película Blood Feast (1963), del director estadounidense H. G. Lewis, como la primera del género gore. Pero revisando el linaje del subgénero, se menciona que el director nacido en Kentucky, E.U.A, D.W. Griffith, -con una filmografía de más de 250 títulos desde 1908-, es el primero en filmar la mutilación realista del cuerpo humano (Intolerance, 1916).

Gore que refiere a lo híper sangriento y a la destrucción del cuerpo físico, incluso, no importando tanto el motivo sino el suceso, además con amplias dimensiones:

gore asiático, giallo, splatter, body count, slasher, slapstick, gorno y cine mondo.

* *

Si le has perdido el asco a comer palomitas con mucha salsa valentina mientras ves alguna de estas cintas, en este texto incluiremos una breve selección para disfrutar.

El gore como subgénero, suele antecederlo en las fichas técnicas los géneros del western, thriller, o crimen. Algunas joyas son: El topo (Dir. Alejandro Jodorowsky, 1970); La masacre de Texas (Dir. Tobe Hooper, 1974); Ratas de la ciudad (Dir. Valentín Trujillo, 1986); la saga de Final Destinatio, especialmente la 3ª (Dir. James Wong, 2006); Martyrs (Dir. Pascal Laugier, 2008); Reservoir Dogs, (1992), Kill Bill vol. 1 y vol. 2 (Dir. Quentin Tarantino, 2003 y 2004). En el caso del gore asiático mezcla también de terror psicológico, cine samurai y clara influencia del manga –término acuñado por el artista japonés del periodo Edo, Katsushika Hokusai (1760 –1849). Dentro de este tesoro fílmico tenemos las cintas: Ricky oh (Dir. Ngai Choi Lam -Simon Nam-,1991); Battle Royale (Dir. Kinji Fukasaku, 2000); Ichi the Killer (Dir. Takashi Miike, 2001); Old Boy (Dir. Chan- Wook Park, 2003); y su vertiente europea, el cine giallo, bajo la firma del romano Lucio Fulci con sus filmes: La verdadera historia de Beatrice Cenci, Las 7 puertas del infierno (1969, 1981); Rojo Profundo, Suspiria y Phenomena (Dir. Dario Argento, 1975, 1977 y 1985).

En cambio, el término de splatter, se refiere al sonido de las vísceras al salirse del cuerpo, como en La noche de los muertos vivientes (Dir. George A. Romero, 1968) y Bad Taste (Dir. Peter Jackson, 1987). Pero, si hablamos del body count, agregamos: Pesadilla en las calles del infierno (Dir. Wes Craven, 1984); Viernes 13 (Dir. Sean Cunningham, 1980). El slasher tiene su obra cumbre en Halloween (Dir. John Carpenter, 1978), y el «splatstick» (un acrónimo de «splatter» y «slapstick»), es decir, el gore de comedia podemos citar a las cintas Evil Dead (Dir. Sam Raimi, 1981); Blood for Dracula (Dir. Paul Morrisey, 1974); Braindead (Dir. Peter Jackson, 1992) y, Pet Cemetary (Dira. Mary Lambert, 1989) película basada en la novela homónima del escritor estadounidense Stephen King. A la lista le sumamos el gorno, otro acrónimo de «gore» y «porno», caracterizado por imágenes de violencia explícita, pornografía y tortura. Sus inicios pueden verse en algunos de los filmes de la británica Hammer Productions, por ejemplo, en Drácula (Dir. Terrence Fisher, 1958). En la actualidad las películas de este subgénero más conocidas son Hostel (Dir. Eli Roth, 2005) y, Saw (Dir. James Wan, 2004). Por último queda el denominado cine mondo. Los italianos Gualtiero Jacopetti y Franco Prosperi estrenaron su cinta Mondo cane (Mundo perro) en 1962, que mostraba a manera de un documental lo bizarro y extravagante del mundo humano. Por dar un ejemplo: se realizan recopilaciones de eventos alrededor de varias culturas y se las une a través de una narración. Quizá una de las escenas filmadas más impactantes está en el “opening”, y aquella de los rituales de una tribu en la que sus celebraciones duran 3 días y 3 noches, en donde, como relata el narrador, la mayoría de sus miembros ya han probado carne humana. De aquí se derivan también las llamadas cintas snuff, que aunque no hay ninguna evidencia de que existan, sí las hay con escenas explícitas reales de muertes en accidentes, fusilamientos, violencia extrema, etc., pero que no son propiamente de ese género pues ningún actor o actriz se le ha indemnizado por morir en escena. Un caso aparte es la espeluznante cinta del subgénero guinea pig, actualmente prohibido en Japón, ya que en algún tiempo se creyó que se trataba de hechos auténticos de tortura y asesinato Flower of Flesh and Blood (Dir. Hideshi Hino,1985). Y para no relatar la historia sólo se dirá que el personaje del samurai termina engullendo una parte del cuerpo de su víctima.

Todas las personas disfrutamos poder presenciar cosas peligrosas y salir ilesos, eso lo saben perfectamente los que realizan los filmes, por esa causa se han derrochado miles de técnicas, recursos y efectos para lograr destrozar nuestra tranquilidad en las salas de cine, mostrándonos experimentos psicológicos fallidos, muerte, incesto, violaciones, accidentes atroces, contagio de enfermedades mortales, secuestros, locura, tortura física y mental, encierro, asesinatos, canibalismo.

* El último ingrediente de nuestro menú cinéfilo son los filmes de crimen-drama y horror sangriento sobre asesinos caníbales. Una de las prácticas ancestrales que tienen origen en diversas culturas de Mesoamérica, Sudamérica y África, ya que formaba parte de sus rituales religiosos. A diferencia de la antropofagia, el canibalismo se realiza con la finalidad de “absorber”, mediante la ingesta de alguna parte del cuerpo del “otro”, su esencia energética, es decir, poder poseer sus dones: fuerza, inteligencia, carácter, etc. Cintas como Las colinas tienen ojos (Dir. Wes Craven, 1977); El cocinero, el ladrón, su esposa y su amante(Dir. Peter Greenaway,1989); Tomates verdes fritos (Dir. Jon Avnet,1991); Ciudadano X (Dir. Chris Gerolmo, 1995); Dahmer (Dir. David Jacobson, 2002); Sweeney Todd(Dir. David Moore, 2006); y, Rohtenburg (Dir. Martin Weisz, 2006). Sin duda una selección para aquell&s de estómago curtido que les dejará un buen sabor de boca.

¡Buen provecho!

Por SALCON | Magalli Salazar_31 Agosto 2014

Intervención de Hysteria! en la fiesta Fuck For Gomorra

Casa Gomorra, que desde hace un año se ha dedicado a apoyar diversos proyectos con temas de sexualidad y género ofreciéndoles un espacio para presentarse; convocó el pasado 19 de julio a solidarizarse con ellxs para el Fuck for Gomorra: una celebración de encuentros no heteronormados.

Mientras se proyectaban webcams xxx en vivo en las paredes de la casa justo a la media noche empezó el show travesti “Transchangada”. DJ Kuult Grave y DJ Asagi Saundo y su sonido zombie se encargaron de mantener a la gente bailando y a partir de la una de la mañana se abrieron las puertas del cuarto oscuro queer.

Hysteria! Revista estuvo presente con su equipo de fotógrafas registrando la fiesta e instaló un set fotográfico para captar las poses sexys y divertidas de quien se apuntara. Aunque al principio la gente se mostró tímida, poco a poco el ambiente fue calentándose y el set se convirtió en pasarela del gozo y la celebración.

Primer Festival Extra! Burlesque

Por Liz Misterio

Con motivo del 3er aniversario del Programa de radio por internet De la A a la J, conducido por el performancero Pancho López y por Tígrida Revuelta, se celebró el 20 de agosto de 2014 la primera edición del festival Extra! Burlesque en el Foro Roma, un espacio ubicado al interior de la Universidad de la Comunicación en el Distrito Federal.

Luces, tacones y encaje

Era una tarde gris y muy lluviosa en la Ciudad de México, en la que poco a poco fueron llegando serias y recatadas figuras al Foro Roma, cargadas de voluminosas maletas y cubiertas de pies a cabeza con gabardinas, botas para la lluvia, gorros y paraguas, nadie hubiera pensado la maravillosa transformación que esos seres estaban a punto de experimentar.

Poco a poco los camerinos se fueron llenando de calidez humana, con cuerpos de todos tipos transformándose en lúbricas creaturas, listas para seducir y hacer reflexionar a la audiencia a través del deseo y la risa.

El cartel atrajo a una numerosa audiencia que abarrotó el lugar para presenciar el arte de desvestirse con estilo de las connotadas artistas del burlesque, del encuere y del humor picoso Maru Chellet, Adriana Olivera “La pájara”, Islandia, Chichis Glam, Ana Cetti, Tigrida Revuelta, Señorita México 78, Lucy Von Mambo, Gigi de Angora, Sissy Lou, Manuel Sol Mateo, Pinina Flandes, Minerva Valenzuela “ladelcabaret” y como invitada especial La Chica Boom, todo esto presentado por el performancero mexicano Pancho López, quien además de ser el organizador del evento fungió como MC.

Las propuestas escénicas fueron de lo más variopintas, pero en general todas se destacaron por encarnar una sexualidad lúdica y abierta en donde cupieron cuerpos de todos los tamaños, géneros y edades, lo cual me resultó muy refrescante teniendo en cuenta el rígido canon de belleza con el que constantemente nos bombardean los mass media en relación a qué cuerpos tienen permiso de desear y de ser deseados y cuáles no. El espectáculo se desarrolló de manera ágil y logró mantener al público atento hasta altas horas de la noche a pesar de que era miércoles y al día siguiente había que madrugar.

Me gustó mucho conocer el trabajo que hace la sensual Gigi de Angora junto con su hijo, el jovencísimo Manuel Sol Mateo, que conmovió a la audiencia con su hermosa voz de canto, su andrógina figura y los ingeniosos trajes que él mismo diseña. Minerva Valenzuela “ladelcabaret” se hizo acompañar de un guitarrista para interpretar su acto llamado La mosca en el que cantó e interactuó con el público con el humor feminista que la caracteriza, mientras que Pinina Flandes encarnó a “Carne en Parranda”, la versión porno – queer- crítica de Carmen Miranda.

Quien cerró la velada con broche de oro fue la artista chicana conocida como La Chica Boom con su sketch llamado “La tortillera” que despertó las carcajadas y las bajas pasiones del público con una propuesta tanto entretenida como crítica ante los estereotipos “de lo mexicano” que existen en los Estados Unidos

Esa noche me llevé a casa muchas risas y el gusto de haber visto a artistas cuyo trabajo ya había tenido el gusto de disfrutar en otras ocasiones, así como de haber descubierto nuevos artistas a quienes seguirles la pista.

¡Que se repita!

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