Vivimos en una estructura social patriarcal y sus dinámicas se reproducen en todos los ámbitos, muchas veces de manera silenciosa. MYM nace con el objetivo principal de visibilizar y combatir estas dinámicas machistas en el sector musical para alcanzar un escenario de equidad en el que el género no limite las oportunidades, ni los roles a interpretar y no condicione la respuesta del público.
Las principales metas que nos planteamos con este proyecto son:
Cambiar el panorama de infrarrepresentación de las mujeres en todos los ámbitos del panorama musical actual: festivales, productoras, discográficas, medios,…
Visibilizar a mujeres que han marcado la historia de la música y aquellas que actualmente comienzan a forjarse un camino en la música.
Concienciar sobre el machismo en las letras de las canciones, en la educación y en la industria musical e introducir una perspectiva de género para cambiar esta situación.
Dar voz a los diferentes colectivos que luchan por cambiar el escenario y aunar esfuerzos, promoviendo acciones conjuntas, difundiendo actividades y colaborando para generar sinergias. Juntas podemos.
Para ello investigamos y divulgamos datos, planteamos reflexiones y debates, realizamos entrevistas a artistas, promocionamos discos y eventos realizados por mujeres o con perspectiva de género y fomentamos la lucha activa y consciente frente a situaciones injustas por motivo de género en el ámbito musical. Paralelamente generamos unabase de datos de mujeres músicas para facilitar el descubrimiento de nuevas artistas clasificadas por géneros, países, épocas, instrumentos… Este directorio busca ser también un recurso para programadorxs musicalxs que desean romper la brecha de género y el círculo vicioso de la infrarrepresentación programando mujeres en sus eventos musicales.
Se trata de un proyecto colaborativo, abierto a publicar reflexiones y propuestas que aporten nuevas perspectivas. Si te animas a colaborar escribe a hola@mujeresymusica.com.
Me gustaría partir de la idea de <<despojo>>. La modernidad se encargó de despojar a sus moradores de condiciones humanas y los redujo a la vida desnuda, el hombre moderno ha sido despojado de la naturaleza, lo divino y de lo humano; hoy en día el hombre contemporáneo, el hombre de la vida desnuda, precaria y vulnerable, va en busca de ese resplandor luminoso. Está en busca de ese instinto de vida. Así lo hace ver Susy Shock[1] en su poema Yo monstruo mío (2008).
Las preguntas son: ¿qué es ser un pobre mortal equidistante de todo? ¿Qué significa ser un monstruo en este mundo desalmado? Tal vez para la primera pregunta se pueda recurrir al <<ser ahí>> de Heidegger: “(…) el ‘ser ahí’ es en la forma de un ‘poder ser’ compresor al que en su ser le va este mismo. El ente que es de esta forma soy en cada caso yo mismo”.[3]El ser ahí como poder ser implica una <<existencia>> la cual va marcada por una posibilidad der ser: el fin de sí mismo. La muerte.[4] Susy Shock es consciente de algo: se está en el mundo sin nada y que todas esos elementos materiales que nos dan identidad no sirven de nada en este camino a la muerte; con esta escuela de los suplicios, nos da a entender que todos esos elementos que se adhieren a nuestro ser como lesiones, castigos y sufrimientos morales, son despojados de nuestros procesos de identificación y nos dejan desnudos en este camino hacia la muerte. Al final ni mi nombre, ni mi Documento Nacional de Identidad y mucho menos mi cuerpo serán de gran utilidad, pues se van desintegrando en el áspero camino hacia la completud; lo único que queda después de la muerte tras de mí, es mi esencia. La segunda pregunta fue: ¿qué significa ser un monstruo en este mundo desalmado?[5] Antes de llegar a lo monstruoso debo pasar por la guerra del deseo, ¿qué anhela Susy Shock? El que la filosofía contemporánea haya tenido un giro de trescientos sesenta grados, es decir, que se hayan olvidado las preguntas por lo universal y la naturaleza por aquellas que apelan a las singularidades y particularidades, nos puede ayudar a ver en el deseo una guerra; cuando se escribe Amazona en mi deseo, invita a pensarnos como aquellas antiguas mujeres griegas guerreras que con sus armas, arcos, lanzas, hachas, escudos y cascos hacen la guerra a los que con sus garras quieren robarnos lo más natural que le ha quedado al hombre contemporáneo: el soñar.[6] De esta manera, Yo, reivindico mi derecho a ser un monstruo.
10 ni varón ni mujer
11 ni XXI ni H2O
12 yo monstruo de mi deseo
13 carne de cada una de mis pinceladas
14 lienzo azul de mi cuerpo
15 pintora de mi andar
16 no quiero más títulos que cargar
17 no quiero más cargos ni casilleros a donde encajar
18 ni el nombre justo que me reserve ninguna Ciencia[7]
El cuerpo humano ha sido separado, ya no somos esa quimera que Aristófanes narra en el banquete platónico; la naturaleza del andrógino ha sufrido graves modificaciones. En dicho encomio se cuenta que los hombres al sentirse superior a los dioses, por Zeus fueron separados por la mitad haciéndolos más débiles y útiles para los dioses mismos.[8] ¿Pero qué culpa tenemos nosotros de la insolencia de los antiguos? Si el deseo es la carencia de algo, ¿qué es lo que hace que Susy Shock se vea monstruosa ante su deseo? Considero que no sólo ella se sienta así, entre los hombre hemos perdido la capacidad de amarnos entre nosotros mismos; es el precio que tenemos que pagar por haber sido separados. Lo que nos mueve como monstruos de nuestros deseos es, “(…) el amor de los unos a los otros innato en los hombres y restaurador de la antigua naturaleza, que intenta hacer uno solo de dos y sanar la naturaleza humana”.[9]La cuestión está en no caer en esa vorágine del mundo industrializado y hacer de nuestra vida una obra de arte. Ya Heidegger lo plantea en El origen de la obra de arte (1936), todo es una cosa que encarna la experiencia del ser en la presencia.
Lo que le da a las cosas su consistencia y solidez, pero el mismo tiempo provoca los distintos tipos de sensaciones que confluyen en ellas, esto es, el color, el sonido, la dureza o la masa, es lo material de las cosas, en esta caracterización de la cosa como materia está puesta ya la forma. Lo permanente de una cosa, su consistencia, reside en que una materia se mantienen con una forma. La cosa es una materia confirmada. Esta interpretación de la cosa se apoya en la apariencia inmediata con la que la cosa se dirige a nosotros por medio de su aspecto. La síntesis de materia y forma nos aporta finalmente el concepto de cosa que se adecua igualmente a las cosas de la naturaleza y a las cosas del uso. [10]
Así es como concibo la posibilidad de ver nuestra vida como cosa, pues tal como se muestra en lo versos 13-15, nosotros somos los que le damos forma a esos sueños por alcanzar, nosotros los ideamos, los planeamos y nosotros los concretamos; yo soy ese artista que a partir de la razón[11] me vuelvo uno mismo en unión con la materia que el mundo pone ante mí. Yo ser humano autocreado de barro, de esa tierra que se guarda en el mundo que me contiene, me abro a mi ser; así es como Susy Shock se muestra, en los versos 16-18, en contra de toda imposición industrial de esta era de la técnica que de todo me protege. ¿Pero de qué?
Lo que hace tiempo amenaza mortalmente al hombre, y precisamente con la muerte de su esencia, es lo incondicionado del puro querer, en el sentido de su deliberada autoimposición de todo. Lo que amenaza al hombre en su esencia es esa opinión de la voluntad que piensa que por medio de una liberación, transformación, acumulación y dirección pacíficas de las energías naturales, el hombre puede hacer que la condición humana sea soportable para todos y, en general, dichosa. [12]
La técnica nos protege de ese horrible deseo de individualidad, deseo que nos fortalece como cuerpos en el mundo y que afirma la existencia de nuestro ser en el mundo; lo que el mundo de la técnica busca es ampararnos ante de la desprotección propia del ser humano alejándonos de lo sagrado y lo divino. El mundo de la técnica ha conseguido la muerte de los dioses y con ello pone en peligro la esencia del hombre en relación consigo mismo. En contra de esto, Yo, reivindico mi derecho a ser un monstruo.
La modernidad ha fracasado, la gran promesa de progreso nos dejó esperándola sentados en la sala de espera del Seguro Social, o de cualquier otra dependencia que tiene por objetivo regular nuestras vidas. América Latina pasó por la posmodernidad con los pies por delante, sería mejor hablar de una post mortem-nidad. Yo mariposa ajena a la modernidad / a la posmodernidad / a la normalidad, son versos que nos invitan a pensar en que no todos caben en ese cajón de la productividad que nos da forma de seres grises con la necesidad de ser indispensables en el dominio técnico que nos norma y sistematiza en años, meses, semanas, días, horas, minutos y segundos. Ante esta serialidad, Susy Shock se muestra más artesanal, más cercana a la tierra, más al contacto con la naturaleza, haciendo de su vida una vida más arriesgada. “Como todos los seres, sólo somos entes en cuanto arriesgados dentro del riesgo de ser. Como, sin embargo, en cuanto seres que quieren marchamos junto con el riesgo, somos más arriesgados y, por tanto, estamos más a merced del peligro. (…) el riesgo más arriesgado nos crea una seguridad”.[14] La de seguir vivos. Esta pulsión hace que la poeta de la barbarie se concentre en las vísceras y los residuos de la humanidad, se embadurna de ellos para enfrentar al peligro; se vuelve abyecta. Hay en la pulsión un deseo inquietante como amenaza, es todo aquello que es pensable pero inadmisible; se trata de un lazo de atracción/repulsión que lo lleva a estar fuera de sí como condena, lo abyecto es la oposición a mí ser, que no es en referencia al camino de la muerte sino a lo que me lleva a donde no hay sentido. Es un expulsado que no para de retar y desafiar cuestionando su lugar y su ser como los situacioncitas. En esta deriva, Yo, reivindico mi derecho a ser un monstruo.
30 Reivindico: mi derecho a ser un monstruo
31 que otros sean lo Normal
32 El Vaticano normal
33 El Credo en dios y la virgísima Normal
34 y los pastores y los rebaños de lo Normal
35 el Honorable Congreso de las leyes de lo Normal
36 el viejo Larousse de lo Normal
37 Yo solo llevo las prendas de mis cerillas
38 el rostro de mi mirar
39 el tacto de lo escuchado y el gesto avispa el besar
40 y tendré una teta obscena de la luna más perra en mi cintura
41 y el pene erecto de las guitarras alondras
42 y siete lunares
43 setenta y siete lunares
44 ¡qué digo! Siete siete siete (777) lunares de mi endiablada señal de Crear[15]
La historia contemporánea se ha encargado de culpar a Nietzsche por la muerte de Dios, sin embargo, considero justo decir que fue el cristianismo quien mató a los dioses; el cristianismo separó al hombre de la naturaleza. En estas dos estrofas Susy Shock se deja ver como el loco de Nietzsche que busca a Dios sin respuesta alguna:[16]
<<¿Adónde ha ido Dios?>>, gritó, <<¡yo os lo voy a decir! ¡Nosotros lo hemos matado –vosotros y yo! ¡Todos nosotros somos sus asesinos! ¿Pero cómo hemos hecho esto? ¿Cómo fuimos capaces de bebernos el mar hasta la última gota? ¿Quién nos dio la esponja para borrar todo el horizonte? ¿Qué hicimos cuando desencadenamos esta tierra de su sol? ¿Hacia dónde se mueve ahora? ¿Hacia dónde nos movemos nosotros? (…) ¡Dios ha muerto! ¡Dios sigue muerto! ¡Y nosotros lo hemos matado! ¿Cómo nos consolaremos los asesinos de todos los asesinos? Lo más sagrado y lo más poderoso que hasta ahora poseía el mundo, sangra bajo nuestros cuchillos. (…) <<¿Qué son, pues, estas iglesias sino las tumbas y sepulcros de Dios?>>.[17]
Si Dios ha muerto ¿en qué podemos creer ahora? El problema radica en no ver a Dios como ese ente supremo que nos gobierna, nos vigila y nos castiga; ese ha sido el problema de los modernos. Hay que ver en Dios todo lo mutable, la luz que nos deslumbra al amanecer, el verde del follaje de los árboles que año tras año reverdece, el volcán que hace erupción; habremos de comprender a Dios como la naturaleza que nos contiene, nos envuelve y nos sostiene. Si Dios ha muerto es posible entender el vació cultural, social y espiritual que se vive en estos tiempos de guerra y abandono social. Ante la necesidad que muestra Susy Shock, en estas estrofas, de volver a un punto más primario del ser humano de sí mismo ante la naturaleza; ella pone el ejemplo, al ver en su cuerpo transgénero un proceso de auto-poiesis. Pienso el concepto de poiesis desde Platón: “Tu sabes que la idea de <<creación> (poiesis) es algo múltiple, pues en realidad toda causa que haga pasar cualquier cosa del no ser al ser es creación, de suerte que también los trabajos realizados en todas las artes son creaciones y los artífices de éstas son todos creadores (poietat).”[18] Pensar la situación de Susy Shock como un acto de auto-poiesis implica que ha sido poseída por un impulso creador divino: “(…) la inspiración (o, con mayor propiedad, la condición de quien se sabe poseído por un dios) supone un estado de exaltación emotiva afín a la embriaguez y al delirio amoroso”.[19]Esto me hace pensar que el retorno de los dioses está en el camino hacia la muerte de cada uno, si entendemos ésta como una posibilidad del ser en el mundo; posiblemente Dios ha muerto, pero yo aún no. En mi aún no de la muerte tengo la posibilidad de crear vida con los residuos del mundo; la única posibilidad de vida se encuentra en el arte. Así pues, Susy Shock se piensa en un estado dionisiaco en el que se estimula, “(…)hasta el grado supremo de sus capacidades simbólicas; algo nunca sentido se esfuerza por exteriorizarse (…) el ser uno con el genio de la especie, incluso con el de la naturaleza. Ahora debe expresarse simbólicamente la esencia de la naturaleza. Un nuevo mundo de símbolos es necesario, todo el simbolismo corporal (…)”[20]. En esta búsqueda por la divinidad, en la que mi esencia, mi ser y mi cuerpo se transforman constantemente siendo poseídos por la naturaleza, Yo, reivindico mi derecho a ser un monstruo.
En lo monstruoso existe la seguridad de estar vivos, pues ante la mirada del otro no hay fuerza que resista y enfrente lo monstruoso; esto infunde terror ante la vida del otro. La naturaleza ha dejado de ser la fuente de expresión y contemplación de lo divino, para el hombre posmoderno <<la seducción>>[22] ha ocupado el lugar de la divinidad; en este sentido, el posmoderno no se diferencia tanto del medieval, pues ambos ven en lo monstruoso una atracción exótica. La belleza de lo monstruoso radica en que, al igual que lo normal, es una creación de la naturaleza (divina). Ante mi carácter de ser homosexual, de ser andrógino, de ser travesti, de ser transgénero, de ser transexual, de ser quimera, de ser abyecto; Yo, reivindico mi derecho a ser un monstruo.
53 Yo: trans…pirada
54 mojada nauseabunda germen de la aurora encantada
El cuerpo transexual se ha vuelto en el mundo contemporáneo el centro de lo sagrado. La mirada, el cuerpo y la voz de lo otro han cuestionado las lógicas dominantes[24], para darle paso a las <<otras historias>>; las cuales consideran que: “No todas las culturas reconocen los mismos marcadores anatómicos y no todos perciben las marcas anatómicas como naturales y contrapuestas a un dominio distinto de lo cultural. En muchos casos, conocer los genitales que un individuo tiene es menos importante que conocer cómo los cuerpos son culturalmente construidos y qué rasgos y procesos particulares se consideran comprometidos con el sexo”.[25] En estas últimas dos estrofas Susy Shock muestra su condición de vida como un acto trascendental, una fuerza mayor que la lleva a la unión paradójica de los contrarios;[26] así pues, Susy Shock nos muestra en su transitar, en su trans…pirada que:
“Transing”, in short, is a practice that takes place within, as well as across or between, gendered spaces. It is a practice that assembles gender into contingent structures of association with other attributes of bodily being, and that allows for their reassembly. Transing can function as a disciplinary tool when the stigma associated with the lack or loss of gender status threatens social unintelligibility, coercive normalization, or even bodily extermination. It can also function as an escape vector, line of flight, or pathway toward liberation. [27]
El cuerpo y la vida trans…pirada para Susy Shock ha sido de resistencia, burla y dominio de los estigmas; no busca ser definida, ni reconocida como hombre o mujer. Su estar en el mundo se abre a lo masculino, a la maternidad, y a la luz de la naturaleza que la abraza día con día. Las categorías no le importan, siempre las rompe, escapa de ellas para no ser domesticada por reglas de convivencia y reconocimiento. Ella no tiene problemas con las normas y los normales, son éstos los que los tienen hacia ella. Susy Shock en este trascender las categorías ontológicas e identitarias…reivindica su derecho a ser un monstruo.
[divider]
[1] Buenos Aires, 1968. Actriz, escritora, cantante y docente trans sudaca como ella se define.
[3] Martín Heidegger, “El ‘ser ahí’ y la temporalidad”, en El ser y el tiempo, (Trad. José Gaos), 2ª ed., FCE, México, 1971, p. 253.
[4]“(…) la muerte sólo es en la forma de ser del ‘ser ahí’ en un existencial ‘ser relativamente a la muerte’”. M. Heidegger, Op. Cit., p. 256.
[5] Responder esta pregunta en un primer intento me fue imposible; por esta razón, será un pregunta que me acompañe a lo largo del texto con diferentes respuestas.
[6] Entiendo el sueño como María Zambrano lo plantea en El sueño creador.
“Si los sueños no fueran un despertar, un cierto modo de despertar, hubieran pasado desapercibidos siempre, como quizás pasen desapercibidos todavía algunos aspectos de la vida humana en el mundo del sueño, bajo los sueños o, en la vigilia, del otro lado de las fronteras de la conciencia.
Soñar es ya despertar. Y por ello hay un soñar que despierta la realidad aún dormida en los confines de la vigilia: en esa tierra donde la conciencia no se aventura (…)”. María Zambrano, El sueño creador, Universidad Veracruzana, México, 1965, p. 13.
[9] Platón, “Banquete (§191c-d)”, en Diálogos III, (Trads. C. García Gual, M. Martínez Hernández, E. Lledó Íñigo), Gredos, Madrid, 1988, pp. 225-226.
[10] Martin Heidegger, “El origen de la obra de arte”, en Caminos de bosque, (Trad. Helena Cortés y Arturo Leyte), Ed. Alianza, Madrid, 2010, p. 18.
[11] Habrá que entender el concepto de razón como Heidegger lo plantea; esto es, como una manera de pensar mas no la única ni la más superior, pero sí un calcular. “La razón es la percepción de lo que es, y eso significa a la vez: lo que puede ser y lo que tiene que ser (…) La percepción que actúa en la razón se propone fines, establecer reglas, prepara medios y así pone en marcha la acción”.Apud. Jorge Acevedo Gurra, “La razón poética. Una aproximación (María Zambrano y Heidegger)”, en Aurora No. 9. Papeles del “Seminario María Zambrano”, Universidad de Barcelona, Noviembre-Diciembre 2008, p. 8.
[12] Martín Heidegger, “¿Y para qué poetas?”, en Caminos de Bosque, (Trad. Helena Cortés y Arturo Leyte), Ed. Alianza, Madrid, 2010, p. 218-219.
[16] Cf. Friedrich Nietzsche, La Gaya Ciencia, §§ 108, 125 y 343.
[17] Friedrich Nietzsche, “La ciencia jovial”, en El nacimiento de la tragedia. El caminante y su sombra. La ciencia jovial, (Trad. Germán Cano), Gredos, Madrid, 2010, pp. 440-441.
[22] Sobre la seducción dice Lipovetsky: “La seducción posmoderna no es ni un sucedáneo de comunicación ausente ni un escenario destinado a ocultar la abyección de las relaciones comerciales. Sería remitirla de nuevo a un consumo de objetos y de signos artificiales, reinyectar engaño allí donde existe ante todo una operación sistemática de personalización, dicho de otro modo, de atomización de lo social o de expansión en abismo de la lógica individualista. Hacer de la seducción una <<representación ilusoria de lo no-vivido>> (Debord), es reconducir el imaginario de las pseudonecesidades, la oposición moral entre real y aparente, un real objetivo al abrigo de la seducción, cuando ésta se define ante todo como proceso de transformación de lo real y del individuo. Lejos de ser un agente de mistificación y de pasividad, la seducción es destrucción cool de lo social por un aislamiento que se administra ya no por la fuerza bruta o la cuadrícula reglamentaria sino por el hedonismo (…)” Gilles Lipovetsky, La era del vacío. Ensayos sobre el individualismo contemporáneo, (Trad. Joan Vinyoli y Michèle Pendanx), 13 ed., Anagrama, Barcelona, 2000, pp. 23-24.
[24] Eva Giberti entiende por lógicas dominantes al: “(…) pensamiento binario que instituyó –patriarcado mediante- la oposición/complementariedad hombre/mujer; a partir de ese ordenamiento, cualquier diversidad fue consignada como desvío, perversión, vicio, degeneración, pecado, peligro social”. Eva Giberti, “Transgéneros: síntesis y aperturas”, en Diana Mafia (comp.), Sexualidades migrantes, género y transgénero, Feminaria, Buenos Aires, 2003, p. 38.
[26] Es el deseo innato e inherente al hombre el que lo obliga a intentar concebir los opuestos como aspectos complementarios y tratar de acercarse al misterio de la Realidad Última. De ahí que el espíritu del mal puede revelarse como incitador del bien, mientras que los demonios pueden aparecer como aspectos ocultos o nocturnos de los dioses. Liliah Shivananda, Coincidentia Oppositorum: el Misterio de la Totalidad y su Manifiesto, en http://sol-oriente.blogspot.mx/2011/04/coincidencia-oppositorum-el-misterio-de.html , última consulta diciembre 2015.
[27] “<<Transitar>>, en definitiva, es una práctica que se lleva a cabo en el interior, así como a través p entre, los espacios del género. Es una práctica que reúne los géneros en las estructuras contingentes de asociación con otros atributos del ser corporal, y que permiten su re-ensamblaje. Transitar puede funcionar como una herramienta disciplinaria cuando el estigma asociado con la falta o la pérdida de la condición de género amenaza la inteligibilidad social, la normalización coactiva, o incluso el exterminio físico. También puede funcionar como un vector de escape, línea de vuelo, o vía hacia la liberación”. Susan Stryker, Paisly Currah y Lisa Jean Moore, “Introduction: Trans-, Trans, or Transgender”, en Women’s Studies Quarterly, Volume 36, Numbers 3&4, Fall/Winter 2008, p. 13. La traducción es mía.
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Fuentes de consulta.
GIBERTI, Eva, ““Transgéneros: síntesis y aperturas”, en MAFIA, Diana (comp.), Sexualidades migrantes, género y transgénero, Feminaria, Buenos Aires, 2003, pp. 31-58
HEIDEGGER, Martín, El ser y el tiempo, (Trad. José Gaos), 2ª edición, FCE, Buenos Aires, 2009, 479 pp.
__________________, “El origen de la obra de arte” e “¿Y para qué poetas?”, en Caminos de Bosque, (Trad. Helena Cortés y Arturo Leyte), Alianza, Madrid, 2010, pp. 11-62, 199-238.
NIETZSCHE, Friedrich, El nacimiento de la tragedia. El caminante y su sombra. La ciencia jovial, Estudio introductorio por Germán Cano, (Trad. Germán Cano y Alfredo Brotons), Gredos, Madrid, 2010, 610 pp.
____________________, “Escritos preparatorios de El nacimiento de la tragedia”, en El nacimiento de la tragedia o Grecia y el pesimismo, (Trad. Andrés Sánchez Pascual), Alianza, Madrid, 2009, pp. 203-272.
STRIKER, Susan, Paisley Currah y Lisa Jean Moore, “Introduction: Trans-, Trans, or Transgender?”, en WSQ: Women’s Studies Quarterly, Volume 36, Numbers 3 & 4, Fall/Winter 2008, pp. 11-22.
Biophillick. Del Bio;Bios (Vida) * Philia (Amor a…) / Biophillick (Amor a la Vida / Amante de la Vida)
Biophillick (concierto-multimedia; música + cine + performance en vivo) surge en el año 2015 con su autor; el arquitecto, artista y productor musical Jhavier Loeza, mejor conocido como Biophillick. Su nombre fue influenciado por el álbum Biophilia de Björk. Sincrónico al trabajo del autor, quien se encontraba desarrollando su tesis de arquitectura, “La Ciudad del Futuro en el Cine” con una familia de prototipos conceptuales de ciudades morfogenéticas en un futuro bioarquitectónico en la Ciudad de México, donde la ficción cinematográfica del sci-fi y la realidad se hibridan en la mente del artista para imaginar un mundo en armonía con la naturaleza. El autor, decidió nombrar a una de éstas ciudades Biophilia y al arquitecto extraterrestre que la creaba le dio el nombre de Biophillick. Sería así Biophillick, un Ser de otra dimensión, como un “Yo Futurista” del autor quien se encargaría de dar vida a las estructuras arquitectónicas que cohabitarían la ciudad en unidad con el paisaje. En la búsqueda de revalorizar la Naturaleza.
Es así como los orígenes de Biophillick se gestan en el arte-conceptual con la realidad cinematográfica y el universo multimedia, un medio que gracias a los efectos especiales se da la oportunidad de transmutar la naturaleza de nuestra realidad. El cambio y la metamorfosis son parte de su ADN; un ser biológico fusionado con la tecnología y la espiritualidad. Esta naturaleza del cambio es evidente en la fusión de sus composiciones audiovisuales, donde sus sueños y emociones más profundas, así como su propia voz y el cine en vivo que presenta en sus puestas en escena, son transformados con la edición que ofrece el software de composición audiovisual.
Biophillick es un humano y un extraterrestre, su performance en vivo con sus voces zoónicas, dialectos tergiversados, frecuencias robóticas y metalenguajes mixeados son una manifestación experimental de nuestra realidad voraz de información, comunicación rizomática y múltiples cambios. Un híbrido entre lo humano-conocido y lo extraterrestre-desconocido, un vínculo con la otredad de las cosas, en todos los niveles. Sumergido y entregado a la experimentación de su labor como creativo multifacético y multidisciplinario.
Figuras mediáticas en la escena musical como David Bowie han creado alter-egos de su propia personalidad para expresar y hacer llegar al público su obra, en el caso de Biophillick es diferente, no estamos ante una alteración artificial en la creación de un personaje, nos encontramos ante la esencia del propio artista, la cual radica en la biodiversidad del mundo de la naturaleza. La vida en todo el esplendor de su ser. Vida adentro y fuera del planeta Tierra, vida en la realidad materica de nuestra dimensión física-virtual y los multiversos.
Biophillick es una esencia, un concepto que explora la corporalidad y sus emociones en relación al medio ambiente, en escenarios tangibles y ficticios. Orbitando entre lo terráqueo, lo extraterrestre, las experiencias místicas y el despertar espiritual, mezclando experiencias oníricas, con acontecimientos de su vida íntima y la crítica reflexiva ante las convulsiones político-sociales, como tal es un artista que viaja entre la realidad tortuosa del cotidiano colectivo y su imaginario subjetivo.
La música de Biophillick nos habla de su amor por la naturaleza, de rescatar los valores perdidos de la inocencia y la pureza en la humanidad, sus cantos se vuelven llantos de dolor ante la muerte de los animales, nos lleva a mundos apocalípticos para expresar el colapso de la sociedad, explora su ambivalencia sexual y su androginia espiritual; donde se da la oportunidad de ser hombre-mujer y un tercero que experimenta ambos, conecta con su animalidad donde explora la furia ancestral y las prácticas primigenias de meditación para comunicarse con el Universo y La Madre Tierra Gaia, establece un diálogo entre lo espiritual y lo terrenal, con composiciones densas y obscuras da cabida al desamor, la nostalgia, la catástrofe y el dolor. Y con arreglos ambientales sutiles provee de atmósferas de tranquilidad, armonía, luz, fiesta y diversión. Bipolaridades de recorridos a través de las emociones del ser humano. Éxtasis explosivo de introspecciones al mundo interno del artista, que por medio de sus atmósferas audiovisuales nos traslada a mundos abstractos y no lineales, rupturas en el espacio-tiempo, buscando la forma de hacer un concierto alternativo, de naturaleza metamórfica y cinestésica donde la música electrónica, el cine en vivo y el performance se hibridan.
Las facetas de la propuesta musical-multimedia abarcan un aura de amplio alcance, presentándose ya sea en una galería de arte o una sala de exhibición artística dentro de un museo con una pieza sonora, un escenario de música electrónica con un dj-set bailable, en un cine musicalizando una película en vivo, o bien en un auditorio de artes escénicas con un concierto multimedia. Las composiciones contemporáneas y abstractas del autor, se mantienen flexibles en sus formatos de presentación y abiertas a la variedad electrónica que ofrecen los instrumentos virtuales, dando como resultante una música que incorpora tanto el paisaje sonoro como el ruido y los despliegues de efectos cinematográficos, algunas veces controlados con un orden-armónico y en otras dejados al azar llegando al caos y el ruidismo.
Biophillick funge como su productor, tanto de su propia música, como de sus imágenes y puestas en escena. Sin embargo, es también el artista que permite ser producido, expandiendo su concepto y otorgando la cualidad de autor al otro, es así como han surgido colaboraciones musicales con amigos de la escena musical, quienes han elaborado la música basados en su propia reinterpretación de la esencia de Biophillick, así se han producido binomios como Bio*Mvst con ritmos experimentales en bases y baterías bailables muy tripis que rayan en lo noisero, el pop y el trip-hop . O con bases más electrónicas y psicodélicas como las de su amigo Echo Dream. Haciendo ambas de Biophillick una propuesta más digerible ante el público, en cuanto al ritmo y el baile.
Las composiciones de Biophillick surgen desde su interior, por lo tanto son abstractas y conceptuales, deben ser entendidas como producciones flexibles desde su origen. Si bien el autor no proviene de una escuela musical, ha tenido gran empatía con creadores como Aphex Twin, Brian Eno, Moby, Prince, Yoko Ono, Björk, Portishead, caracterizados por pertenecer a una escena alternativa, con vínculos al arte-conceptual, donde la música electrónica se ha combinado con el ambient experimental contemplativo y los mundos internos de los artistas, derivando en piezas que llegan a un grupo selecto de amantes de la música auténtica, arriesgada y en ocasiones incomprensible por muchos.
La obra en conjunto y puesta en escena del autor, es en síntesis; una familia de composiciones que buscan llevar al espectador a una atmósfera alternativa de su realidad. Busca generar una inmersión audiovisual, para estimular las emociones y los sentidos del público, quienes se entreguen a la experiencia, estarán inmersos en una escena subjetiva donde música electrónica con dinámicos ritmos, texturas y efectos sonoros, se suman a los visuales random del mundo de la naturaleza y el universo.
Es una plataforma de investigación sobre arte y feminismo coodinada por Jacqui Casais que pretende visibilizar a las mujeres (cis y trans) en la música en la historia del arte y en la actualidad.
En los dos números del fanzine me propuse invitar a mujeres vinculadas de distintas maneras al arte (músicas, escritoras, periodistas etc) y pedirles textos sobre sus especialidades (algunos textos de opinión, otros de investigación, entrevistas, crónicas etc).
En 2015 edité un pequeño fanzine con textos, investigaciones y entrevistas y en 2016 presenté una nueva edición, más grande, con la mayoría de los textos que compilé durante ese año y lo presenté en el Encuentro Nacional de Mujeres en Rosario.
Nosotras somos Norwayy una banda de Cool Wave originaria de Guadalajara, Jalisco (México) integrada por Rocio Márquez en la batería y Gabriela Navarro en Guitarra, Voz, Synthes y secuencias.
Hysteria! Revista: ¿Cuánto tiempo llevan como grupo? ¿Cómo fue que iniciaron?
Norwayy: Llevamos 3 años como Norwayy, y comenzamos por que ya queríamos sacar toda las pistas que teniamos guardadas en la computadora (jajaja).
Conocí a Rocío en la Universidad, ambas tocábamos pero nunca hicimos algo juntas mientras estudiábamos, fue más bien terminando la carrera que decidí contactarla de Nuevo para formar la banda.
HR: ¿Cuál es el concepto principal de su música?
N: Realmente nuestro concepto es simplemente disfrutar la música que hacemos y disfrutar el viaje. Ser nosostras mismas
HR: ¿Cuáles son sus influencias musicales?
N: Tenemos influencias muy variadas, como New Order, Tears for Fears, The Smiths, Joy Division, Pink Turns Blue, Blondie, Suzanne Ciani, Vivian Girls, Best Coast, The Drums, Tame Impala, Foals, Metric, Warpaint, Beach Haus, etc.
HR: ¿Creen que la situación de ser hombre o mujer, “portar” determinada “identidad” o tener determinada preferencia sexual incide o ha incidido en la forma de desarrollar su carrera dentro del ámbito musical? ¿Porqué?
N: Afortunadamente crecí en una familia en la que no se me desanimaba por el hecho de ser mujer, sino al contrario, siempre a mi hermana, hermano y a mí se nos impulso de la misma manera para hacer todo lo que nos propusiéramos, así que creo que eso definió en mucho cómo es que llevo mi carrera musical.
HR: ¿Cuáles son los prejuicios más agresivos o más recurrentes sobre el hecho de ser mujer y dedicarse a la música?
N: Alguna vez nos toco leer algunos comentarios en el cartel del Festival Corona Capital en Facebook, con respecto a porqué no había bandas de chicas en festivales, en el que comentaban que eso pasaba por que las mujeres “no eran talentosas”.
HR: Las anécdotas suelen ilustrar lo absurdo de esas situaciones ¿Tienen una al respecto que quieran contar?
Pues hasta el día de hoy no nos a tocado vivir algo muy drástico; tal vez sólo que en algunos de los festivales que hemos tocado somo una de las pocas bandas de chicas o la única y todas las demás pues son mayormente de hombres.
HR: ¿Que artistas de la música mujeres, trans, lesbianas y en general, personalidades no hegemónicas nos recomendarían?
N: Delia Derbyshire, Suzane Ciani, Mint Field, Las piñas, Las Robertas , Falsa fortuna, La luz, Norwayy ;).
El movimiento Riot Grrrl es una pieza fundamental en el feminismo mundial, un manifiesto punk necesario para plantarnos frente al eterno patriarcado. La música siempre fue un medio útil para lograr que el mensaje llegue a más personas. El objetivo está claro y parece utópico, pero también se sabe que la unión hace a la fuerza.
Janis Joplin fue la precursora en expresar estas ideas. Dentro del movimiento hippie de finales de los sesenta, ella fue la imagen de la libertad femenina. Patti Smith siguió sus pasos, sobre el final de la década siguiente, transformando su poesía en canción. De lo hippie hacia el punk, ellas dejaron una huella perfecta para que las mujeres cambiaran la realidad.
A mediados de los ochenta apareció en el under estadounidense la banda Pussy Galore. Tres discos y un puñado de EP’s, fueron suficientes para marcar los cimientos del Riot Grrrl en Washington para siempre. Terminó siendo una banda de culto, apreciada más a la distancia que en aquel momento.
“Las chicas inventaron el punk rock, no Inglaterra”, dice una remera icónica que usó en los noventa Kim Gordon, integrante de Sonic Youth. Con la inminente revolución de Nirvana, todo estaba a punto de estallar. En ese momento Kathleen Hanna y Tobi Vail, futuras , eran dos fanzineras que militaban el feminismo y la libertad en sus fotocopias. En sintonía, estaban Molly Neuman y Allison Wolfe, integrantes de Bratmobile. Se conocieron, vieron que iban por el mismo camino y entre las cuatro armaron el fanzine “Riot Grrrls!”, el puntapié inicial de la revolución feminista como movimiento.
En paralelo, algunos hombres de la escena se sumaron. Los muchachos de Fugazi fueron los primeros en armar fechas con Bratmobile y Bikini Kill. Llegaron a tocar en la puerta de la Casa Blanca. Además, Ian McKaye, el motor del under de Washington hasta el día de hoy, editó a través de su sello Dischord Records a Bikini Kill y a Slant 6, otra banda feminista integrada por la ex Bratmobile, Christina Billotte. Sin embargo, el hombre feminista más famoso fue Kurt Cobain. En ese momento, él salía con Tobi Vail. Su amistad con Kathleen era tal que fue ella quien, a través de un graffiti, bautizó la canción que marcó una década: “Smells like teen spirit”. Por otro lado, Nirvana, en su visita a Buenos Aires trajo como teloneras a las Calamity Jane, una banda de chicas punk con algunos tintes grunge característicos de la época. El público argentino las agredió y, en respuesta a esto, Cobain amagó toda la noche con tocar “Smells like teen spirit”, a modo de protesta.
En la misma línea del Riot Grrrl, a mediados de los noventa y también en Washington, surge Sleater-Kinney, que en 2015 regresó a los escenarios y con disco nuevo. Tal vez reconozcas a Carrie Brownstein, guitarrista de la banda y actualmente actriz de la serie Portlandia. Las Sleater-Kinney iban a la misma escuela secundaria que las Bikini Kill. Por otro lado, Hole también apareció en ese momento, militando las mismas ideas pero en una forma menos política y más desprolija. A las Riot Grrrl nunca les cerró la idea de Hole como parte de este movimiento. Tal vez esta desconfianza surja porque Courtney Love le pegó a Kathleen Hanna, mientras miraba a Sonic Youth en el Lollapalooza 95. Kim Gordon también dejo su marca feminista con Free Kitten, una banda que tenía junto a Julie Cafritz, integrante de los históricos Pussy Galore.
Sin embargo, en Latinoamerica también había un movimiento naciente. En Argentina, She Devils marcó el terreno. En sus canciones hablaban de anarquía y feminismo. En 1997, hicieron un Split con Fun People que se llamó “El aborto ilegal asesina mi libertad”. Hacían punk porque en ese momento era contracultural (¿lo sigue siendo?). A partir del quiebre social del 2001, la cumbia se transformó en el hogar de esa contracultura que supo ser punk, ese espacio que la ‘gente bien’ considera molesta. Es por eso que sus integrantes mutaron e iniciaron una nueva banda de cumbia, llamada Kumbia Queers. En Brasil, el riot grrrl empezó a aparecer en 1982, de la mano de Mercenárias. Durante los noventa, Dominatrix encabezó el movimiento de ese país. Las acompañaron otras bandas como Bulimia y Menstruação Anarquika. Actualmente, Anti-Corpos, una banda de lésbica feminista de hardcore, es quien sigue llevando la bandera.
Hoy por hoy, el machismo sigue en todos las lados. La búsqueda de la igualdad femenina ya es un tema cotidiano, pero no alcanza con eso. Todavía falta. Un claro ejemplo de esto es el caso de las Pussy Riot, un colectivo ruso feminista. En 2012, tres de sus integrantes fueron encarceladas luego de un recital improvisado en el altar de la Catedral de Cristo Salvador de Moscú. Las acusaron de vandalismo por exponer sus ideas. Jamás se resistieron ante las autoridades y, ya en la cárcel y cumpliendo los dos años de condena, no pararon.
En Latinoamérica, la lucha y la unión es doble. Hay muchas chicas que alzan su voz a través del rap, y en sus líneas resumen todo el pensamiento feminista. Tal vez sea porque junto a la cumbia son el ritmo de la calle, la contracultura actual. Algunas de ellas son: Rebeca Lane (Guatemala); Diana Avella (Peru); Sara Hebe (Argentina); Caye Cayejera (Ecuador); Anarkia Ruiz (Venezuela); Belona MC (Chile); Danay Suarez (Cuba) y Jessy P (Mexico).
El objetivo sigue siendo el mismo que en los sesenta. Janis Joplin buscaba esto, Patti Smith buscaba esto. Somos feministas porque es necesario. No tenemos opción. Hay que levantar nuestras palabras, nuestro manifiesto, en camino a la verdadera libertad.
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Valeria Lugosi. periodista de cultura joven y productora. Editora del fanzine “Elegí tu propia aventura”. Actualmente colabora con la Revista Rolling Stone.
Este artículo fue publicado originalmente el 4 de diciembre de 2016 en la plataforma Ni Groupies ni Musas
La trama gira en torno a una guerra de Bandas de Metal donde Pamela Flawers decide inscribir a su grupo »Pamela an de Flawers», pero se verá afectada por el desinterés y rechazo del reclutador, quien al descubrir que se trataba de una banda liderada por mujeres y músicos sin atuendos característicos al heavy metal, pretenderá inculcarles la idea de lucir menos femeninos y florales, y más »rudos». Al final, Pamela mostrará la importancia de crear y disfrutar la música sin moldes machistas, y sin limitaciones, como suele ser generalmente el público de este sub género del Rock
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HairMazk, es un proyecto de ilustración a cargo de Miguel A. Padilla Salazar, donde a través de la representación de lo artificial e híbrido (y sí, mucho cabello también), aborda algunos temas de interés personal como la identidad y objetualización, el existencialismo, la muerte, el tiempo, el inconsciente, la mente y sus divergencias.
La experiencia de Mery Buda, es el proyecto solista de la artista multidisciplinaria Mery Buda en el cual combina su interés por la música, las artes visuales y de baile de tubo.
Hysteria! Revista: ¿Cuánto tiempo llevan como grupo? ¿Cómo fue que iniciaron?
Mery Buda: La idea y el nombre se gestaba desde el 2013 quizás. Consiste en crearme un escaparate para toda expresión artística que produzco en soledad. Empezó cuando me di cuenta de lo inconexas que estaban todas las actividades que yo había decidido emprender para mi vida profesional, que eran hacer música, hacer cómics, tatuar y exhibir los bailes de tubo. Sentí que debía dar un nombre que incluyera e integrara todas esas cosas, a fin de que a lo largo de toda mi vida, pudiera yo alimentar un solo proyecto grande en vez de muchos proyectos pequeñitos.
Hysteria! Revista: ¿Cuál es el concepto principal de tu música?
Mery Buda: Hasta ahorita se trata de coros pegajosos que acuden al rescate cuando en la cotidianidad se presentan sentimientos incomprensibles como celos, reclamos, dolor por la falta de algo querido, ganas de morirse o hasta extrema felicidad y energía que se desborda. Todas mis rolas han salido como solución personal a esos problemas.
El género musical no está establecido… es en realidad consecuencia del material disponible, que hasta el momento es: una guitarra, una tarola, un software con instrumentos MIDI y mi voz..
HR: ¿Cuáles son tus influencias musicales?
MB: Cualquier música que a lo largo de mis treinta años me haya hecho llorar, reír, sentirme parte de una comunidad, o bailar.
HR: ¿Creen que la situación de ser hombre o mujer, “portar” determinada “identidad” o tener determinada preferencia sexual incide o ha incidido en la forma de desarrollar su carrera dentro del ámbito musical? ¿Porqué?
MB: Sí, definitivamente incide en el hecho de que las demás mujeres se muestran muy empáticas hacia mi trabajo. Y muchas de las puertas que se ma han abierto han sido consecuencia de esa empatía.
HR: ¿Cuáles son los prejuicios más agresivos o más recurrentes sobre el hecho de ser mujer y dedicarse a la música?
MB: Creo que el más recurrente que puedo encontrar es el de negar la capacidad de autoproducción/autogestión/creación de una mujer. Es decir, muchas personas tienden a pensar que necesariamente hay un hombre detrás preparando las pistas, el audio, los letreros, componiendo las canciones o cualquier otro artificio que haga brillar a una mujer. Y hay quienes ven algo sospechoso en el hecho de que no lo haya.
Con esto no quiero decir que esté mal pedir ayuda o dejarse ayudar por hombres o por mujeres. Pero, personalmente, en este momento yo me hallo probando mis límites para sacar de mi propia cabeza el pensamiento de que no puedo crear o tocar música que salga de mi naturaleza y de mis entrañas, y que, al mismo tiempo, sea digna de compartirse.
HR: Las anécdotas suelen ilustrar lo absurdo de esas situaciones ¿Tienes una al respecto que quieras contar?
MB: Bueno, viene a mi memoria un comentario de una mujer que una vez dijo sobre mí: «pinche morra sin talento, por eso se encuera»…
Esto fue en la época que estaba con Las Izquierdas, y yo sentí que me estaba juzgando sólo por las apariencias. Creo que ella no sabía todo el trabajo que implicaba para mí dentro de la banda hacer las baterías de las canciones, crear las letras y melodías entre los tres integrantes, incluso haber aprendido a tocar; además creo que ella no entendía que encuerarme es uno de mis mayores talentos…
HR: ¿Que artistas de la música mujeres, trans, lesbianas y en general, personalidades no hegemónicas nos recomendarían?
MB: Pues me vienen a la mente personas como Zemmoa, Flor Amargo (la pianista «loca» del metro), La Bruja y sus conjuros, las Histriónicas Hermanas Hímenez, K Pasa USA, las Luz y Fuerza que son un par de hermanas que ya llevan bastante tiempo en otros proyectos de música acá en la ciudad, Ali GuaGua con su DJ set, Mágicos y Vintage 3000 ambos duetos susurrados mujer/hombre, De la diáspora, cantautor colombiano con bella guitarra y voz.
La verdad me considero una ignorante en el tema, pero justo ahora estoy deseando acercame y conocer…
Es un poco por eso que estamos fundando La terrorista del Sabor y yo (a ella se las recomiendo también) el festival de música y bailes de tubo «Tugurio de Vedettes Fest», buscando atraer el brillo de drags, trans, mujeres y hasta hombres que estén enamorados de la sensación de ser vedettes cuando están en el escenario (interprétese eso como ud. quiera).
HR: ¿Qué le dirías a otrxs disidentxs interesadxs en incursionar en este medio?
MB: Pues que lo hagan.. y que si se sienten un tanto vedettes, se comuniquen conmigo jajaja (digo, para conocernos y crecer esa tribu que yo tanto ando buscando)
¿Habrá sido el odio de sí mismo el culpable de la masacre?
En la noche del 12 de junio 2016, Omar M., un hombre joven de origen afgano, mató a 49 personas e hirió a otras 53 en una discoteca cuya clientela era sobretodo de personas homosexuales. El asesinato masivo fue reivindicado por los islamistas integristas de Daech.
Resumiendo ante la prensa la vida de su hijo multicriminal, el padre de Omar M. lamenta profundamente su trágico fin y la horrible tragedia de la que fue autor; no se explica lo sucedido, y dando testimonio de la amabilidad de Omar quien respetaba fielmente las tradiciones familiares, agrega: “ Es a Dios a quien compete castigar a quien se lo merezca y no a los humanos”. Podremos estar de acuerdo con el Sr M, sobre tal aseveración, sin embargo, es necesario tomar en cuenta que Omar creció en un ambiente patriarcal y arcaico donde la autoridad del padre es absoluta y los papeles de las personas se encuentran perfectamente definidos en función de su sexo.
¿Era amable Omar? Podemos creerlo, sólo que el peso de la familia, del clan, de la religión, y sobre todo del odio que tenía de sí mismo, del que no se pudo liberar, no solamente no le ayudaron a vivir su gentileza sino que lo empujaron a convertirse en un terrible asesino. En efecto, los fanáticos islamistas con los que Omar se puso en contacto, que se creen el brazo justiciero de un Dios de caricatura que debe castigar a los que no están de acuerdo con ellos, lo hundieron más en el problema que él tenía con su propia identidad, ofreciéndole una puerta falsa de salida.
Víctima y verdugo.
Generalmente, a la gente que ama la justicia y siente horror del crimen le cuesta trabajo darse cuenta de que, con frecuencia, la primera víctima es el verdugo mismo. Esto sucede en el caso que nos ocupa: podemos explicarnos la angustia existencial de Omar, víctima de la leyes que rigen a su familia y del ambiente socio-étnico más estrecho en el que él se mueve, (a pesar de vivir en un país multicultural y multireligioso. ) Leyes y tradiciones que lo condenan a vivir como marginal, como clandestino avergonzado de sí, desgarrado en su interior por su doble vida. Y no es para menos: En su medio socio-cultural, Omar, como varón, debe garantizar el honor de la familia. Es así como, tratando de negar sus pulsiones profundas, trata de sobreponerse a ellas y se orienta hacia el objeto mayoritario del deseo para un varón, – la mujer -, con la esperanza de convertirse en otro hombre conforme a la norma. Por eso Omar se casa hasta dos veces con chicas de su medio socio-cultural, para darles gusto a sus allegados pero sobre todo para huir de sí mismo ya que no se resigna a la apremiante realidad de su orientación sexual.
Luego de fracasar en sus dos matrimonios, Omar no puede más que constatar que no le es posible “curarse”. Y es que cada vez sus pulsiones naturales regresan con más fuerza…y esto es insoportable… ¿ Qué salidas se le ofrecen entonces a este hombre atormentado? Una hubiera podido ser la de decidirse por fin a tomar el camino de la aceptación de sí mismo, camino doloroso porque lo pondría en conflicto con la familia, la religión, etc.. Camino doloroso, es cierto, pero no imposible. Omar ha cultivado lazos de amistad con otros muchachos homosexuales de familias musulmanes. Esos amigos con los que se ha codeado en la discoteca LGBT “Pulse” de Orlando parecían vivir con serenidad su diferencia y trataban de mirarse sin mentirse a sí mismos. Ellos habían tomado el camino de la aceptación que puede conducir a la paz interior, o al menos al principio, a un pacto de no agresión consigo mismo.
La otra salida, la que por desgracia va a tomar Omar, es la que le ofrecen en charola de plata los fanáticos sanguinarios con los que se ha puesto en contacto. Poder escapar de un mundo en el que le es imposible vivir, y sobretodo escapar de la detestable imagen que tiene de sí mismo…Así entra, pues, por última vez a esa discoteca a la que ya había entrado tantas veces y, llevando ahora un arma de grueso calibre, en el clímax de su enajenación, se vuelve el protagonista de una diabólica apoteosis.
El odio de sí mismo lo llevó al odio de otros, de todos los que se encuentran en el mismo pecado condenado por la religión, pecado que él debe castigar sintiéndose el brazo justiciero de Dios. Su Dios, ese Dios que le fabricaron los fanáticos le pide que mate a esos seres pecadores porque son indignos, comenzando por él mismo. Es así como la víctima se convierte en verdugo. Un medio familiar, un medio cultural que toma la religión como la dictadura de un Dios que oprime en vez de liberar puede producir muchas víctimas. Y esto sucede igualmente con los cristianos de las diversas iglesias cuando sólo leen la Biblia fijándose en la letra y no en la profundidad del Espíritu que la habita. Olvidándose de que la ley está hecha para servir al Hombre, y no el Hombre para servir la ley (Marcos 2 : 27 – 28), olvidándose de que “La letra mata y sólo el Espíritu vivifica” (Pablo, 2 Cor 3, 6). Esos que condenan a sus hijas e hijos, parientes, amigos a vivir en la hipocresía mintiéndose a sí mismos y a los demás. Esos que no saben o que han olvidado que la mentira nos hace vivir en la esclavitud y que sólo la verdad nos puede liberar (Juan 8: 32)
“Yo soy el camino, la verdad y la vida” ( Juan 14: 6)
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Nota: Este artículo, en su versión original, fue publicado en francés en la revista católica “Les Réseaux des Parvis”, París, número de noviembre-diciembre 2016
Sobre la venus dormida. De la serie La Atlántida, o la utopía del cuerpo femenino (2015 – en proceso), Carol Espíndola
Por Liz Misterio
Liz Misterio: ¿Qué te llevó a trabajar con las representaciones del cuerpo femenino presentes en obras icónicas del arte universal?
Carol Espíndola: Comencé a interesarme por fotografiar el cuerpo a partir de un proyecto que inicié en el 2008, sobre la transición la infancia a la adolescencia de los niños que me rodeaban: mis hijas, sobrinos, y alumnos (soy maestra de educación básica también).
Me pareció realmente importante, el cuerpo por sí mismo como un gran contador de historias. Observar sus posturas, transformaciones, y su relación con la ropa que lo cubre.
Enfrenté un proceso de transición en ese momento, a nivel personal y en mi producción artística. Comencé varios proyectos fotográficos que no concluí, incluso pasé un par de años sin tomar una sola foto.
Me di cuenta también, que mi propio cuerpo estaba dejando de ser un cuerpo joven, comparándolo con el de mis hijas. Hice a un lado el proyecto de la transición, volteé la cámara y comencé a retratar mi propio cuerpo.
Mi intención era hablar del cuerpo femenino como un espacio donde pasa el tiempo.
Finalmente en el 2014, desarrollé la serie La corteza de Venus (que es un proyecto previo a la serie La Atlántida) y, a la par de la producción fotográfica, inicié a coleccionar imágenes de las representaciones de la mujer y del cuerpo femenino, como las Venus y Afroditas dentro de la historia del arte, principalmente en la pintura. Realizaba algunos bocetos de probables puestas en escena representando algunas de ésas imágenes, como Praxíteles desnuda a Friné ante el Areópago (1861) de Jean-Léon Gérôme; y Lady Godiva (1897) de John Collier.
De la serie La corteza de Venus (2014 - 2015), Carol Espíndola
Lady Godiva (ca. 1897), John Collier
Originalmente solo hacía collages en la computadora, como una especie de apuntes personales. Finalmente decidí que esas imágenes podrían ser las piezas finales.
El nombre proviene de búsqueda de un lugar imposible: La Atlántida, como analogía de la búsqueda de un cuerpo femenino perfecto.
Sobre Friné, De la serie La Atlántida, o la utopía del cuerpo femenino (2015 - en proceso), Carol Espíndola
LM: En algunas de las representaciones que has elegido usurpar, las mujeres aparecen como cuerpos para la docilidad y la vergüenza ¿De qué manera te afectan estas imágenes en tu subjetividad encarnada?
CE: Me interesa motivar al espectador a reflexionar sobre el cuerpo femenino y la mirada patriarcal, puesto que en México, como en casi todo el mundo, aún nos enfrentamos al machismo en la vida cotidiana, a la presión social para cumplir con un estereotipo de belleza impuesto. A la crisis emocional que muchas mujeres enfrentan al dejar de ser jóvenes y “dejar de ser bonitas”.
Me interesa manifestar mi rechazo a la culpa impuesta a la mujer y despojar la carga sexual que se atribuye al cuerpo femenino desnudo.
Para mí, mostrar el cuerpo femenino de esa forma es un símbolo de empoderamiento. Me apropio de imágenes para provocar, no es una casualidad.
De la serie La corteza de Venus (2014 - 2015), Carol Espíndola
LM: En las obras en las que retomas a la Venus y a Friné, me resulta claro que estás confrontando el paradigma de belleza occidental, pero en esta misma serie hay un par de piezas que salen de ese tema que me parecen intrigantes: Sobre rodear el mundo y Sobre New Harmony.
¿Qué me puedes decir de estas piezas?
De la serie La Atlántida, o la utopía del cuerpo femenino (2015 - en proceso), Carol Espíndola
CE: Éstas piezas responden al nombre de la serie La Atlántida, que proviene de la literatura de las ciudades utópicas como una analogía de la búsqueda de un cuerpo femenino perfecto, y cuyo origen se ubica desde Platón y Aristóteles, quienes hacen una descripción física de la mítica ciudad Atlántida y continúa por generaciones, como en la Utopía de Tomás Moro; y en los escritos de muchos otros como Francis Bacon, H. G. Wells, Aldous Huxley, y más.
Sobre rodear el mundo, proviene de una publicación en la revista francesa del siglo XIX llamada Le monde Illustré, sobre la novela de Julio Verne La vuelta al mundo en ochenta días de1872. Si bien el interés de Verne no era la construcción de utopías, estaba rodeado de ellas en su contexto histórico. Se trata de hacer del cuerpo ese mundo imposible de rodear.
Por su parte, Sobre New Harmony, es una apropiación a una ilustración de un proyecto de sociedad utópica que emprendió el empresario socialista Robert Owen en 1825, en New Harmony, Indiana (E.U.). En la ilustración original se observa a una familia que mira hacia la ciudad, listos para vivir en el mundo ideal.
De la serie La Atlántida, o la utopía del cuerpo femenino (2015 - en proceso), Carol Espíndola
LM: Las Venus y Friné aparecen desnudas en los cuadros pero cubriéndose tímidamente con las manos o apartando la mirada del espectador, sus cuerpos están dispuestos para ser mirados pero ellas no miran hacia ningún lado, sin embargo tu apareces con los ojos abiertos y enfocando la mirada, en varios casos directamente hacia el espectador.
¿De qué manera este gesto desafía la mirada masculina tan presente en la historia de la representación del cuerpo de las mujeres?
CE: Lo desafía desde el hecho de apropiarme de imágenes creadas por un hombre. No me interesa hacer réplicas sino, justo modificar el gesto original, para representar el rechazo, desafiar las cargas impuestas o imponerle cierto humor.
Encuadre de El nacimiento de Venus (1879), William-Adolphe Bouguereau
Sobre el nacimiento de Venus II. De la serie La Atlántida (2015 - en proceso), Carol Espíndola
LM: En tu obra se puede apreciar una tensión entre la colonización de la mirada y la experiencia de habitar un cuerpo mestizo ¿Qué nos puedes decir sobre esto?
CE:
Soy una mujer mestiza y creo que tengo la responsabilidad de partir de ahí para manifestarme creativamente.
LM: En estas obras eres a la vez la modelo y la fotógrafa, sin embargo los temas que abordas afectan a todo un sector de la población. ¿Dirías que estas obras reflejan el lema “lo personal es político”?
CE: SÍ, porque no se trata directamente sobre mí. Me utilizo individualmente y a mi familia para hablar de ello…
para que mujeres y hombres reflexionemos sobre estos temas que me ocupan: machismo, estereotipos de belleza, género, desnudez.
Imágenes de la exhibición Vitamina A. Nueva Generación de fotógrafas en México (24 de Marzo – 28 de Abril. Ciudad de México).
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Carol Espíndola (Tlaxcala, 1982)
Egresada del Seminario de Fotografía Contemporánea 2014 del Centro de la Imagen y el Centro de las Artes de San Agustín. Becaria en la categoría de Jóvenes Creadores de Fondo Nacional para la Cultura y las Artes (FONCA) 2015-2016. Obtuvo el Premio Tlaxcala de Artes Visuales en 2014 y 2005. Participó de manera colectiva en la exposición Cartografías Íntimas (Casa de América, Madrid) como parte del festival Photoespaña 2016; y también en las exposiciones Todo por ver (Foto Museo Cuatro Caminos) y De obscena belleza (Hydra+Fotografía), ambas en la Cd. de México (2015). Su obra pertenece al acervo del Museo de Arte de Tlaxcala, al Centro de Investigación y Documentación de las Artes Visuales de Tlaxcala; y de colecciones particulares. Escribe sobre fotografía en la columna PESE A TODO y para el sitio web venezolano ESPACIO GAF.
de la representación de lo artificial e híbrido (y sí, mucho cabello también), aborda algunos temas de interés personal como la identidad y objetualización, el existencialismo, la muerte, el tiempo, el inconsciente, la mente y sus divergencias.
