Conocí a Gabrielle en noviembre del 2014, una charla en un seminario donde el tema a tratar en esa ocasión era su trabajo como activista y artista. (*)
Se presentó con un fluido español, diciendo, soy Gabrielle, y soy Queer.
Pero, ¿quién es Gabrielle?, ella nació en Londres y creció en Sudáfrica. Es artista visual y activista por la justicia social. Desde 2001 ha colaborado con organizaciones y grupos diversos en la creación de intervenciones culturales, en una diversidad de formatos, incluido el video. Fue cofundadora del South African Women’s Media Watch, organización de la que fue directora durante varios años. Su trayectoria como activista feminista en torno al género, cuestiona aspectos como el sexismo, el racismo, el clasismo y la homofobia.
Después de la introducción curricular, nos explicó las dificultades que enfrentaban las personas transgénero en África, la nulidad de sus derechos, su poca aceptación, la dificultad económica para rehacerse con proceso hormonales, así como la importancia del desafío religioso que este cambio tiene consigo.
Cuando finalmente llegó la hora de ver su trabajo, me encontré con dibujos directos de la observación de lxs modelos, en todos había palabras alrededor del retrato. Algunos otros eran pinturas un tanto más elaboradas a color, que reflejaban más una preocupación técnica que de expresión. Cuando le pregunté cuáles le gustaban más, sin pensarlo me dijo; “los primeros, los dibujos”, me explicó entonces el proceso de esta serie, donde retrata modelos transgénero, Todxs de diferentes países del continente africano; Uganda, Zimbabwe, Kenya, Botsawana, Sudáfica, entre otros. Mientras dibuja platica con lxs modelos, así el trabajo se vuelve dinámico y ella logra apropiarse de sus historias para complementar el sentido de los dibujos. Le toma aproximadamente dos horas dibujar el retrato; para posteriormente pedirle al modelo que con sus palabras y letra, escriba lo que quiera que todos sepamos sobre su persona, sentimientos, historia, lo que sea que quiera decirnos; de esa manera el trabajo del artista se convierte en una unidad entre su modelo y ella.
Gabrielle jamás propone la composición que lxs modelos hacen al poner sus textos, sorprendentemente todxs han escrito alrededor del dibujo, sin cruzarlo, sin rayar su retrato, sin incidir dentro de él, como un ritual de respeto mutuo, donde retrato y escritura se complementan haciendo una fusión de dos personas hablando de lo mismo. De la discriminación transgénero, de la raza, del orgullo de ser auténtico, de la lucha que persiguen juntos.
Para Gabrielle, el objetivo de los dibujos no es crear obras de arte que pretenda vender en galerías y museos, ni tampoco consagrarse como una artista importante dentro del mercado del arte, su objetivo es darnos a conocer las diferentes caras de las personas transgénero, con sus problemáticas, con sus logros, para poder avanzar en los lugares donde hay tensiones con el tema.
Gabrielle ha expuesto este trabajo en lugares como el Wits Art Museum en Sudáfrica, el Museum of London, la sede de la UNESCO en París, el Ninsee Museum on Dutch Slave History and Heritage en Amsterdam, las galerías Shunt en London Bridge Station, y Art Cage Gallery en Amsterdam, también se incluyen Berlín, Barcelona, Estanbul, Madrid, Estocolmo, Hamburgo, Viena, Tier, El Haya, Atenas, Ankara y Malmo.
Gabrielle Le Roux actualmente trabaja una serie de videos de personas transgénero en Turquía, una experiencia diferente para ella, pero sin lugar a dudas igual de valiosa.
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* Seminario permanente…… Visiones Multi y transdiciplinariAs» y CEEAGSE: Marinella Miano
Sobre el foto reportaje Esclavitud Moderna de Lorena Ros
Por Marisol Maza
Cada año centenares de mujeres nigerianas son víctimas del tráfico de personas en Europa occidental para trabajar en la industria del sexo. Industria que beneficia a unos pocos y genera un espacio para el abuso y la manipulación de mujeres que, orilladas por las condiciones económicas en su país y atraídas con mentiras, salen de Nigeria en busca del sueño europeo. El 80% son de la provincia de Edo, al sur del país.
Para viajar a Europa contraen deudas con sus traficantes, deudas que después deben pagar trabajando en condiciones de esclavitud, pues todo el dinero que ganan está destinado a solventar hasta 50.000 dólares, más los gastos que se generan de su renta y manutención. El no tener papeles las obliga a vivir al margen de la ley, sin derechos, sufriendo discriminación por parte de una sociedad que no las acepta por su situación irregular y por el color de su piel, expuestas a todo tipo de abusos por parte de sus traficantes, sus clientes y la policía.
Por absurdas que sean las cantidades por pagar y por más violencia que sufran, ellas nunca van a escapar, ni a dar por terminada la relación que las mantiene al lado de sus traficantes, aunque tengan la oportunidad de hacerlo.
Antes de viajar a Europa, estas mujeres se someten a un ritual a través de la práctica del juju, arraigada tradición espiritual del sur de Nigeria, en el que dejan su alma en prenda hasta saldar la deuda impuesta por sus traficantes.
Durante la ceremonia su cuerpo es marcado con pintura en polvo para que los espíritus puedan reconocer el alma que se les está ofreciendo; de este modo se lleva a cabo un juramento de lealtad entre el dios al que invocan, el traficante y las mujeres. Ellas están convencidas de que el incumplimiento a este contrato les traerá las peores desgracias, la locura y la muerte. Ni por un momento dudan de la veracidad de estos decretos.
A partir de este momento están dispuestas a soportar todo tipo de abusos. Le tienen más miedo al ritual y sus consecuencias que a cualquier otra cosa que pueda sucederles.
El único que puede liberarlas o dar por terminado el pacto es el mismo hechicero que realizó el ritual.
Esta práctica es una garantía de explotación a las mujeres que se someten a ella.
El miedo, la desinformación y la desesperación de mujeres jóvenes que desean un mejor futuro para ellas y sus familias; el oportunismo de los brujos y traficantes, aunado a la histórica opresión patriarcal de Europa hacia África con su permanente saqueo y demanda de productos y servicios, generan las condiciones perfectas para dar lugar a estas nuevas formas de esclavitud.
Lorena Ros (Barcelona, 1975) estudió Humanidades en la Universidad Pompeu Fabra e hizo un posgrado de fotoperiodismo en Londres. En 2001 ganó el World Press Photo con un reportaje sobre la inmigración ilegal en España y en 2004 igualmente obtuvo una Mención honorífica con el proyecto sobre tráfico de mujeres nigerianas a Europa. Con este mismo, obtuvo la Beca Fotopress 03 y el premio OneWorld Media de Amnistía Internacional en 2005.
Mas información:
‘Unreported World’, ‘Nigeria: Sex, Lies and Black Magic’. Reportaje de Jenny Kleemans.
Performance de la Serie Santísimos Sarcasmentos: BAUTISMO/NEGRO
De Anúk Guerrero
Para el catolicismo, el Bautismo limpia el “alma impura” del infante indefenso y lo convierte en “digno hijo de Dios” arrebatando su naturaleza genuina e imponiendo una falsa identidad.
Bautismo /Negro es un acto consiente de etapa adulta que evoca “la mancha del pecado original” sobre el cuerpo deseante, instintivo y vulnerable que se re-identifica con posibles nuevos nombres y actos purificantes radicales.
Ficha de la acción:
Festival Internacional de Performance EXTRA FEM!
Museo de la Mujer. México D.F.
6 Noviembre 2014
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Performance 43 Sudarios
De Anúk Guerreo y Lehcedevirgen Trimegisto
Mano a mano donde Lechedevirgen y yo abordamos la cruda realidad en la que se encuentra sumergido nuestro país, a saber; México, el cual se haya envuelto en un clima de violencia, impunidad y muerte. Esta pieza es un tributo que recuerda la reciente tragedia en Ayotzinapa como evidencia de un crimen de estado que privó de sus vidas a 43 estudiantes normalistas.
Simbólicamente, retomamos la imagen de Cristo y Magdalena para resignificar el dueto pasionista en el que el dolor y el drama toman protagonismo. Lo contextualizamos a la actualidad mexicana, donde cada día aumentan las desapariciones y el narco-estado tiene paralizada a la sociedad por medio de la crueldad. La incertidumbre es un modus vivendi del que las nuevas generaciones de jóvenes queremos escapar y por el cual exigimos justicia.
43 Sudarios es una encarnación contemporánea del vestigio de la muerte por medio de 43 improntas de nuestros rostros sangrantes efectuadas por el público para dejar con ello un registro, a manera de instalación In Memoriam, de los jóvenes a los que les arrebataron su libertad y sus sueños.
Ficha de la Acción:
Presentación final de Workshop Performance Art. RITUAL CONTACT “Resquicios de Mictlan y otros Abismos” impartido pro Anúk Guerrero
Museo de la Cuidad de Querétaro
Sábado 22 de Noviembre
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SEMBLANZA de Anúk Guerrero
Performer Nómada Trans/disiplinaria con formación Plástico/Escénica, directora de Nigredo Lab. Gestora, pedagoga y productora de Performance Art. Trabaja desde el término autodenominadoPSICORPOLOGíA: Asume su cuerpo como espacio político/ritual y territorio sagrado donde explora los límites psíquicos, la euforia y el trance, el rendimiento físico y la sublimación. En su obra aborda preocupaciones referentes a la violencia, sexualidad e identidad, principalmente. Obra simbólica, barroca y dramática, eclecticismo entre lo sacro e iconográfico, el imaginario sincrético, deidades femeninas, misticismo, brujería y nomadismo.
Sus piezas más destacadas: InnanA PsicoideA, Ex Teresa Arte Actual FEMSTIVAL 4ta Ed, Umbilical MadrAZO para 1er Muestra Nacional de Performance NEGACIÓN Y UTOPÍA Ex Teresa Arte Actual, México D.F 2013. Serie Postnacional Reencuentros II de Guillermo Gomez Peña, Museo de la Cuidad, Qro 2014 y BAUTISMO/NEGRO, Festival Internacional de Performance EXTRA FEM! Museo de la Mujer, México D.F 2014.
Amamos el trabajo de Jovan Israel por que muestra un matiz poco visto en la iconografía BDSM- gay: el de lo kinky y sexualmente explícito combinado con una estética dulcemente pop, algo así como un Hello Kitty conoce el cuarto obscuro.
imagen por Bruja Prieta imagen por Bruja Prieta
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Mi nombre es Jovan Israel, nací un 10 de mayo de 1991 en un convento de monjas en el Distrito Federal, estudio la licenciatura en comunicación y cultura por parte de la UACM Centro Histórico, he trabajado para el INJUVE DF, dentro del Seminario Juvenil de sexualidad: Derechos sexuales y reproductivos, en el foro Jóvenes Igualmente Diferentes exponiendo mi trabajo como ilustrador en el Centro Cultural España, también he realizado cómics informativos sobre la prevención del consumo de drogas, la violencia de género y familiar y las enfermedades de transmisión sexual en los jóvenes. Tengo un colectivo llamado “Les femmes Project”, donde ilustradoras mexicanas exponen y ponen a la venta su trabajo, participé en el libro Morrissey y los atormentados, el primer libro editado por la Revista Marvin. Estuve dentro de la clínica «Ilustración&Moda» impartida por Prince Láuder y Jovan Israel en el marco de la primera edición de «Convergencias Moda&Arte” en CASA VECINA; en el Primer Encuentro Universitario de Arte, Feminismo y Género en la UACM: Imaginarios y representaciones estéticas de género realizado por el Centro de Estudios Interdisciplinarios de Género-UACM.
Red Beaujolais (Appellation d'Origine Contrôlée)
Collage (25 x 20 cm)
2012
Chacal
Collage (25 x 25 cm)
2012
Tranny F&M
Collage (30 x 22.5 cm)
2009
Finalmente una sola ave dentro con un disparo
Collage (20 x 20 cm)
2012
Piscis
Acrílico, pastel de aceite, marcador y papel sobre lienzo (100 x 100 cm)
2010
telephone between us
Acrílico, pastel de aceite, marcador y papel sobre lienzo (100 x 100 cm)
2010
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Enriqe Landgrave aka Dr. Dodo. Pintor, ilustrador y fotógrafo mexicano (24 de febrero 1979, México D.F) Cursó la licenciatura en historia del arte en el Claustro de Sor Juana en México D.F y artes visuales en la School of Visual Arts en Nueva York, así como algunos cursos en Parsons School of Design. Su trabajo se destaca por una constante experimentación y observación. Combina diversas técnicas, estilos tanto en pintura así como fotografía, dibujo y collage con el propósito de conquistar a lo que él llama potenciaso afectos estéticos; como la conquista del color o de la luz. Esta convencido que como artista visual hay que regresar al boceto, al carbón, a lo áspero, al diagrama. Es un artista que siempre está al acecho, en búsqueda de nuevas técnicas y maneras de adentrarnos en su mundo.
El cuerpo catalogado socialmente como hombre, ¿no es erótico? ¿O es que la trata erótica es una trata sobre la carne? La forma bella, dictaminada: esto sí, esto no.
Somos carne, trozos, partes y miembros colgantes. Estamos envueltos, empaquetados y etiquetados así, todo en orden y bien numerado. Nada ni nadie se escapa, todo es de aquí o de allí. Todo ES.
El error como parte de adiestramiento «esto sí, esto no; esto bien, esto mal.
Nunca voy a olvidar esta noche: estoy sentada en mi cama, en la fría ciudad de Berlín, Alemania, muy cerquita de Pedro Costa (Nova Iguaçu, Brasil); nuestra charla comienza por la enorme curiosidad que tengo de conocer más de lo que experimenté cuando recién llegue a esta ciudad. Acá el panorama:
Era el día 7 de Agosto de 2014, en la galería NGBK de Berlín, que aquella noche dejó de ser una galería para convertirse en un espacio festivo, pero aun más, político. En punto de las 8 de la noche apareció en medio de una sala de la galería una mujer con un traje rosa y una peluca negra, bien peinada, por cierto. Pedro me cuenta de la aparición de aquella mujer “era una maestra de antropología”. Aún recuerdo sus lentes y sus suaves movimientos, mientras buscaba la lista de reproducción en su ordenador.
Entonces comenzó a sonar La chica de ipanema distorsionándose poco a poco, para dejarnos escuchar los sonidos de Funk Carioca, un estilo de música electrónica, que nace en las favelas de Río de Janeiro y que se denomina Proibidão. Estos ritmos que dislocan la música occidental son los que nos hicieron terminar en un aquelarre de cuerpos monstruosos, dialogando sólo a partir del sudor y el buen baile.
Solange to aberta (Solange, estoy abierta) es un proyecto que nace en 2006 en Salvador, Bahía, Brasil y que mezcla 3 culturas propias de su contexto: la cultura drag queen, el hazlo-tú-mismx y la música, combinada con el arte de la rebeldía. Solange es un nombre que llevan mucha mujeres transgénero en Brasil y es un homenaje que se les quiso hacer, nombrando así al grupo. No es fácil estar abierta, sin embargo, este proyecto lo está; es una energía que tiene el objetivo de despertar las subjetividades en los espacios que produce, cuenta Pedro.
Para mí, la experiencia de haber estado en un concierto de Solange fue algo catártico, de pronto el museo se convirtió en una especie de isla sudaka llena de cuerpos que gozábamos, y nos dejábamos llevar por el placer de un ritmo no sólo musical sino de comunicación horizontal debido a que nos encontrábamos en un espacio institucional. Compartiendo algunos videos con Pedro, me pude dar cuenta de que Solange, estoy abierta, precisamente trabaja con la des-estabilización de la institución, generalmente participa en exposiciones de arte donde las obras siguen generando un discurso normativo del arte contemporáneo.
Solange to aberta transgrede esto, ya que invita a todos los asistentes, incluyendo curadores, críticos de arte y público en general a disfrutar de sus cuerpos y dejarse llevar a través de la música distorsionada y construida desde una idea colectiva. Los muros del espacio se derrumban y todos nos movemos por el espacio, dejándonos llevar por la poderosa voz de Pedro Costa que termina por construir una estampida que escapa de las paredes del museo.
“Solange es una plataforma abierta, es una comunidad donde hay invitados, el micrófono no me pertenece solo a mí, le pertenece a todos durante los conciertos, funciona como una crítica a la cultura mainstream, tranfóbica, homófoca, misógina y muchas más; es una estética peligrosa que trabaja con la liberación de la subjetividad”.
No me queda más, que compartirles el trabajo de Solange, así que ¡dénle play y pónganse a bailar!
¿Conoces a Lia García (La Novia Sirena) y sus performances afectivas de la novia, la quinceañera, o la sirena? Espero que sí, y si no, ahora es el momento de poner atención.
Aunque su gama de performances es muy grande, y cada uno tiene muchas implicaciones, diría yo que su trabajo en general, o al menos lo que conozco, se ubica en los cruces del género, el sexo, las afectividades, la resistencia trans*, la mexicanidad, los rituales, lo decolonial, y lo colectivo. En este artículo, no se deshizo de sude sus miradas hacia de su cuerpoen distintos escenarios Pe la C nos concentraremos en la serie de acciones del proyecto Voz en Construcción, en el cual Lia, aparece con una hermosa cola de sirena en distintos escenarios públicos y comparte su voz profunda con todxs nosotrxs.
Les aconsejo que busquen más información sobre ella y su obra artística ya que resulta un referente muy importante para el arte feminist. En estas líneas, solo puedo hablar de algunas partes de esa serie, pero en realidad hay muchísimos aspectos e implicaciones que abordar en otro momento. Algo que tienen en común sus performances es la riqueza analítica que proveen. Mucho de lo que leerás aquí tiene que ver con una conversación abierta que tuve con ella a través de los meses que hemos tejido una relación, yo, y otras personas, y que todavía no termina. Tal vez también podemos considerar este texto en construcción.
fotografía por Griselda Jiménez
Las sirenas han aparecido en muchos lugares, especialmente en productos culturales, y a mí me parece que tienen tener que ver con ideas de la transgresión, aunque siempre surgen de maneras distintas. Muchas veces muestran algún peligro a la normalidad (piensa en las sirenas de la Odisea, que seducen a los marineros – quienes muchas veces van llevando comercio – a su muerte a través de su canto prohibido) y formas de creatividad. Son figuras muy posibilitadoras. Hasta ahora, el proyecto de Lia, la sirena, consiste en 4 performances, todas de este año y alguna(s) por venir. En la primera titulada Enciclopedia que sucedió en la facultad de ciencias de la UNAM, Lia se colocó en el suelo de esta escuela con su cola de sirena, con una cartulina científica sobre ella como si fuera parte de una exposición en un museo o la entrada a una enciclopedia, o sea, en lugares de construcción de conocimiento. La cartulina de información logró desafiar ideas de la objetividad y la verdad única y coherente de la ciencia. Ella, Pedía a la gente que pasaba por los asfaltos, la mayoría formándose en las ciencias y para nada en las artes, que la dibujaran en un lienzo blanco de papel en forma de escama.
Como mujer trans, fue un momento en que la colaboración entre ella y las personas que participaron – aún si fuera sólo a través de una mirada – hiciera más claro cómo las percepciones de las personas literalmente se metieron en su cuerpo: pedía que la gente usara alfileres para conectar sus dibujos a su cola. Al final, ya las imágenes y las palabras casi cubrieron por completo la parte inferior de su cuerpo. Además, puso su corporalidad trans en el enfoque de una mirada artística, que parece como una insistencia de Néstor Perlongher: “No queremos que nos toleren…queremos que nos deseen.” Lia, en esta performance Se posiciona como un sujeto, que aunque recibe la mirada, pone el marco para su interacción y enseña afectivamente a las personas a crear los nuevos efectos de sus miradas. En esta pieza, no se deshizo de su voz, como la(s) Sirenita(s) de Disney y Hans Christian Andersen que intercambiaron su voz para obtener piernas. Aunque su cuerpo está en construcción (cabe mencionar que todos los cuerpos se están construyendo día a día, ya sean trans o no) Lia me ha compartido que el sonido profundo y grave de su voz es lo que la coloca en la frontera entre el peligro y la visibilización política en los espacios públicos. Ella ha notado, como yo, que muchas veces la gente no nos identifica con el género con que nos asignaron al nacer hasta el momento que nuestra voz entra en la interacción social. Lia utiliza su voz y el sonido fugado de manera estratégica en sus piezas, que nos lleva a analizar su siguiente obra que se desprende del mismo proyecto.
fotografía de archivo de «El Palomar»
En esta performance, en Barcelona, Lia empezó en un edificio de departamentos en la planta baja, sin voz, en total silencio. Apareció en el primer piso y esperaba atenta a los vecinos que entraban. Estando en ese país como migrante mexicana puede resultar una dificultad para muchas personas, ya que la gente en algunas regiones de occidente tiende a evitar contacto a través de los ojos, las palabras, la convivencia, y los afectos . En estos edificios, es hasta arriba dónde la gente pobre – según los parámetros de allá – pueda rentar cuartos porque eran los cuartos de servicio, estas estructuras son más pequeñas y menos accesibles (no hay elevador). En su traje de sirena, la cola la impedía caminar, entonces, no podía llegar hasta arriba por su cuenta. Iba rastreándose de puerta en puerta, tocándolas, y comunicando a la gente que las abría que necesitaba llegar hasta el último piso, sin que hiciera uso de su voz, solamente su cuerpo y los sutiles movimientos del mismo. Muchas de estas personas que abrían la puerta se dispusieron a ayudarla, aún si solamente para un tramo del trayecto, a veces cargándola en colectividad, o jalándola de manera dual. Mientras iban subiendo, la gente se emocionaba más, queriendo saber qué pasaría llegando al objetivo. Este trabajo en conjunto para ayudar a una extraña, que no pertenecíaal lugar configuró otra relación a la migrante mexicana e interrumpió en la cotidianidad del racismo europeo y colonialista. Lia explicó que el acto de cargar también tiene que ver con la carga de los estereotipos, sobre la mujer trans, la migrante, la vida personal, etc. Finalmente llegaron a la meta, y Lia habló. Recitó poemas y cantó canciones de su infancia, recuperó su voz. Algunas personas se sorprendieron mucho por la contradicción entre el cuerpo y la voz, y hasta una persona se asqueó, dándose cuenta que colaboraron con una mujer trans, migrante. Fue a través del trabajo colectivo y el romper esquemas de desigualdad, al menos para ese momento, que pudo recuperar su voz, su urgencia de hablar, y que otras personas la escucharon. Pareció que en ese momento una subalterna de Spivak, ¡sí que pudo hablar! Y pudieron celebrar sus alianzas y afectos recién hechos en la terraza del edificio, en conjunto, con sus diferencias, pero también con los afectos de haber luchado en conjunto para lo que ella marcó. Además, como acto político final, las personas untaron hormonas en gel a su cuerpo, haciéndose partícipes en su construcción de cuerpo y transición. Esto fue una forma de solidaridad colectiva en la que entraron solamente después del trabajo de subirla ahí. Ella es la que provocó estas alianzas como en toda su obra artística.
La siguiente pieza, que analizaremos en otro momento sucedió en el metro de la Ciudad de México. Un lugar que a mí me interesa mucho. El metro también tiene que ver con lo de arriba (afuera) y abajo (la tierra), y al menos aquí en México, con cuestiones socioeconómicas. También, es un lugar normalizante. Antes, acá en el metro, Lia me había comentado que cuando usa vagones de mujeres, no hay ningún problema, pero si suena su celular, en el momento que contesta, por su voz, empieza sentir una hostilidad de las personas a su alrededor. Además es un lugar con mucha cercanía física pero muy poca convivencia de los afectos. Así que la presencia de un cuerpo claramente extraño y en construcción – la sirena – en el metro podría ser una interrupción con mucha potencia.
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Valerie Leibold: Ser que tiene muchos intereses variados y conectados. Agradece todas las interacciones que ha tenido con otros seres, porque lx han llevado a ser quien es ahora.
INVASORIX es un grupo de trabajo interesado en canciones y videoclips como una forma de protesta cuir-feminista. Se compone de 8 mujeres artistas entre los 25 y 36 años de edad, que viven y trabajan en la Ciudad de México: Daria Chernysheva, Mirna Roldán, Nina Hoechtl, Maj Britt Jensen, Natalia Magdaleno López, Liz Misterio, Naomi Rincón-Gallardo y Waysatta Fernández. Desde la primavera del 2013 se han reunido periódicamente, para escribir entre todas canciones y realizar videos, que se basan en sus experiencias con la precariedad (laboral, por ejemplo) y las dinámicas de poder en sus entornos, entre otros.
A través del diálogo constante entre ellas y con sus amigas imaginarias – Gloria Anzaldúa, Pina Bausch, bell hooks, Pedro Lemebel, Silvia Rivera Cusicanqui, María Sabina, Patti Smith, Annie Sprinkle, etc. – han escrito tres canciones (El ano nos une, Nadie aquí es ilegal y Macho intelectual) que cuestionan los roles de género, los cometidos de los artistas, piensan en torno a la precariedad y sueñan formas alternas y/o utópicas de estar y ser.
concepto. Momo Mondragón (Sueño de tarde de verano transchangesca), Tadeo Cervantes, Issay Rojas, Demetrio Mondragón
fotografías Issay Rojas
Porque aquí en América Latina, en el tercer mundo, lo humano no existe. Existimos bestias, humanoides, primates, pequeñas criaturillas que juegan a los civilizados y sobre todo en la jungla de asfalto, lo que hay son CHANGAS.
Hoy decido no devenir mujer, prefiero no construirme como hombre. Sus categorías responden al Régimen Global Capitalista Integrado Heterosexual. En una república bananera, inestable, saqueada y empobrecida no se vive: se sobrevive. Para la sobrevivencia necesitamos devenir monstruos; no necesitamos de manos sino de garras, no de dientes sino colmillos, no de piel sino pelaje, no caminamos, andamos en cuatro patas y por momentos en dos. Hoy para mi sobrevivencia, devengo Transchanga.
Transchanga porque ante la mirada de lo civilizado somos primitivxs, somos exóticxs e incivilizadxs. Me reapropio de su exotismo selvático y juego con ello. Vomito su civilización sostenida a base de desigualdad social, explotación natural y laboral, misoginia, rascimos y homofobia. Bajo esos términos no me interesa ser civilizado, prefiero la locura y la desobediencia, la incivilización.
A las transchanagas no nos interesan sus regímenes fascistas de belleza, sus exigencias corporales, sus dietas, ni la depilación. Las transchamgas somos feas, horripilantes, peludas, pero eso no nos impide ser coquetxs y sexuales.
Transchanga porque esta es una revolución festiva y alegre. Tranchanga por mi rabia digna y mi siempre desobediente rebeldía. Transchanga porque soy fea, mounstruosa y primitiva. Transchanga, transchanga, tranchanga UUUUUUUUH UUUUHH.
*Texto generado para mi hermanx Momo quien fue lx que acuñó el término de Transchanga. Utilizado en el show travesti Transchangada de Momo Ulises Mondragón en el “Fuck for Gomorra”.
