En el video-performance Entre-telas, vemos el tiempo esculpido entre el cambio y la permanencia. En la sucesión de las imágenes vemos a la artista, su madre y sus dos hijas apareciendo en la pantalla a medida que el balance de la silla las avanza o las retrocede. Entran y salen de la pantalla. El momento. Implacable. En la pantalla aparecen fragmentos de cuerpos de frente uno al otro. El tiempo no es recto. Tenso entre la identificación, simetría, diferenciación, armonía. El ruido del movimiento de las sillas es el fondo de la forma producida por el encuentro en movimiento. Hay caos. Pero también hay cosmos. El vídeo se presenta en una instalación, delante del cual está colocada una mecedora estrechísima en la que nadie puede sentarse. Las mujeres de la imagen no caben en la silla en cuerpo real. Hay algo de inadecuación y de muerte. Pero también hay algo de desbordamiento y de supervivencia en las imágenes que entrelazan a las generaciones.
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Beth Moysés. Nace en Sao Paulo, Brasil, en 1960. Su poética autoral, ya sea a través del soporte fotográfico, vídeo, objeto, instalación, performance o dibujo, se enfoca en la situación real de la mujer y sus relaciones afectivas, especialmente las que se desarrollan en contextos de violencia. Activa desde 1990, en 2000 comienza a realizar performances públicas con colectivos de mujeres en diferentes partes del mundo.
Estas entrevistas pertenecen al corpus de Transvase Territorial, proyecto que aborda desde la emigración y el exilio a la vejez. Mi obra comienza siempre desde mi propia posición en la vida, para desde ahÌ explorar colectivamente con otras mujeres y visibilizar nuestra situación en el mundo.
El que mujeres como Ana Victoria Jiménez y Eli Bartra me hablaran de su experiencia vital con respecto a la vejez, a su vejez, inició un proceso de diálogos entre nosotras sobre la realidad soslayada que se vive y que con esta revista continúo.
Creo que la manera más sincera que tengo de escribir
Es desde la incomodidad, o desde la tristeza.
Esto partió desde una incomodidad personal.
Realizando una acción, que en concreto no me incomodaba.
Lo que me perturbaba, era la elección de los espacios para realizar esta acción, ya que nuestras morfologías no son las mismas, nuestra anatomía no es la misma, por lo tanto, nuestras maneras de ejecutar una acción, y sentirla no son las mismas.
Comprendí que los lugares propicios para mí, no lo eran, en absoluto, para los hombres, o para quienes orinaron en dichos lugares.
Orinar sobre estas huellas puede que ni siquiera sea una manera de reivindicar el espacio,
pero es una manera de desdibujar las huellas inundándolas con las mías.
Al buscar huellas ya existentes en las que orinar, estoy buscando lugares donde estos hombres han decidido detenerse a hacerlo –orinar- y fue muy curioso, porque me sentí desafiada a hacerlo en lugares donde no me atrevería y donde decidí no hacerlo; justamente porque la acción se ejecuta de maneras muy distintas, en relación al tiempo, a las maneras de hacerlo, a la manera de exponerse o sentirse expuesto o expuesta –para mí-
Sin embargo, a medida que esto se convertía en una rutina de trabajo, vez tras vez las consideraciones del espacio, de los riesgos circunstanciales (policías, ladrones, moradorxs, gente que transita) cambiaron.
Porque ya no se trataba de una supuesta reivindicación falente de espacios, sino un estudio de los espacios, y como orinar funciona distinto en uno u otro espacio concretamente; incluso, porque los riesgos, como tales, significan de manera particular según el espacio.
A medida que trabajamos a diario, estudiando los lugares y la triangulación de:
Objeto -charco- cámara
Luz reflejo
Me di cuenta que ve más allá de los riesgos
Estuvimos, estamos, enteramente expuest=s a lo circunstancial.
Una peatonal, una principal, un parterre, un callejón se diferencian uno del otro, no únicamente por la manera en la que estos están construidos, también, porque de ello deviene la manera en la que la gente transita y se relaciona en estos lugares. Esto también se trata de como yo puedo significar un riesgo, o peligro para estas personas en estos espacios, porque ell=s significan un riesgo para mí, en tanto yo lo sea para ellxs.
Creo que lo que me aterra es que nos violenten.
La única manera de visualizar los espacios, es a través de esta acción.
Mi orina funciona como una suerte de ventana, o espejo.
El chorro, la caída, es el entre, de la acción y la reflexión.
Siento que este trabajo está enteramente expuesto a lo circunstancial.
-por otra parte pienso, “¿que no lo está?”-
-lo que tiene un control absoluto, o al menos, un grado de control-
Mi control se aloja en mi vejiga, en mis piernas y mi estómago.
Yo no alojo los espacios, alojo la posibilidad de verlos, y que estos existan a través de la reflectividad (reflexión) contenida en mi cuerpo.
Daya Ortiz Durán (Guayaquil, 1993) Nacida el 21 de Enero de 1993 en la Ciudad de Guayaquil – Ecuador. Actualmente estudia Artes visuales en el Instituto superior Tecnológico de Artes del Ecuador ITAE. Mención en Escultura y Video digital.
(Ser) Molecular es una experiencia poética en primera persona sobre mi subjetividad, identidad y corporalidad; a través de la imagen, la palabra, la programación y la confluencia de estos códigos en una pantalla. Donde soy y no soy.
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Estoy acostado en la cama mirando el techo, escucho mi respirar, levanto la cabeza levemente,
observo mis pies, los muevo, recorro mi cuerpo, levanto las manos, miro mi brazo, me acerco tanto que veo los poros de la piel, su textura, los pelitos que salen fuera como si intentaran salir de mi para quedar en el aire. Pienso… ¿quién soy? Intento profundizar, pensar en mis músculos, en la capa de grasa que los cubre, en las venas, en los huesos. Me pregunto… ¿dónde está? ¿dónde dejo de ser y comienzo a ser?
Me pienso por dentro, me pienso por fuera, me pienso conceptualmente, me pienso
performativamente; ¿cómo me hago? ¿qué están haciendo ahora mis moléculas? ¿me hacen ser?
Hablo con ellas, hablo con las hormonas que habitan mi materia física tangible, mi cuerpo.
En este proceso todo lo que me rodea entra en mi sistema. Me toca, me afecta, me produce.
La historia, la farmacopea, la definición de molécula, el primer experimento de síntesis hormonal…
Las cadenas de signos y las metáforas políticas me atraviesan allí donde se encuentra mi
subjetividad, pasando por un vórtice espacio-temporal: Es todo al mismo tiempo y no es nada.
– La molécula es la partícula más pequeña que presenta todas las propiedades físicas y
químicas de una sustancia, y se encuentra formada por dos o más átomos.
– La definición de género masculino o femenino aparece en 1947 con la invención del
estrógeno y la progesterona sintéticas utilizadas para producir la píldora . Son las moléculas más rentables de toda la historia del capitalismo farmacéutico.
– Durante el siglo XX la molécula de la testosterona se convierte en una sustancia
comerciable junto con la oxitocina, la serotonina, la codeína, la cortisona, el estrógeno, etc que
corresponden al conjunto de moléculas disponibles hoy para fabricar las subjetividades y los afectos.
– La testosterona es un andrógeno, esteroide derivado del ciclopentanoperhidrofenantreno, que tiene 19 átomos de carbono, un doble enlace entre C4 y C5, un átomo de oxígeno en C3 y un radical hidroxilo (OH) en C12. Su fórmula es C19H28O2.
Sistema de comunicación / circulación / contaminación en la definición performativa de mi mismo.
Transmutar como un chamán.
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Así comenzó lo que devino una Experiencia Poética (aún no estoy seguro si ha terminado).
Sobre lx autorx: Xeito Fole a.k.a. non ten xeito
Artista visual y activista trans feminista y antiespecista. Sus prácticas artísticas se centran en la
deconstrucción de las identidades sexo-género, la crítica y reflexión sobre los límites físicos y
políticos de los cuerpos y las fronteras. Flirtea con la tecnología y el error e investiga sobre archivos
geoposicionados y empoderamiento DIY para la autogestión de la información con software libre. http://nontenxeito.net/
Tonantzin Arreola Romero. Artista videoasta egresada de la Facultad de Artes y Diseño de la UNAM. Su interés principal dentro su obra es resaltar pequeños actos de belleza. Claudia Carolina Sandoval Meza. Administradora de empresas egresada de la Universidad del Valle de México. Su interés principal dentro de la literatura es el relato, el cuento y la poesía.
Elizabeth Ross. Con más de 25 años de práctica, crea y colabora en proyectos artísticos y sociales privilegiando procesos participativos. Su obra ha tocado puerto y base en espacios cerrados, públicos y silvestres de las Américas, las Europas, en Turquía, Japón, Australia y China. Cree que todo lo que hacemos diseña la sociedad que somos y le interesa el devenir de las mujeres propias y ajenas. En su obra se avoca a lo cercano, porque sabe que todo cuenta en este hacer el mundo.
Vaginoplastia más que una banda de Electropunk, es una pandilla de tres monstruas disidentes del género, abortadas por el cabaret, el performance art y las películas XXX, preparadas para asaltar tus sentidos con sus letras descaradas y sus contoneos hipnotizantes.
«Si el gluten es salud
que hagan de las anoréxicas
nuevas celíacas militantes
yo prefiero abandonarme
entre montañas hipocalóricas
chocolate
hamburguesas de rata
petróleo de la costa gallega
sin grasa no es comida
sino cartón reciclado»
Oda a la grasa
Para apreciar en todo su esplendor a estas delirantes degeneradxs hay que verlxs en vivo, aquí les compartimos el video del show que dieron durante el Festival CRACK fumetti dirompenti, en el año 2014, en la ciudad de Roma, Italia, ocasión en la que estas monstruas entraron en nuestro radar al haber paralizado el festival al grito colectivo de «No te puedes perder lo que está pasando en el escenario en este momento».
Larga vida para estas marranas, que el ruido y las guarrerías no paren jamás!
Escucha más de su música en: https://vaginoplastia.bandcamp.com/
Un homenaje a la virtuosa del jazz, Valaida Snow. Betwixt and Between, es un acto creativo de lamentación y una celebración de mis descubrimientos a través de los archivos de cine, fotografía y sonido. La pieza trabaja para explorar las diversas preguntas que aún quedan sobre su invaluable legado histórico. Valaida Snow se alcanzó su fama en el jazz durante sus giras por Europa durante la Segunda Guerra Mundial.
Ella llegó a los Estados Unidos en una condición muy delicada de salud y dijo que había sobrevivido durante tiempo en un campo de concentración Nazi. Las investigaciónes que tienen un enfoque en el feminismo y modernidad por ejemplo en Babylon Girls: Black Women Performers and the Shaping of the Modern, de la Doctora Jayna Brown, se sugiere que el mítico relato de Snow sobre su estadía en un campo de concentración nazi fue una estrategia elaborada por la artista para reinventar su identidad después de la hospitalización que vivió a consecuencia de su adicción a la morfina. También Snow fue conocida por sus relaciones con mujeres, lo cual no era aceptado por la sociedad de su tiempo. Entonces, este video es un acto performativo de intervención histórica para interrumpir las historias «olvidadas» de las instrumentistas de jazz y artistas de performance.
Biophillick. Del Bio;Bios (Vida) * Philia (Amor a…) / Biophillick (Amor a la Vida / Amante de la Vida)
Biophillick (concierto-multimedia; música + cine + performance en vivo) surge en el año 2015 con su autor; el arquitecto, artista y productor musical Jhavier Loeza, mejor conocido como Biophillick. Su nombre fue influenciado por el álbum Biophilia de Björk. Sincrónico al trabajo del autor, quien se encontraba desarrollando su tesis de arquitectura, “La Ciudad del Futuro en el Cine” con una familia de prototipos conceptuales de ciudades morfogenéticas en un futuro bioarquitectónico en la Ciudad de México, donde la ficción cinematográfica del sci-fi y la realidad se hibridan en la mente del artista para imaginar un mundo en armonía con la naturaleza. El autor, decidió nombrar a una de éstas ciudades Biophilia y al arquitecto extraterrestre que la creaba le dio el nombre de Biophillick. Sería así Biophillick, un Ser de otra dimensión, como un “Yo Futurista” del autor quien se encargaría de dar vida a las estructuras arquitectónicas que cohabitarían la ciudad en unidad con el paisaje. En la búsqueda de revalorizar la Naturaleza.
Es así como los orígenes de Biophillick se gestan en el arte-conceptual con la realidad cinematográfica y el universo multimedia, un medio que gracias a los efectos especiales se da la oportunidad de transmutar la naturaleza de nuestra realidad. El cambio y la metamorfosis son parte de su ADN; un ser biológico fusionado con la tecnología y la espiritualidad. Esta naturaleza del cambio es evidente en la fusión de sus composiciones audiovisuales, donde sus sueños y emociones más profundas, así como su propia voz y el cine en vivo que presenta en sus puestas en escena, son transformados con la edición que ofrece el software de composición audiovisual.
Biophillick es un humano y un extraterrestre, su performance en vivo con sus voces zoónicas, dialectos tergiversados, frecuencias robóticas y metalenguajes mixeados son una manifestación experimental de nuestra realidad voraz de información, comunicación rizomática y múltiples cambios. Un híbrido entre lo humano-conocido y lo extraterrestre-desconocido, un vínculo con la otredad de las cosas, en todos los niveles. Sumergido y entregado a la experimentación de su labor como creativo multifacético y multidisciplinario.
Figuras mediáticas en la escena musical como David Bowie han creado alter-egos de su propia personalidad para expresar y hacer llegar al público su obra, en el caso de Biophillick es diferente, no estamos ante una alteración artificial en la creación de un personaje, nos encontramos ante la esencia del propio artista, la cual radica en la biodiversidad del mundo de la naturaleza. La vida en todo el esplendor de su ser. Vida adentro y fuera del planeta Tierra, vida en la realidad materica de nuestra dimensión física-virtual y los multiversos.
Biophillick es una esencia, un concepto que explora la corporalidad y sus emociones en relación al medio ambiente, en escenarios tangibles y ficticios. Orbitando entre lo terráqueo, lo extraterrestre, las experiencias místicas y el despertar espiritual, mezclando experiencias oníricas, con acontecimientos de su vida íntima y la crítica reflexiva ante las convulsiones político-sociales, como tal es un artista que viaja entre la realidad tortuosa del cotidiano colectivo y su imaginario subjetivo.
La música de Biophillick nos habla de su amor por la naturaleza, de rescatar los valores perdidos de la inocencia y la pureza en la humanidad, sus cantos se vuelven llantos de dolor ante la muerte de los animales, nos lleva a mundos apocalípticos para expresar el colapso de la sociedad, explora su ambivalencia sexual y su androginia espiritual; donde se da la oportunidad de ser hombre-mujer y un tercero que experimenta ambos, conecta con su animalidad donde explora la furia ancestral y las prácticas primigenias de meditación para comunicarse con el Universo y La Madre Tierra Gaia, establece un diálogo entre lo espiritual y lo terrenal, con composiciones densas y obscuras da cabida al desamor, la nostalgia, la catástrofe y el dolor. Y con arreglos ambientales sutiles provee de atmósferas de tranquilidad, armonía, luz, fiesta y diversión. Bipolaridades de recorridos a través de las emociones del ser humano. Éxtasis explosivo de introspecciones al mundo interno del artista, que por medio de sus atmósferas audiovisuales nos traslada a mundos abstractos y no lineales, rupturas en el espacio-tiempo, buscando la forma de hacer un concierto alternativo, de naturaleza metamórfica y cinestésica donde la música electrónica, el cine en vivo y el performance se hibridan.
Las facetas de la propuesta musical-multimedia abarcan un aura de amplio alcance, presentándose ya sea en una galería de arte o una sala de exhibición artística dentro de un museo con una pieza sonora, un escenario de música electrónica con un dj-set bailable, en un cine musicalizando una película en vivo, o bien en un auditorio de artes escénicas con un concierto multimedia. Las composiciones contemporáneas y abstractas del autor, se mantienen flexibles en sus formatos de presentación y abiertas a la variedad electrónica que ofrecen los instrumentos virtuales, dando como resultante una música que incorpora tanto el paisaje sonoro como el ruido y los despliegues de efectos cinematográficos, algunas veces controlados con un orden-armónico y en otras dejados al azar llegando al caos y el ruidismo.
Biophillick funge como su productor, tanto de su propia música, como de sus imágenes y puestas en escena. Sin embargo, es también el artista que permite ser producido, expandiendo su concepto y otorgando la cualidad de autor al otro, es así como han surgido colaboraciones musicales con amigos de la escena musical, quienes han elaborado la música basados en su propia reinterpretación de la esencia de Biophillick, así se han producido binomios como Bio*Mvst con ritmos experimentales en bases y baterías bailables muy tripis que rayan en lo noisero, el pop y el trip-hop . O con bases más electrónicas y psicodélicas como las de su amigo Echo Dream. Haciendo ambas de Biophillick una propuesta más digerible ante el público, en cuanto al ritmo y el baile.
Las composiciones de Biophillick surgen desde su interior, por lo tanto son abstractas y conceptuales, deben ser entendidas como producciones flexibles desde su origen. Si bien el autor no proviene de una escuela musical, ha tenido gran empatía con creadores como Aphex Twin, Brian Eno, Moby, Prince, Yoko Ono, Björk, Portishead, caracterizados por pertenecer a una escena alternativa, con vínculos al arte-conceptual, donde la música electrónica se ha combinado con el ambient experimental contemplativo y los mundos internos de los artistas, derivando en piezas que llegan a un grupo selecto de amantes de la música auténtica, arriesgada y en ocasiones incomprensible por muchos.
La obra en conjunto y puesta en escena del autor, es en síntesis; una familia de composiciones que buscan llevar al espectador a una atmósfera alternativa de su realidad. Busca generar una inmersión audiovisual, para estimular las emociones y los sentidos del público, quienes se entreguen a la experiencia, estarán inmersos en una escena subjetiva donde música electrónica con dinámicos ritmos, texturas y efectos sonoros, se suman a los visuales random del mundo de la naturaleza y el universo.
En mi obra los colores explotan y se esfuman para generar imágenes referentes al juego, la sexualidad, la decadencia, la violencia y mi identidad en constante cambio. Este acercamiento con la cotidianeidad invitan al espectador a mirar a través de un lugar íntimo sin que este sea tan evidente. Exploro de diversas formas mi sexualidad, a veces como una cuestión erótica y otras solo como una textura, o una mirada a través del caleidoscopio. Mi cuerpo aparece entonces transgredido a partir de acciones performaticas en video que van desde posturas incómodas, besos, disfraces, aludiendo a la transformación del ser y a la violencia que implica cumplir con el cuerpo correcto estipulado socialmente.
Beth Moysés. Nace en Sao Paulo, Brasil, en 1960. Su poética autoral, ya sea a través del soporte fotográfico, vídeo, objeto, instalación, performance o dibujo, se enfoca en la situación real de la mujer y sus relaciones afectivas, especialmente las que se desarrollan en contextos de violencia. Activa desde 1990, en 2000 comienza a realizar performances públicas con colectivos de mujeres en diferentes partes del mundo.
Tonantzin Arreola Romero. Artista videoasta egresada de la Facultad de Artes y Diseño de la UNAM. Su interés principal dentro su obra es resaltar pequeños actos de belleza.
privilegiando procesos participativos. Su obra ha tocado puerto y base en espacios cerrados, públicos y silvestres de las Américas, las Europas, en Turquía, Japón, Australia y China. Cree 
