Musea M.A.M.I. es una iniciativa de arqueología digital que nos llega al presente año 3020, llena de obras de arte y cultura popular feminista generada durante finales del siglo XX e inicios del XXI, una época en la que como estas exploradoras reconocen «los entes vivos aún se discriminaban entre sí, no sólo entre especies, sino también por razones de género, raza, orientación sexual, corporalidad, entre otras.»
Cuentan las organizadoras de Musea M.A.M.I. que en el pasado, grupos de mujeres rebeldes y organizadas conocidas como «las feministas», produjeron expresiones artísticas y culturales para denunciar las violencias machistas y la discriminación, fenómenos que hoy en día nos suenan lejanos y difíciles de imaginar, pero que en aquellos años eran cuestiones que agobiaban a nuestras ancestras.
En entrevista, las compañeras detrás de M.A.M.I. nos comentan:
«La sigla M.A.M.I es un acrónimo que puede ser utilizado de múltiples maneras y libremente, como Museo Arqueológico del Machismo Inmemorial, Musea de Antigüedades Misóginas Increíbles, Musea Anti Machismo Interactivo, Musea de Arte Moderno e Insumiso, Musea Autónomo de Mujeres Intergalácticas…»
Actualmente, el proyecto es autogestionado y requiere tu apoyo para seguir manteniendo su infraestructura y acervo artístico, político y arqueológico. Puedes apoyar a M.A.M.I. haz click acá.
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M.A.M.I. es un proyecto colectivo que surge del trabajo creativo de cerca de 15 compañeras de distintos países de Abya Yala que en el año 2017 se reunieron en Santiago de Chile, en un taller facilitado por Lucía Egaña, Joana Varon y Paz Peña, para pensar formas de responder a la violencia patriarcal cotidiana, estructural y en internet. Participaron de este proceso las compañeras: Amarela, Anamhoo, Daniela Maldonado, Fer Shira, Larissa Santiago, Juliana, Kalogatias, Lilliana Zaragoza Cano, Maka, Rocío Venegas, Shariana Ferrer, Senoritaugarte, Steffania Paola, Yela Quim, Yoselín Fernandez, Valeria Antezana. Esta reunión de concepción de M.A.M.I fue realizada por Coding Rights, con apoyo logístico de Derechos Digitales y apoyo financiero de Hivos. El desarollo de la plataforma fue coordinado por Joana Varon y Lucía Egaña Rojas, en parcería con Steffania Paola, Diana Cury, Clarote y con apoyo del equipo de Coding Rights, que ya tenía suporte core de la Fundación Ford Brasil.
Orbitando en el espacio exterior y agradecidxs con Hysteria Revista por el espacio para entrar en contacto con ustedix ¡les saludamos con todix nuestrix corazonix!
Hace ya un buen tiempo ––tiempos terricolix–– que, tras algunas experiencias sentidas en su queridx planeta, nos resultó necesario procurar coordenadas espacio-temporales para imaginar FUTURIX posibles ––estamos en ello–– preparándolix una entrega espEAcial: ¡Una libra! Que deseamos renueve las ganas terrícolix de cambiar los escenarios apocalípticos que hoy en el porvenir parecen inminentes e incitar la imaginación para mapear visiones de futurix deseables.
¿Cómo podemos atender los desafíos que enfrenta la Tierra hoy en día?
Hemos tenido noticia de que en los primeros días de agosto del 2021 la organización terrícola Grupo Intergubernamental de Expertos sobre el Cambio Climático publicó el detallado informe “Cambio Climático 2021: Bases físicas”. En él pueden leer que aunque ya no es posible evitar la intensificación del calentamiento de la Tierra todavía es posible realizar modificaciones drásticas para contribuir a que en 20 o 30 años se pueda estabilizar la temperatura global.* Para lograrlo se “necesitarían transiciones rápidas y de gran alcance en los sistemas energéticos, terrestre, urbano y de infraestructuras (incluido el transporte y los edificios), e industrial”.**
¡Terrícolix! este es un fuerte llamado para empezar inmediatamente con cambios en el día a día y presionar enérgicamente a lix responsables de políticas, industrias y transportes de hacer todo lo posible YA para que el calentamiento no sobrepase los 1,5 °C. Con 1,5°C, “se producirá un aumento de las olas de calor, se alargarán las estaciones cálidas y se acortarán las estaciones frías; mientras que con un calentamiento global de 2°C los episodios de calor extremo alcanzarían con mayor frecuencia umbrales de tolerancia críticos para la agricultura y la salud.”*
Frente a la angustia paralizante que puede provocar el corroborar lo que día con día sentipensamos y percibimos al habitar la Tierra, en FUTURIX queremos compartirles sabidurías recopiladas y traídas a ustedes desde el año 2070 para cambiar el presente. En la siguiente pruebita inspirada por “Ficciones curativas”de nuestrix amiguix real Ángela Robles Laguna podrán enterarse de algunas transformaciones que tendrán lugar en la Tierra, de prácticas vitales ante los cambios que ya se sienten. Quién nos guía ––La bruja metamorfa–– forma parte de una de las comunidades terricolix que en el colapso pandémico del 2020 se implicaron radicalmente para redirigir sus esfuerzos “hacia los caminos del autoconocimiento, el cuidado y la sanación [planetaria]”.***
Durante un viaje transtemporal desde el año 2070 aterrizando en el pasado de 2020, hemos reunido en la libra bilingüe (español e inglés) FUTURIX estimulantes prácticas artísticas, entrevistas, cartas de amor, escrituras creativas, dibujos, muñecxs para recortar y una lectura de tarot para explorar las conexiones entre la imaginación y los actos de cambio social. Inspiradxs por la “ficción visionaria” de adrienne maree brown y Walidah Imarisha, FUTURIX es un viaje hacia posibles futurix. ¡Depende de nosotrix qué ruta tomamos!
FUTURIX estará disponible en la Tierra el próximo invierno. ¡Manténganse al pendiente!
While we’re orbiting in outer space and thanking Hysteria Revista for providing their space to get in touch with you, with all our hearts, we greet you.
It’s been quite a long time ––in earthlings’ times–– that, after some experiences we felt on your beloved planetess, it became necessary to look round space-time coordinates to imagine possible FUTURIX ––we’re on it––, preparing a special delivery: A bookess! We wish that she will renew the earthly desire to change apocalyptic scenarios, which today seem imminent to come, and to spark imagination to map out desirable visions of futurix.
How to address the challenges that Earth faces today?
We received the news that in the first days of August 2021 the terrestrial organization Intergovernmental Panel on Climate Change(IPCC) published the detailed report «Climate Change 2021: the Physical Science Basis». In it you can read that although it is no longer possible to reverse global warming it is still possible to make drastic modifications in order to help stabilize global temperature in 20 or 30 years.* To achieve this it “would require rapid and far-reaching transitions in energy, land, urban and infrastructure (including transport and buildings), and industrial systems”.**
Earthlings! This is a strong call to immediately start with changes in day-to-day life and to energetically put pressure on those responsible for policies, industries and transport to RIGHT WAY do everything possible so that global warming does not cross 1.5°C. For 1.5°C, “there will be increasing heat waves, longer warm seasons and shorter cold seasons. At 2°C of global warming, heat extremes would more often reach critical tolerance thresholds for agriculture and health”.*
Facing the paralyzing anguish that can be provoked when corroborating what we sentipensamos [feel-think] and perceive while inhabiting Earth, in FUTURIX we want to share wisdom gathered since 2070 to change the present.
In the following sample inspired by «Healing Fictions» of our real friend Ángela Robles Laguna, you will be able to see some transformations that will take place on Earth, to find out about vital practices in the face of changes that are already felt. The one who guides us ––the metamorphic witch–– belongs to one of the earthlings’ communities that, in the pandemic collapse of 2020, was radically involved in redirecting their efforts “towards the paths of self-knowledge, care and [planetary] healing”.***
During our transtemporal journey from the year 2070, landing in the past of 2020, in the bilingual bookess (Spanish and English) FUTURIX, we bring together stimulating artistic practices, interviews, love letters, creative writing, drawings, cut out action figures and a tarot reading to explore the relations between imagination and acts of social change. Inspired by “visionary fiction” by adrienne maree brown and Walidah Imarisha, FUTURIX is a journey into possible futurix. It is up to us which route we take!
FUTURIX will be available on Earth next winter. Stay tuned!
* For more, see https://www.ipcc.ch/report/sixth-assessment-report-working-group-i/
** For more, see https://www.ipcc.ch/sr15/resources/headline-statements/ *** Ángela Robles Laguna, “Healing Fictions – Art and Imagination for Times of Crisis,” in FUTURIX: A Feminist Collection of Visionary Fiction of Artistic Practices and Creative Writing, INVASORIX (ed.), Mexico City: Ediciones Nepantlerix, 2021.
Cyberbrujas y dulces guerreras, arrancadas tanto de mitologías paganas como de la cultura pop, brotan de la pluma de la artista chilena Paulett Pando Dubott, que a través de su proyecto Planetaliens, nos invita a imaginar otros mundos posibles.
Tres Brujas
Cerrito
Cleopatra
Hadas Valentinas
Desde escenarios distópicos y oníricos, las corporalidades cyborg que imagina Paulett se organizan en pandillas de chicas guerreras que han aprendido a resistir, a luchar y a gozar en colectividad.
Tristan e Isolda
Hada y Llamas
Ofelia
Si te encuentras en Chile, en Planetaliens Tienda podrás encontrar algunas prendas que la artista ilustra y confecciona. <3
La palabra malware evoca pesadillas informáticas que se empeñan en corromper el confort de nuestros anodina intimidad cibernética, torciendo las máquinas a su voluntad, forzándolas a traicionar su eficiente programación encaminada a la producción y el progreso.
La obra de MAL_WARE se inscribe en estos imaginarios pesadillescos, en los que la distopía se ha instalado dando paso a una sociedad en donde las máquinas han desarrollado relaciones simbióticas con los humanos, no para hacerlos más eficientes sino para ayudarse a sobrevivir en un mundo en decadencia.
imagen por Mal_ware
imagen por Mal_ware
La artista utiliza agujas y tintas para infiltrar imágenes cyberpunk sobre la piel de cuerpos humanxs que resuenan con su obra y que desean hackear su código normativo de manera permanente.
Puedes ver más de la obra de Mal_ware en sus redes sociales, y si estás en la CDMX cotiza tu tatuaje directamente con ella 😉 .
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Mal_ware es una dibujante y tatuadora que vive y trabaja en la CDMX.
I Extra.vagantes y errantes, no orbitamos ninguna estrella. Vivimos en el límite extendido de la extinción.
Antediluvianxs, abisales, florecemos entre ruinas y habitamos todas las profundidades.
Autoexiliadxs del paisaje edénico nos refugiamos con rabia dentro de terra … esperando. Nuestro pulso se ha vuelto frío y nuestros latidos lentos pero incandescentes, con el fulgor de su núcleo y con la brutalidad impredecible de sus placas chthónicas.
Preferimos morir de frío y declararnos huérfanxs antes de aceptar el calor de un “Astro Rey” que esclaviza y oprime la vida.
No somos humanos. Somos unión terrible y prodigiosa de tentáculos, pezuñas, antenas, garras y aletas.
No somos uno. Somos multiplicidades, alteridades radicales y enjambres de verbos impronunciables. Organogénsis en reversa hacía un mundo sin dicotomías gonadohormonocromosómicas.
Nuestra voz es hiperesdrujula, devónica, gutural, plural y simultánea. Nuestra conciencia colmena, y nuestros cuerpos felices receptáculos de legiones demoníacas con miles de ojos diminutos, con escleróticas negras y brillantes.
No queremos ser exorcizadxs. Aborrecemos la luz de la superficie, hemos abortado su cristianismo neoplatónico y no queremos que nadie nos “rescate” de nuestras cavernas.
No somos sus cabelleras de caza, ni sus disecciones de laboratorio, ni los sujetxs de estudio en sus descubrimientos rapaces. No somos Humanos. Somos la estela de polvo plateado que han dejado todxs aquellxs vaquerxs galácticxs al desvanecerse en el aire de este país fantasmal. Hemos sido obligados a crecer en la Zona del Silencio, como la Opuntia Gosseliniana, pues compartimos su tez de maíz morado y sus espinas infrarrojas.
Y en el silencio nos hacemos preguntas.
Y nos preguntamos: ¿Qué color tendría tu odio si mi piel fuera transparente?
Nahualidad expandida, el jaguar es nuestra especie de compañía.
II
No somos humanos.
Somos holobioma máxima y estamos dispuestxs a generar parentescos multiespecies cada vez más extraños.
Y con ello, vamos a corromper sus asquerosas prácticas hetero-reproductivas y sus viciosas matrices sexo-genéricas.
En nuestra estratagema onironauta nuestros cuerpos atraviesan las fronteras más salvajes. Nunca más podrán controlar nuestras mentes porque hemos soñado con arrecifes infinitos y jardines inmensos de zooxantelas y plantas enteogénas, porque hemos celebrado eucaristía de psilocibina devorando el cadáver melificado de María Sabina y sus hongos de Yuggoth.
Probamos el amargo liquen del Symbiodinium divinorum y esnifamos el Vinum Sabbati. Nos hemos separado las entrañas para cometer aquelarres con nosotrxs mismxs, orgías micropolíticas con nuestrxs propios tejidos y sistemas, para convertirnos en insúcubos pandroginofroditas rebisexuales de “masa oscura y putrefacta, rebosante de corrupción y horrenda podredumbre, ni líquida ni sólida, que se derrite y se transformaba ante vuestros ojos como un borboteo de grasientas burbujas aceitosas de brea hirviente.”1 Portamos orgullosxs el mal de la aurora pues “en nuestras axilas izquierdas se han instalado familias de sapos y en las derechas hay camaleones que intentan, perpetuamente, cazarlos para no morir de hambre; malignas víboras devoraron nuestras vergas y ha tomado su lugar o entrado en nuestras trompas de falopio, dos pequeños erizos han arrojado a un perro el contenido de nuestros testículos y ovarios, y se han alojado en su interior, nuestros anos han sido ocluidos por cangrejos; custodiando la entrada con sus pinzas, mientras dos medusas que han cruzado los mares y han mirado atentamente las dos partes carnosas que forman el trasero humano y, adaptándose a su convexa curva, las han aplastado de tal modo, por medio de una presión constante, que los dos pedazos de carne han desaparecido y han tomado su lugar dos monstruos, surgidos del reino de lo viscoso, iguales en color, forma y ferocidad”2
No somos humanos.
Somos las suavasinis a la izquierda de la madre caníbal. Transformamos nuestras espinas dorsales en serpientes de fuego que guiadas por nuestras manos zurdas se adentran por los efluvios catamenidos de nuestras vaginas dentadas. Bebimos sangre de arconte y desarrollamos la clarividencia uterina y la entrevisión ventral, y con ella anticipamos el derrocamiento del capitaloceno patriarcal, porque no morirá por combustión espontánea, le prenderemos fuego, porque no se va a caer, lo vamos a tirar.
III
No somos Humanos.
Somos hummus, somos pantano.
“Humanos menos que humanos”, homúnculos alquímicos creciendo como cultivo de bacterias expandiéndose por el viento. Nos fermentaron en carbón y mercurio para convertirnos en híbridos conformados por piel y pelaje, enterradxs en estiércol de caballo durante cuarenta días hasta que nuestros embriones fueron poblando las vísceras de Kainós.
Mira aquí este montón de huesos que antes conservaba nuestra espalda erecta.
Mira bien porque serán la arquitectura calcificada de la gran tumba del antropoceno.
Ahora convertidxs en seres invertebradxs sólo nos excita compostarnos.
Hemos desarrollado el anticuerpo a la mordedura letal de la fanged noumena que nos aceleraba la vida hacía la desesperanza, y ahora somos inmunes a su futurismo apocalíptico.
Provenimos de Terrapolis “la molécula gigante, cuerpo sin órganos primigenio, atravesado por materias inestables no formadas, flujos en todos los sentidos, intensidades libres o singularidades nómadas, partículas transitorias, desestatificadas”.3
Okupas cósmicos hasta que nos desalojen de nuestros apartamentos en Urano.4
Paul Preciado quiere que nos pongamos ropa cara Balenciaga, Gucci, Prada Ciencia ficción, Gucci, Gaia Pero de eso no tenemos nada5
No somos Humanos.
Somos cefalópodas sorprendentes, curvilíneas y elocuentes, magníficamente colosal extra.vagante y animal.6
IV
No somos Binarios. Somos Xenobinarixs. La xenobiosis, xeno (‘extraño’) y bio (‘vida’), implica la convivencia de múltiples elementos en un mismo organismo. En microbiología el término sirve para determinar ciertos cultivos de microbios infecciosos no identificados y que se desarrollan dentro de otros seres vivos, mientras que para la farmacología la xenobiosis implica la aparición de una sustancia química exógena que se encuentra adentro y que no se produce naturalmente o se no espera que esté presente dentro de ese organismo, a partir de factores ecoambientales como el uso de insecticidas o la utilización prolongada de fármacos.
La xenobiosis define la posibilidad de «vida extraña» dentro de un organismo considerado como «normal». Somos la suma de ecuaciones parasitarias, agentes xenobióticos que a su vez habitan en otros macro-organismos como lo es el propio planeta. Ni Masculino, ni Femenino.
Somos Xenobinarixs por encarnar todas esas formas de vida consideradas extrañas.
Nos aglutinamos como la mancha voraz, la cosa, la sustancia maldita.TheBlob.TheThing.The Stuff.Donaharawaynmargulisabellestengerotaviabuttlerjudithbuttlerpaulpreciadohellenhesterlaboriacuboniksmichealfoucaultfélixguattarigillesdeleuzemarkfishermattleelucianboiachelasandovalcherrymoragaglorianzaldúasquimerarosahelentorresjorgedíazarthurmachenhowardphilipslovecraftcondedelautreámontosmansparecamilonathypelusoy+
Sabemos que importa qué historias contamos para contar otras historias.
Sabemos que las decisiones deben tomarse en presencia de quienes cargan con sus consecuencias. Sabemos que no es suficiente devenir, sino devenir-con, llorar la muerte-con, vivir la vida-con.
Chthuluceno. Inmanencia Práctica. Metrialismo Cosmopolítico. Interseccionalidad Xenofeminista. Confabulación Escepulativa. Simbiontes. Simpoises. Simbiogenética. Contaminación y Mestizaje. Bienvenidxs al inicio del fin del excepcionalismo humano.
[divider] 1. Fragmento intervenido perteneciente originalmente a “La Novela del Polvo Blanco” de Arthur Machen.
2. Fragmento intervenido perteneciente originalmente a “Los Cantos de Maldoror” de Isidore Ducasse, mejor conocido bajo el pseudónimo de “Conde de Lautreámont”, al cual también hace referencia el título de este texto.
3. Fragmento intervenido perteneciente originalmente a “Mil Mesetas” de Deleuze-Guattari.
4. Referencia al libro “Un Apartamento en Urano” de Paul Preciado, más adelante se hace referencia a la colaboración del filósofo transfeminista con la marca Gucci, realizada en 2020.
5. Fragmento intervenido perteneciente originalmente a “Ropa Cara” canción de Camilo.
6. Fragmento intervenido perteneciente originalmente a “Bzrp Music Sessions, Vol.36” canción de Nathy Peluso, quién ha sido criticada en múltiples ocasiones por la apropiación del acento afrocaribeño o “blackccent”
7. Firma híbrida que aglutina a las figuras que inspiraron este texto con tal de disolver el concepto de autor como una figura unitaria e inmutable.
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Créditos de fotografías: Fotografías en colaboración de Herani Enríquez HacHe, Hellp Studios. Idea original, dirección creativa, escenografía, props e indumentaria por Lechedevirgen Trimegisto Bodypaint por Jerry Garrido FX.
Biografía: Lechedevirgen Trimegisto (1991) es el seudónimo del artista mexicanx no-binarix Felipe Osornio, conocidx por desarrollar una práctica artística expandida que abarca un amplio abanico de propuestas híbridas, combinando la disidencia sexual, la cultura popular, los saberes brujos y la ciencia con el arte de performance, la creación de imágenes, el video y la escritura. Referente de la pospornografía y el arte queer/cuir latinoamericano, su trabajo contiene una fuerte carga política y se considera a sí mismx un organismo híbrido por poseer tres riñones, resultado del trasplante renal que hace 4 años le salvó de la etapa terminal derivada de insuficiencia renal crónica (IRC) que le acompañó durante una década.
La artista visual Delilirium Cándidum retomó un fragmento del manifiesto para reflexionar visualmente sobre el mundo capitalista, colonialista y extractivista que debe morir para que otras formas de vida puedan florecer.
Nuestro mundo vive cuando su mundo deja de existir
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Delilirium Cándidum (México) Hago dibujitos y entreno en lo que la humanidad colapsa.
Abunakawaii/ Otaku DIY or die.
Sukeban en @proyectojentaii
Es viernes, verano tico, día soleado después de Semana Santa. Desde los cerros de Escazú en San José, Costa Rica, me conecto a Internet a mis 11:11am. Dos horas en el futuro, a las 13:13 en Nueva York, Morehshin se conecta también. Mi mesa está llena de papeles con notas para no olvidar preguntar lo importante, y tomo el té como si nada para disimular mi emoción nerviosa de la conversación que se viene. Del otro lado de la pantalla, en el futuro neoyorquino, Morehshin me cuenta que estuvo lloviendo levemente, y empezamos.
Meli.- Básicamente, quiero que nos enfoquemos en tres aspectos de tu trabajo. Uno de ellos es relacionado a She Who Sees the Unkown (Ella quien ve lo desconocido), luego sobre #Additivism y Material Speculation: ISIS (Especulación material: ISIS). Pero primero, quiero preguntarte ¿Cómo va el ejército de diosas y figuras?
Morehshin.- Van bien. Estoy trabajando en siete figuras de Jinn cuyas historias están interconectadas. Al mismo tiempo, estoy haciendo mucha investigación y leyendo sobre ciencia ficción, tratando de usar el material para las historias que quiero escribir sobre estas siete figuras Jinn. Acabo de terminar de construir un sitio web para este proyecto que agrupa todo, ya que la información no está disponible en línea actualmente. Cuando este terminado el proyecto, voy a subir el archivo que estoy construyendo en el sitio web también. http://shewhoseestheunknown.com
Meli.-¡Qué emocionante! Tengo muchas ganas de ver el ejército completo en el futuro!
Morehshin.- ¡Yo también!
Meli.-Tengo curiosidad, estas Jinn, sé que las remodelaste a partir de imágenes (dibujos) pero, ¿Han existido tridimensionalmente antes? ¿Inicialmente fueron esculturas o solo hay representaciones pictóricas?
Morehshin.- ¿Te refieres a cuando las modelé en 3D?
Meli.- Sí
Morehshin.- En el inicio fue todo basado en imágenes. ¿Si recuerdas mi charla [Design Trouble, Seattle, Abril 2019] donde muestro imágenes de estas antiguas ilustraciones? Este es material que encuentro en diferentes libros. Uno de ellos es por ejemplo un libro llamado Kitab Al-Bulhan (El libro de las maravillas ), Este es un libro con 700-800 años de antigüedad. Luego utilicé y me re apropié o recreé diferentes ilustraciones e historias de él como material nuevo para mi proyecto She Who Sees The Unknown. (Por ejemplo) la (historia) de la Serpiente Que Ríe; la ilustración (original) tenia un rostro inexpresivo, y yo lo convertí en un rostro más animado, mostrando un rostro riendo, pero es una risa que asusta, alocada, histérica, – la cual es una palabra que tiene una larga historia sexista, y hay mucho material en relación a ella y al feminismo-. Quise darle vuelta a esa
estructura de poder o la vergüenza alrededor de la locura o la histeria, no solo con la imagen, pero además contando una nueva historia de la Serpiente que Ríe. Así que estoy usando esta histeria, esta locura, como algo que puede ser muy poderoso, en lugar de negativo. Quise jugar con eso, y usarlo como algo que es en realidad muy poderoso y hermoso.
Meli.-Es también como refigurar nuestra concepción de las emociones
Morehshin.- Exactamente
Morehshin Allahyari, She Who Sees The Unknown: The Laughing Snake, Installation with 3D printed plastic sculpture, mirrored room, and interactive hypertextual narrative, Photo by Don Hall, MacKenzie Art Gallery 2019. Foto tomada de shewhoseestheunknown.com
Meli.- Me encanta esta idea de refigurar y como se convierte en una posibilidad para crear futuros y mundos alternos. Especialmente ahora, cuando estamos en un momento tan crítico, esto es súper valioso, tener un motivo, apropiarse del arte y crear significado a través de las narrativas. También es por ello que estoy tan inclinada a tu trabajo; con él muestras que sí tenemos el poder, las posibilidades y las herramientas para recrear lo que ya está ahí y contarlo de una manera distinta.
Morehshin.- Totalmente, y creo que hay mucho que hacer en ese sentido. Especialmente este proyecto contiene muchas historias no contadas y mal representadas. Es decir, cuando piensas sobre estas cosas, estas figuras femeninas o queer, sus historias nunca se contaron, nunca se tomaron en serio. Al menos para mi, creciendo en Irán, era algo que resonaba profundo en mi cabeza. Estudiábamos todas estas figuras masculinas y superhéroes masculinos y sus historias y las mujeres nunca tuvieron ningún tipo de material en nuestra escuela, o nunca se les prestó atención culturalmente en este tipo de relatos míticos.
Meli.- Correcto. También esta la posibilidad de cambiar las ideas de la historia del arte y la concepción de las imágenes que se nos ha impuesto. Digo esto, porque recuerdo en el texto The Distributed Monument (El Monumento Distribuido) sobre Material Speculation en el 3D Additivist Cookbook (El Recetario del Aditivista 3D), el autor menciona algo sobre el aura de la obra de arte refiriéndose a Walter Benjamin, ¿cierto?1 Benjamin cuestionaba si en la representación el aura del arte original se perdía y si esta seguía siendo auténtica o no. En tu trabajo, traes de vuelta a la vida estas figuras, los originales se destruyeron, entonces, de acuerdo a él, perderían su aura. Sin embargo, una vez más, no me interesa mucho su discurso (que de alguna manera se nos ha impuesto), ya que podemos crear nuestros propios significados.
Así que, quisiera preguntarte ¿Cómo te sientes respecto a esta idea del aura? Yo veo más como un aura multiplicada en las nuevas concepciones que podemos agregar a las piezas impresas en 3D, como si lo que haces es más bien expandir el significado de la obra de arte.
Morehshin.- Sí, me gusta lo que dices, multiplicar la idea de la obra. Que no debe ser un objeto que tiene cierto tipo de “autenticidad” y “originalidad” y que por ello contiene un espíritu sobre el cual tenemos que pensar. Sino más bien, tener, a través de la copia, de la reapropiación -estoy de hecho más interesada en la idea re apropiar que de copiar- la posibilidad de crear nuevos mundos.
Encuentro esto muy importante porque si piensas en el pasado, la historia está llena de cosas que fueron influenciadas por el patriarcado, el colonialismo y distintas estructuras de poder que están bien jodidas. Sentir confort en el pasado y creer que “oh es algo que estuvo allí y que fue original, así que es mejor” es algo automático, y a eso me refiero con re figurar. Por ello estoy interesada en ese concepto, un término que yo acuñé en relación a She Who Sees the Unknown (Ella quien ve lo desconocido), que trata sobre refigurar y
como dar la vuelta a las estructuras de poder.
Meli.- ¡Eso es muy poderoso! (darle la vuelta a las estructuras de poder), me apasiona esa idea.
Morehshin.- Sí, hay mucho por delante en ese sentido. Distintas personas lo hacen de maneras distintas. Yo siento que ahora soy parte de unx colectivx de personas que están haciendo mucho trabajo similar acerca del pasado y esta idea del presente y el futuro, pero enfocado en personas de color, y de nuevo, en diferentes niveles de colonialismo, sexismo, racismo, a través de sus experiencias. Siento que soy parte de un ejército de ejércitos; lo estamos creando y es verdaderamente importante hacer trabajo que señale cosas que se dan por un hecho o que no han tenido el espacio para que se les preste atención y que tienen que ver más con amplificar, amplificar es muy importante, pienso mucho en ello.
Meli.- Sobre amplificar las voces y las prácticas de aquellxs que no necesariamente tengan acceso para hacerlo. Esta idea, que sientes que eres parte de un ejército de ejércitos, se refleja en el The 3D Additivist Cookbook (El Recetario del Aditivista 3D). Me deleitó ver el trabajo de otras artistas a las que sigo como Tabita Rezaire en el libro; eso realmente me inspiró, si ves, de alguna manera terminamos conectadxs, es tan motivador ver a este conjunto de personas trabajando juntas alrededor de temas tan relevantes. Una de mis mentoras, me lo dijo una vez: las personas luminosas atraen la luz de las otras, y es cierto.
Morehshin.- Sí, mucho de lo que hicimos con #Additivism se convirtió más hacia la construcción de una
Portada del Recetario del Aditivista 3D. Imagen de portada por Shane O’Shea 2017.
comunidad, construir un colectivo y pensar sobre el proyecto más allá del libro. Es decir, el libro en sí mismo ayudó realmente a juntar esta comunidad, creo que fue una gran experiencia de aprendizaje. Nunca había trabajado en un libro que involucrara alrededor de cien personas. Fue mucho trabajo y edición, seriamente, a un nivel que no había experimentado antes en términos de concordar con material de otrxs artistas.
Además, casi siempre, lxs artistas no adoran las colaboraciones, usualmente es colaborar con una, dos o tres personas más. Esta colaboración con cien personas fue muy intensa, pero al final fue muy valiosa, trabajar juntxs, concretarlo juntxs fue toda una nueva experiencia para mi.
Meli.- ¿Hay proyectos derivados de esto? ¿Planeas hacer un segundo llamado o algo similar, a pesar de que fuera tan demandante?
Morehshin.- Con #Additivism?
Meli.-Sí
Morehshin.- No, no creo expandirlo de esa manera. Pero definitivamente algo que ha sucedido naturalmente es que diferentes curadores se nos han acercado y nos han invitado a hacer diferentes exposiciones con diferentes selecciones de trabajos que están en el libro. Lo que hemos hecho algunas veces es mostrar The 3D Additivist Cookbook en una pantalla táctil, para que las personas interactúen y pasen tiempo con el libro en el espacio expositivo. De igual forma, siempre hacemos una selección distinta de lxs artistas que pueda ser buena para lxs curadores, dependiendo del tema. Por ejemplo, alguien nos llama y nos dice: “Estamos haciendo una exposición sobre bio política y nos interesa mucho su proyecto, ¿qué podemos hacer para mostrarlo?” Y lo que hacemos es dar algunas sugerencias de personas y proyectos en el libro que resuenen con ese tema y les ponemos en contacto con el o la curadora para la muestra.
Me encanta como el proyecto ha tomado estas otras formas de existir, adoro como ha tomado vida por si mismo; esa es la expansión del trabajo. El libro y el manifiesto han sido ampliamente leídos y compartidos en escuelas, fab labs y maker spaces, es muy bueno ver eso.
Meli.- También funciona como una guía para otros proyectos, es tentacular en ese sentido, eso es maravilloso. Es una entidad que trajiste al mundo.
Morehshin.- Muy cierto, y muy hermoso pensarlo de esa manera.
Meli.- También pienso en lo que ustedes hablan sobre el potencial de la pequeña escala. Quiero decir, #Additivism no es un proyecto de pequeña escala, pero está compuesto de muchos proyectos más chicos y ello inspira a las personas a tomar acciones considerando el potencial de la pequeña escala, (no solo en sentido literal); lo cual es muy potente.
#Additivism. Imagen Cortesia de Morehshin Allahyari y Daniel Rourke
Morehshin.- Exacto, lo que también apunta a lo que dije durante mi charla [Design Trouble Symposium, Abril 2019], creo en micro acciones como formas para tener macro influencia.2 Lo mismo aquí; este es un proyecto de pequeña escala y con ideas y aproximaciones que luego ocasionan una influencia mayor.
Meli.- Si, definitivamente. El otro día estaba en el Caribe, en Limón, Puerto Viejo, una playa en Costa Rica, para la Semana Santa y una chica me comentó sobre cómo los vecinos se juntan el lunes después de la vacación para recolectar toda la basura que los turistas dejan en la playa durante la semana. Es una comunidad pequeña recogiendo pequeños trozos de basura, están juntos accionando algo relativamente pequeño pero con mucho impacto, porque ni la municipalidad ni el gobierno lo van a hacer. Es una acción pequeña pero poderosa si tomamos en cuenta la ubicación y la geografía: playa en un pueblo chico, un país chico, pero con alto impacto durante todo el año.
Morehshin.- ¡Sí! Es una locura pero también tiene sentido ¡Rituales diarios de activismo movilizador! ¡Eso es potente e importante!
Meli.- ¡Sí! (Ríe con nervios) Investigar tu trabajo me ha llevado a pensar mucho sobre el plástico y el desperdicio en general.
Visité un nuevo espacio en San José (CR), llamado Casa Caníbal, donde tienen un programa llamado Pulgateca: una librería de chatarra electrónica aún en proceso. Es la primera en Costa Rica. Los laboratorios de reciclaje en maker spaces son comunes en otros países, pero no aquí. Mis amigxs son quienes lo crearon, así que es bueno regresar y verles haciendo estas activaciones para la reapropiación tecnológica con arte. Invité a mis primas y desarmaron una pantalla de computadora por primera vez, esto les emocionó mucho, se siente muy bien ser parte de iniciativas así de cualquier manera posible. Esto es muy positivo para mi, porque antes colaboraba con un espacio que no era tan crítico.
Meli.-¿Alguna vez has tenido algún tipo de encuentro trascendental con una obra de arte en particular?
Morehshin.- ¿Como si he sentido una conexión en términos de la reproducción del aura y eso a lo que te referiste antes?
Meli.- Si, cómo sentir el poder de una obra que trasciende el tiempo y el espacio
Morehshin.- Uf, buena pregunta. No lo sé, debo pensar más en eso.
Meli.- O, más bien, ¿como si has estado en un museo en un momento en particular y has visto una obra que te provoca una sensación que no has sentido antes, que no supieras que esta ahí y que despertó algo significativo en tu ser?
Morehshin.- Quiero decir, eso me ha pasado definidamente con el video arte, más que con cualquier otra forma artística, nunca he sentido algo similar al ver una pintura o escultura. Hay algo sobre el time based media con lo que conecto de una manera diferente, especialmente cuando la pieza tiene historia o texto o al contrario, cuando es altamente abstracta.
Recuerdo una vez, de adolescente, que fui al museo de Arte Contemporáneo de Teherán. Había un video de Shirin Nishant, ella es un artista de video muy conocida en Irán, y tuve este momento de experimentar “algo”… en ese tiempo yo no sabía lo que era el video arte, no tenía idea de este formato… solo sabía que estaba viendo algo así como una combinación de una película y video
experimental, y ninguno a la vez; eso también fue parte de la experiencia. Ni siquiera sabía cómo posicionar este formato en mi cabeza. Así que era eso, y también que el contenido se me hacía muy extraño, además era una figura femenina y una artista mujer. Todo el trabajo en sí mismo era muy poderoso, nunca lo voy a olvidar. Ahora, de adulta y siendo artista, tengo una percepción
mucho más crítica de su trabajo, hay cosas que no me agradan de su obra, pero en ese momento, ese trabajo en particular fue tan impactante y como tú dices, sentí una emoción que nunca había sentido en referencia a ninguna cosa.
Meli.- Genial! gracias por compartir!
Morehshin.- ¿Querías hablar sobre Material Speculation verdad?
Meli.- Sí ¿quieres agregar algo sobre eso?
Morehshin.- Cuando trabajé en esa obra, realmente estaba pensando en ello no sólo como un proyecto de reconstrucción sino también como un proyecto artístico. Es decir, que los objetos reconstruidos no sean sólo réplicas sino también son objetos de arte. Yo realmente tuve que ser fiel al proceso y con She Who Sees the Unknown estuve haciendo mucha re apropiación; pero con este trabajo quise asegurarme de que los artefactos modelados en 3D fueran lo más preciso posibles basados en las imágenes a las que tenía acceso. Ello creó un proceso diferente, pero al mismo tiempo, los originales ya se habían destruido, y ya que estaban destruidos y perdidos, lo mejor que podíamos hacer era crear proyectos similares, lo cual es armar un tipo de reconstrucción.
Y debido a que el aspecto investigativo de este proyecto es tan importante, recolectar la información era tan importante, me quise asegurar de que ello quedara manifestado en él; así que incluí memorias USB dentro de los artefactos, etc. Básicamente elementos de archivo dentro de la escultura. Estaba pensándolas como cápsulas del tiempo. En ese momento, creía que entre más se difundiera la información, más se preservaba y se recordaba el aura de las figuras, ¿Sabes a lo que me refiero? Entre más se compartiera, más se mantenía viva, su memoria se mantenía viva de algunas formas. Así que, sí, esa fue la parte verdaderamente importante para mi en este proyecto.
En este momento, estoy editando un video que hice, la documentación de una lectura performática para el New Museum hace un par de semanas llamada Physical Tactics for Digital Colonialism (Tácticas Físicas para el Colonialismo Digital). Tuve la oportunidad de hablar de los problemas que tengo respecto a esta idea del open source y como no es siempre algo bueno. Cuando damos acceso libre a algo, debemos preguntarnos ¿quién realmente va a tener acceso a ello y cómo? ¿A través de cuáles plataformas, presentado en qué lenguaje? Pienso que las personas son a veces ingenuas con el Open Source, de la misma manera que en los 80s se pensaba sobre el Internet: como iba a cambiar nuestras vidas, “porque ahora tenemos acceso a información y podemos democratizar esto”, y por supuesto esta apreciación era muy ingenua y falsa. Lo mismo con el Open Source, sólo porque las personas piensan que algo puede ser compartido abiertamente, puede ser copiado y puede haber acceso, es siempre algo bueno. Yo también pensaba así en el 2016, cuando trabajé en este proyecto, me tomó un tiempo ver que el Open Source puede ser algo de lo que se aprovechan (otrxs) de muchas formas. Este video habla sobre muchas cosas alrededor de Material Speculation: ISIS que he mencionado en otras charlas, pero en realidad esta es la primera vez que tuve la oportunidad de sumergirme profundamente en el concepto.
Meli.- ¡Espero verlo con emoción! Sí, algunas veces las personas son muy entusiastas sobre el Open Source, y en general con cualquier cosa nueva, con cada nueva tecnología, así que es muy interesante que lo apuntes hacia el Open Source, (viene a mi mente el caso de Microsoft comprando Github).
Morehshin.- Sí! Especialmente, hablo mucho de los supuestos muy binarios y positivistas que las personas pueden hacer sobre el trabajo de construcción digital hecho por Google Art and Culture Institute u otros espacios en Silicon Valley. Así, que si, eso sería! Dime si tienes alguna otra pregunta.
<*** BONUS ***>
Meli.- Si, tengo otras preguntas rápidas que tienen que ver más con tu práctica artística. ¿Como es tu proceso creativo? ¿Prefieres el aislamiento o los espacios colectivos?
Morehshin.- Me gustan ambos por distintas razones. Creo que voy entre hacer proyectos de largo plazo que pueden ser a la vez individuales o colaborativos. Por ejemplo, colaboré con otro artista-escritor (Daniel Rourke) por tres años durante el trabajo con el 3D Additivist Manifesto y posteriormente The 3D Additivist Cookbook.
Nuestra colaboración fue tan profunda e importante en la creación de este trabajo que no creo que #Additivism podría haberse convertido en lo que es sin la colaboración que cada uno trajo al proceso. Pero ahora, durante los últimos dos años he trabajado en She Who Sees The Unknown que es más que nada un proyecto individual, sin embargo he colaborado en pequeñas secciones con estudiantes, colegas, etc… pero soy yo el 99% del tiempo en el estudio trabajando sola. Encuentro estas dos aproximaciones a la creación muy importantes en mi trabajo como artista.
Meli.- ¿Tienes algunas técnicas para conectar con tu creatividad y enfocarte? Por ejemplo meditación o ciertos tipos de descansos, etc.
Morehshin.- Trato de tomar de 2 a 3 días de descanso entre 2 o 3 semana de trabajo continuo diario. Uno de mis lugares favoritos para pasar tiempo es este cementerio enorme cerca de mi casa, llamado Green Wood Cemetery. Adoro pasar tiempo allí. No lo veo como una cosa oscura gótica, sino como algo muy hermoso y positivo. Me ayuda a apreciar el respirar y envejecer.
Meli.- Gracias por el video de Shirin Nishant, esos extractos son muy poderosos, tanto en imagen como en sonido ¿Es ella una de tus primeras influencias?
Morehshin.- Sí. Una de mis primeras influencias en la categoría de video arte, se podría decir.
Meli.- ¡Gracias por el tiempo extra para responder estas preguntas!
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1 “El Aura, menos importante en la persistencia de la copia digital, se intercambia por la inmortalidad, garantizada durante el tiempo que las reproducciones se multipliquen y se muevan .” M.Allahyari, P.
2 How 3D Printing Can Preserve History – Tech+Art | Genius: Picasso. Available at
youtu.be/t1hfZx2kvPY?t=205
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/// ENGLISH VERSION ///
It’s Friday, tico summer, a sunny day after Easter Holidays. I go online at 11:11 am from the Escazú Mountains in San José, Costa Rica. Two hours in the future, at 13:13 in New York City, Morehshin goes online too. My table is full of papers with notes so I don’t forget to ask anything important, and I drink my tea as nothing is happening to hide my nervous excitement about the conversation to come. On the other side of the screen, in the New York future, Morehshin tells me that there was a little rain, and so, we begin.
Meli.- Basically I want to focus on three aspects of your work. One of them is related to She Who Sees the Unknown, then, about #Additivism and about Material Speculation. First, I wanted to ask you: How is the army of goddesses and figures doing right now?
Morehshin.- They’re good. I am working on seven Jinn figures right now that their stories are inter connected to each other. At the same time, doing a lot of research and reading on science fiction, trying to use some of the material for the stories I want to write about these seven jinn figures. I just got done building a website for this project that puts everything together because the information is not available online right now. At the end when this project is done I am going to put all the archive that I am building on the website as well. http://shewhoseestheunknown.com
Meli.- Exiting. Yeah, looking forward to see the whole army in the future!
Morehshin.- Me too!
Meli.- I am curious, these Jinn, I know you remodeled them out of pictures, but have they ever been in a tridimensional form before? Where they initially sculptures or you only had images?
Morehshin.- You mean when I 3D modeled them?
Meli.- Yeah
Morehshin.- At the beginning it was all based on images. I don’t know if you remember my talk; [Design Trouble, Seattle, April 2019] where I was showing images of these old illustrations. These are material that I found from different books. One is for example this book called Kitab Al-Bulhan (The Book of Wonders ), this is a book that is about 700-800 years old. Then I used that and re-appropriated or recreated different illustrations and stories from it to use as new material for my project She Who Sees The Unknown. [For example] the [story] of the Laughing Snake, the [original] illustration had a still face image and then I turn it to more of a face that is more animated showing her face as a laughing face, but a laughing that scares, like mad, like hysteria, which is a word that actually has a very long sexist history and there is a lot of material in relationship to that and feminism.
I wanted to turn that power structure or the shame around madness or hysteria around. Not only in the image but also to tell a new story of the Laughing Snake. So I am using this hysteria, this madness as something that can be powerful rather than something that is considered as negative. I wanted to play with that, and use it as something that is actually very powerful and beautiful.
Morehshin Allahyari, She Who Sees The Unknown: The Laughing Snake, Installation with 3D printed plastic sculpture, mirrored room, and interactive hypertextual narrative, Photo by Don Hall, MacKenzie Art Gallery 2019. From shewhoseestheunknown.com
Meli.- Is also like refiguring our conception of emotions
Morehshin.- Exactly
Meli.- I love this idea of refiguring and how it is a possibility to create alternative futures and worlds. Especially right now, when we are in such a critical moment, this is super important, to have a motive, to appropriate art and create meaning trough narratives. So that is also why I am driven by your work, because we actually do have the power, the possibilities and the tools to recreate what is already there and tell it in a different way.
Morehshin.- Totally, and I think there is a lot of room to do that. Especially this project has a lot of un-told histories and mis-representations. I mean when you think about this stuff, about these female or queer figures, their stories never were told, they were not taken seriously. At least for me, growing up in Iran, it was something that was in the back of my head. We studied all these male figures and male superheroes and their stories and women never had any kind of material in our school, or like culturally to pay attention to this kind of mythical stories.
Meli.- Yeah, and also to change ideas about art history and our conception of images. I say this, because I remember in the The Distributed Monument the text about Material Speculation in the 3D Additivist Cookbook, it mentions something about the aura of the artwork [referring to] Walter Benjamin, right?3 Benjamin was questioning if with the representation, the aura of the original artwork is lost and about whether is it still authentic or not. But in your work, you are bringing back to life these figures, since, the originals are lost, according to him, they would technically loose their aura. But again, I don’t really care so much about his discourse, because we can create our own meanings. So I wanted to ask you about how do you feel about the aura? I see more like a multiplied aura in the new conceptions that we can add to the 3D printed pieces, like you actually are expanding the meaning of the artwork.
Morehshin.- Yeah, I like what you just said, multiplying this idea of the work. That it doesn’t have to be one thing that contains this sort of authenticity, and originality and that because of it then it also contains like a spirit that we have to think about. But rather have, through copying, through re-appropriating – I am actually more interested in re-appropiating than copying- we can create new worlds. And I find that very important because if you think about the past, the history is full of things that were influenced by patriarchy and colonialism and different power structures that are really fucked up to think about. And to feel comfort in that past and think that “oh that is just something that was there and that was original, so is best”, I think that is automatic, that [is] what I mean by refiguring. That is why I am interested in this concept, a term that I coined, in relationship to She Who Sees the Unknown which is on how to refigure, how to actually turn around this power structures.
Meli.- Thank you, that is very powerful! (Turning around the power structures), I love that.
Morehshin.- Yeah, there is a lot to do in that sense. And different people do it differently. I do feel that right now I am part of a collective of people that are doing a lot of similar work relating actually to the past and this idea of present and future, but really focusing on brown and black people, people of color, and then again different levels of colonialism, sexism, racism, through these experiences. I do feel like part of an army of an army, we are doing this and is really important to make work that sort of puts finger on things that maybe are taken for granted or haven’t had the space to be paid attention to and which are more of amplifying, amplifying is really important, I think about that a lot.
Meli.- About amplifying the voices and practices of those who don’t necessarily have access. This idea, that you feel you are part of this army of armies of people, is reflected on The 3D Additivist Cookbook. I was very pleased to see the work of some people that I follow like Tabita Rezaire on the book, and that really inspired me, because then, you see, somehow we end up being connected -it was very motivating to see this compound of people working together on this kind of things. One of my life mentors told me once that luminous people attract each other’s light, and it is true.
Morehshin.- Yeah, a lot of the stuff we did with #Additivism became so much more about building a community around us, building a collective and thinking about the project beyond the book. I mean, the
Cover of The 3D Additivist Cookbook. Imagen by Shane O’Shea 2017.
book itself really helped bringing this community together, but I think that [it] was a very important learning experience. I had never worked on a book that involved like a hundred people. It was a lot of work and editing, seriously, to a level that I had never experienced in terms of dealing with material and others people’s works. Plus often as artists don’t always love collaboration but is always like one other, two other, five other people [working together]. And this collaboration with one hundred other people was very intense but in the end it was very worthy, to work together, to put it together it was really a new experience for me.
Meli.- Are there any more projects derivate from this? Do you plan on making a second call or something like that -even thought it was so demanding-?
Morehshin.- You mean with #Additivism?
Meli.- Yeah
Morehshin.- No, I don’t think about expanding it in that way, but definitely something that has happened naturally is that different curators have approach us and have invited us to do different exhibitions with different combination of the work that is in the book. What we sometimes have done is that we show the 3D Additivist Cookbook on a touch screen monitor and then people can interact and spend time with the book at the exhibition space. But also every time we collected a different group of artwork from the people that can be good for the curators based on the theme. So for example someone would contact us and they would say to us “Oh we are doing a show that is about bio politics and we are really interested in your project, what are the things we can do to show this work?”
And what we do is we make some suggestions of people and projects in the book that would fit with that theme and put them in touch with the curator for the exhibition. I kind of love that this project has been taking all this other forms and ways of existing and I love how it sort of has taken its own life, and that is
for me the expansion of the work in some way. The book and manifesto both also have been widely read and shared in different schools, fablabs and maker spaces. So it’s really nice to also see that.
Meli.- It also works as guide for other projects; it is kind of tentacular in a way, that’s amazing. It is an entity that you birthed.
Morehshin.- Very true and a beautiful to think about it.
Meli.- I also think about what you guys talked about the potential of small scale. I mean, #Additivism is not a small-scale project but it is composed of many smaller projects and it inspires people to make actions working with the potential of small scale, (not just in the physical concept of scale), and that is
very powerful.
Morehshin.- Exactly! Which also points to this thing that I said during my talk [at Design Trouble Symposium, April 2019], which is how I believe in micro actions as ways of having macro influences.4 That is the same thing; this is a small-scale project and the ideas and approaches to something and then creates a larger scale influence.
#Additivism. Image courtesy from Morehshin Allahyari and Daniel Rourke
Meli.- Yeah, definitely.
The other day I was in the Caribbean, in Limon [Puerto Viejo], a beach in Costa Rica, for the Eastern Holidays and a lady talked to me about how the neighbors get together the Monday after to pickup all the trash that the tourists leave at the beach during the week. So, it is a small community picking up little pieces of trash, they are all together making something relatively small but is has so much impact, because the municipality or the government is not going to make it. It’s like a really powerful and “small” scale action if we see it from the point of view of the location and geography: small village in a beach, in a really small country but it has a big impact for the whole year.
Morehshin.- Yeah, that’s crazy, but it also makes sense. Mobilizing daily activism rituals! That is powerful and important.
Meli.- Yeah, [laughs nervously]
Researching about your work I’ve been thinking a lot about plastic and trash in general. I visited this new maker space here [in San José] Casa Canibal and they have a program that is called La Pulgateca, a library of electronic junk that they are getting together. It is the first one here in Costa Rica. Recycling labs in
#Additivism. Image courtesy from Morehshin Allahyari and Daniel Rourke maker spaces are super common elsewhere but not here. My friends are the ones organizing it, so is good to come back and see the people making these activations to re-appropriate technology with art. I introduced it to my cousins and they dissembled a computer screen for their first time, they were super exited; it feels really good to be part of that in any way possible. That is very positive because I used to work with another maker space that wasn’t that critical.
—
Have you ever had any kind of trascendental encounters with a particular art piece?
Morehshin.- That I felt that connection in terms of reproduction and aura or all that stuff you mean?
Meli.- Yeah, like the power of an artwork that transcends time and space?
Morehshin.- Uf, Good question, I don’t know, I have to think about that
Meli.- Or something like, you were in a museum at a particular moment, and saw an artwork and felt something that you didn’t knew that was there, that really clicked you, something like that?
Morehshin.- I mean, I would say that has definitely happened to me with video art, more than with any other art form, that I have never felt the same emotions while looking at a painting or a sculpture. There is something about time-based media, that I definitely connect with in a different way, especially when it has a story or text in it, or when it is really abstract.
I remember one time when I was a teenager and I went to Tehran Museum of Contemporary Art. They were showing a video of Shirin Nishant, she is a really well known Iranian video artist, and I had like this moment of just experiencing something… this was when I didn’t even know what video art was so, I had no
idea what this format was….Just that I was watching something that was a combination of a movie and a film or experimental cinema, and none of them, but also kind of part of that whole experience. I didn’t even know how to position this format in my head. So it was that, and also the content was so weird and it was a female figure and a female artist. All that and the work itself was so powerful, I will never forget that. Now, more like an adult and an artist, I do have a more critical approach to her work, there are things that I don’t like about her work, but that particular work at that time was so moving and like you said, it was some emotion that I have not felt before in response to anything else.
Meli.- Nice, thanks for sharing!
Morehshin.- You said you wanted to talk about Material Speculation right?
Meli.- Yes, if you want to add anything to that.
Morehshin.- When I worked on that piece, I was really thinking about it not just as a reconstruction project but also as an art project. That the objects that re reconstructed are not just reconstruction objects but are also art objects. I really had to be faithful to the process and with She Who Sees the Unknown I am
doing a lot of re-appropiation; but with this work I wanted to make sure that the 3D modeled lost artifacts were as accurate as possible based on the images that I had access to. That made a different process, but at the same time, the originals were already destroyed, so that was already gone, and there is no way
really to replace this, because they’re just destroyed and gone, the best we can do is maybe to do similar projects which is to create some kind of reconstruction.
And then because the research aspect in this project was so important, gathering the information was so important, I wanted to make sure that it became part of the process so, I included these usb drives inside the artifacts, etc. (Basically elements of archiving within that sculpture). I was thinking about them at that point as time capsules. For me at that time, the more this information got shared, the more that aura was kept and remembered; you know what I mean? The more it was shared the more it was kept alive, its
memory was kept alive in some ways. So yeah, that was for me really important as part of making this project.
Right now I am editing this video that I did, the documentation of a performance lecture I did, at New Museum a couple of weeks ago, called Physical Tactics for Digital Colonialism. There I got to talk about the problems I have with this idea of Open Source and how Open Source is not always good. And how we have to ask, when we are giving access to something openly, who is going to really have more access to it and how? through what platforms presented by what language? I think people can be naive sometimes about Open Source, the same way people were with Internet in the 80’s, thinking “Wow this is going to change our lives, because now we have freedom of expression, and we have access to information and we can sort of democratize this thing”, and of course that was very naive and not true.
The same thing with Open Source: people think because something can be shared openly and can be copied and can have access, it is always a good thing. And I also thought that when I was in 2016, working on this project and it took me some time to see how Open Source actually can be taken advantage of
in so many ways. So this video talks about a lot of things about Material Speculation: ISIS that I have talked about it during talks but really this was the first time I had a chance to really dive deep into this concept.
Meli.- Looking forward! Yeah, sometimes people are super enthusiastic about open source and with everything new, with every new technology, so its very interesting that you point that towards open source, (I just tough about Microsoft buying Github).
Morehshin.- Yeah, specially, I do talk a lot about the very binary, positive thinking assumptions that people might make about digital construction work done by Google Art and Culture Institute or like other Silicon Valley spaces.
So yeah, that’s it!
Let me know if you have any other questions.
<*** BONUS ***>
Meli.- Yeah, I do have other quick questions (more about your work practice). How is your creation process? Do you prefer isolation or collective workspaces?
Morehshin.- I like both for different reasons. I think I go back and forth between doing long terms projects that could be either isolated or collaborative. For example, I collaborated with another artist/writer (Daniel Rourke) for 3 years to work on the creation of The 3D Additivist Manifesto and then The 3D Additivist Cookbook..
Our collaboration was so deep and important in the making of this work and I don’t think #Additivism could ever become what it is without the collaboration and what each of us brought into the process. But now for the last 2 years I have been working on She Who Sees The Unknown which is mostly a solo project although I have collaborated on small sections of different pieces with students, colleagues, etc. but it’s me %99 of the time at the studio alone working. I found both of these different approaches to creation to be super important in my growth as an artist.
Meli.- Do you have any techniques to connect with your creativity and focus? For
example meditation, certain types of breaks, etc.
Morehshin.- I try to take 2-3 days breaks between 2-3 weeks of working almost everyday.
One of my favorite spots to spend time at is this huge beautiful cemetery close to my house called Greenwood cemetery. I love spending time there. I don’t see it as this dark goth thing but actually really beautiful and positive. It makes me appreciate breathing and aging.
Meli.- Thanks for Shirin Nishant’s video; those excerpts are very powerful, both in the image and the sound. Is she one of your first influences?
Morehshin.- Yes. One of my first influences in the video art category I would say.
Meli.- Thank so much for the extra time you took to answer those questions! =)
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3 “Aura, less relevant in the digital copy’s persistence, is exchanged for immortality, guaranteed as long as
the reproductions multiply and move.” M.Allahyari, P. Soulellis. The 3D Additivist Cookbook. (129)
4 How 3D Printing Can Preserve History – Tech+Art | Genius: Picasso. Available at
youtu.be/t1hfZx2kvPY?t=205
Melissa Aguilar Rojas (1990) es diseñadora gráfica, artista visual e investigadora de Costa Rica, residiendo en Ciudad de México. Es maestrante en la Universidad Nacional Autónoma de México, en la Facultad de Arte y Diseño. Melissa se dedica a la intersección del arte y la tecnología, nuevos medios, museos y educación artística. /
Melissa Aguilar (1990) is a graphic designer, visual artist and researcher from Costa Rica, based in Mexico City. She is a master student of the National Autonomous University of Mexico, Faculty of Art and Design (UNAM-FAD), and member of ICOM Costa Rica. Melissa is dedicated to art and tech, new media, museums, and art education.
“Por eso no sólo hacemos Muay Thai, por eso no sólo hacemos lo que ya se nos dijo antes, por eso hacemos este fanzine, por eso nos reunimos a platicar, a conocernos, a entrenar, a estrechar lazos, a cuidarnos. Los cruces y acciones suceden todos los días.”
El aprendizaje colaborativo y las pedagogías corporales están sesgadas por los sistemas educativos hegemónicos, éstas prácticas aportan a profundizar en la manera en que nos relacionamos con otrxs y con el mundo. Como Lobxs Lumbre nos parece fundamental generar espacios que estén abiertos al desarrollo de estas otras formas de habitarnos, al trabajo corporal como espacio político. Entrenarnos para autodefensa es también una apuesta desde lo educativo, corporal y relacional por construir saberes prácticos que tradicionalmente no se toman en cuenta, es construir herramientas individuales y colectivas que es autogestión de nuestros cuerpos, nuestra seguiridad y nuestras vidas, es re-pensarnos desde otras maneras y otros lugares.
En febrero de 2018 presentamos un fanzine colectivo donde compañerxs de Lobxs Lumbre
compartimos las muchas maneras en que nos cruza entrenar Muay Thai, nuestras
motivaciones, el generar comunidad, escucharnos, compartir y aprender juntxs. Link al fanzine: https://issuu.com/lobxs.lumbre.muaythai/docs/digital_
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Lobxs Lumbre Muay Thai es un equipo de entrenamiento integral y consciente que busca generar un espacio de aprendizaje autocrítico con el fin de crear herramientas, redes y vínculos tanto para el aprendizaje del arte marcial como para el accionar en cada día de manera individual y colectiva. https://www.facebook.com/LobxsLumbreMuayThai
Performance colectiva que surge del laboratorio de creación Degenerando el género, proyecto para Prácticas pedagógicas de la licenciatura en Artes Visuales de la Universidad Tecnologica de Pereira (Colombia), realizado en La Secretaría de Cultura de Pereira en el Área de Artes Vivas y coordinado por el creador visual y performer Camilo Ortiz – Altocalcifilico.
Acerca del laboratorio…
Degenerando el género es un espacio de creación y reflexión alrededor de la practicas Trans y/o Queer, entendiendo estas como un conjunto de actos e ideas que tiene una posición política y estética que irrumpe sobre estructuras sociales radicales y la asignación de categorías sobre los cuerpos.
En los encuentros se produce el material para una puesta en escena colectiva, construyendo desde allí una apuesta cultural para la ciudad que visibiliza la vida en toda su infinitud, pero también proporciona experiencias significativas sobre el reconocimiento del ser, empoderamiento de aquellos cuerpos y resignificacion de sus existencias.
Ph: Pedro Pablo Grajales - Cuarto Rojo, 2019
Ph: Pedro Pablo Grajales - Cuarto Rojo, 2019
Ph: Pedro Pablo Grajales - Cuarto Rojo, 2019
Sobre la performance…
Esta performance propone escenas colectivas e individuales en donde los performers exploran las alteridades en las que deviene del laboratorio y en su intervención transgreden las estructuras de la heteronormatividad, de las convenciones sociales y culturales instaladas y los cánones estereotipados de la belleza.
La performance impulsa y promueve otras maneras de estar en el mundo por fuera del binarismo del género; desde allí cuestiona los patrones establecidos y desborda en nuevas formas, en nuevas concepciones de cuerpo.
Les Degeneres…
Les Degeneres es el colectivo performático que surge del laboratorio. Este espacio se convirtió en la posibilidad de cada ser de explorar su territorio intimo, desinhibiéndose desde el movimiento y las alteridades en que fueron transmutando, a partir de la heterogeneidad de sus posturas o posiciones frente a la munda. En medio de la experiencia se tejieron afectos entre el colectivo, que afianzaron cada encuentro mas allá del resultado, creando una familia diversa, un ejercito de machas fieras.
* DISstroyer * la pelona francesa * Tóxica enamorada * vainilla chick * extravaganza * impúdica * Veneno * desalmada * terra mar * madame caprice * tramoya alt *atrabilis * la punk polla * perla de goya * waira * aracniflo * charco alt * satánica * alteridades – altocalcifilico *
Lo siguiente es un escrito a dos voces; una melodía a cuatro manos. Entre ensayo y entrevista, es un trenzar de los restos de una larga conversación entre Lia García y yo. En lo que sigue se entrelazan nuestras palabras, vínculos, y sentires transfeministas.
Un berrinche, in medias res, retumba las ventanas de los salones. El sonido de una voz simultáneamente chillante y gruesa, dura y suave, se infiltra de afuera hacia adentro, anunciando la llegada de una alumna más. Mientras tecleo, la siguiente oración se quiere escribir sola, a manera de cliché, enunciando la poco provocadora pero (des)esperada declaración: “Pero ella no era una alumna cualquiera.” Sin embargo, esta afirmación desvirtuaría la performatividad del berrinche mismo, es decir, comprometería aquello que el berrinche hace. Un berrinche escandaloso que va algo así:
“¡Ya llegó la alumna! ¡Soy una alumna más! ¡No me dejan ser alumna! ¡Las autoridades dicen que tengo que ser una profesora formal, pero no es verdad! ¡Yo no quiero ser docente, yo quiero ser una alumna más! ¡¿Qué no ven que traigo puesto el uniforme?! ¡Soy una alumna más! ¡Vengo a aprender con ustedes! ¡Una alumna más!”
Mientras tanto los pasillos de la secundaria van cambiando, se llenan de murmullos entre alumnes curiosos y profesores sospechosos. Sus miradas se fijan sobre el cuerpo de la alumna en cuestión: la artista, activista y pedagoga transfeminista Lia García (La Novia Sirena).
Es así como comienzan los encuentros afectivos que conforman el proyecto artístico “La Alumna,” una serie de visitas a secundarias públicas y bachilleres en la Ciudad de México que conforman una propuesta encarnada para una trans*pedagogía desobediente. En toda iteración Lia viste una falda, o bien pantalones entallados, fabricados de esa típica y cotidiana tela de uniforme cuyo nombre —príncipe de Gales— lleva la carga del legado colonial responsable de crear las actuales instituciones educativas de nuestro país. En la parte superior Lia porta una camisa blanca, a veces fajada, a veces amarrada como ombliguera noventera o, en palabras más contemporáneas, un estilo de “crop-top” improvisado. Este uniforme, que a la vez es y no es un disfraz, permite que Lia se pierda en la profundidad del mar del alumnado, declarando así su proximidad y semejanza con elles. Llegar en uniforme a la secundaria también es un acto de posicionamiento: la alumna no pretende llevar el saber a las aulas, si no ser parte de la generación de dicho saber. En otras palabras, Lia se posiciona desde abajo y con las de abajo, desestabilizando la verticalidad no sólo de la institución educativa, sino también del conocimiento mismo en cuanto a su direccionalidad, es decir, en cuanto a quién lo crea, quién lo imparte (o comparte) y quién lo recibe.
Una vez interrumpida la jornada escolar mediante el tocar de su voz y su llanto, una vez cruzado ese umbral, es hora de activar la piel. Lia se instala en el aula, o como ella diría, en la j(aula). Aunque cada encuentro es diferente, el programa es el mismo en todos: Lia lleva a sus nuevos compañerxs a hablar de la violencia, a identificar sus complicidades y, sobretodo, a activar sus sentidos para sentir lo trans* en toda su complejidad. “¿Cuándo fueron las aulas un lugar para la caricia? ¿Para la piel y el tacto?” Lia busca que preguntas como estas sean semillas que a su vez hagan brotar más preguntas. Una especie de efecto multiplicador reflexivo que nos muestra cierta postura con respecto al conocimiento, la cual no concibe la verdad como absoluta, sino que pretende afirmar la multiplicidad de ésta.
Entremos, por ejemplo, al espacio de la performance “Trabajo de Base” (2018) en Bachilleres 10. Lia llega maquillada al salón donde un grupo de chicas la espera. “Quitarse las máscaras, dar la cara,” les dice, mientras pone un paquetito de toallitas húmedas sobre la mesa. “En las j(aulas) una tiene que desnudarse para que compartir los saberes colectivos ocurra desde la piel, [pues] de ahí viene nuestra única teoría.” La instrucción que Lia les ofrece a las chicas es que tomen una toallita y, juntas, ayuden a desmaquillarla. Entre risas y ternura, perdiendo el miedo a la cercanía y con un tacto cuidadoso, las chicas comienzan a frotar las toallitas suavemente sobre el rostro de Lia, removiendo, así, capa por capa, los pigmentos que homogenizan su piel. En este acto colectivo, entre el (des)maquillaje y la intimidad, lo que empieza con un intercambio reservado, se vuelve una platica más cómoda, transformando el espacio en un lugar femenino, conocido y acogedor. Hablan entre ellas sus penas y dolores, sus alegrías y deseos. Platican de sus miedos compartidos, del miedo a ser vistas, a estar expuestas en la calle, a la violencia feminicida. También platican de los miedos con los cuales viven las mujeres trans, las particularidades vivenciales que las diferencian pero que no por eso las alejan de la experiencia femenina. “Cuanta piel falsa te quitamos, Lia”, le dice una compañera. Lia las miró a los ojos a todas para encontrarse con ellas y así, transitar juntas. “Esto es sentir entre mujeres. Amarnos. Las llevo en el alma.”
Como si sonara la campana, el encuentro llega a su fin. Lia cambia de salón, esta vez con un grupo de chicos. El encuentro aquí es otro, pues se trata de un trabajo de des-masculinización. Con la cara limpia y recién desmaquillada, la instrucción es diferente: “Tienen que maquillarme como si estuvieran preparándome para mi funeral, para la última vez que me van a ver mis familiares y amigxs. Sí chicos, por que la violencia trans-feminicida y feminicida nos mata todos los días a nosotras y ustedes son cómplices.” El carácter confrontativo de esta instrucción se contrapesa con la ternura, apertura y disposición de Lia. Esta vez pone el maquillaje sobre la mesa –sombra, base, blush. Uno de ellos sostiene un espejo negro con borde dorado y una flor garigoleada en el centro, un accesorio importante que permite que se reflejen también ellos y así contemplen su propia participación. “¿Qué hacemos con [esa complicidad]? ¿Des-anudamos o seguirán tensando su masculinidad? Tejamos nuevos modos de habitar eso que el patriarcado nos dijo que es ser hombre. Aquí estoy para ustedes, chicos.” Lia también reflexiona con ellos, les platica de su propia transición y juntos comienzan el arduo, lento, y largo trabajo de des-hacer suposiciones de lo que hace un hombre y lo que hace a un hombre. Les habla de cifras y les comparte historias de vida de sus compañeras trans, les pregunta qué significa para ellos la masculinidad y de que formas se presenta en sus vidas, para así resaltar las violencias que ésta llega a ejercer.
Así son las intervenciones de la alumna. Los accesorios y la acción cambian, pero su afecto es el mismo. Cintas de cera para depilar sus piernas, un tren de sillas en el patio para trenzarse el cabello, una simulación de rescate acuático para salvarse juntas, un juego de té dentro de una mochila para “escuchar-TÉ, mirar-TÉ, sentir-TÉ.” Aunque la forma varía, su cuerpo trans* es el medio y el método de su pedagogía de la vulnerabilidad, “una pedagogía situada en la experiencia y el cuerpo de la mujer trans.” De esta manera, Lia atraviesa todo aquello que parece inamovible, desde el sistema educativo que “no quiere tener ningún diálogo con nosotras, las personas trans”, hasta esas estructuras de poder que rigen las coreografías de nuestro día a día. Mediante el tacto y la acción directa sobre la piel, Lia hace del cuerpo un aula, tornándolo en un encuentro afectivo de transformación colectiva con sus compañerxs. La trans*pedagogía de Lia busca generar “un diálogo intergeneracional, interafectivo y desde geografías distintas.” Es por eso por lo que “La Alumna” es contundentemente con y para personas adolescentes, pues Lia encuentra un paralelismo entre lo trans y la adolescencia precisamente como un momento de ruptura, de cambio, de transmutación. “Es una experiencia corporal, pues el cuerpo comienza a develarse, el deseo a desbordarse.” Que Lia vuelva muchos años después a la secundaria, a uno de los sitios de su herida, para (re)vivirla, compartirla y así poder sanarla, también apunta hacía la relacionalidad del sanar y la imposibilidad de una sanación sin acompañamiento mutuo.
Por otro lado, el trabajo de Lia es un trabajo de alto riesgo pues al hacer del cuerpo algo táctil siendo un cuerpo atravesado por vivencias y violencias de género, “la situación se desborda.” Y este riesgo es un riesgo compartido. Y así como es compartido, también es asumido de maneras múltiples. Existe una labor sumamente importante que se encuentra siempre como telón de fondo en estas intervenciones, una labor que es condición de posibilidad de la performance y que podría pasar desapercibida fácilmente. Este es el trabajo de las y los maestros que invitan a Lia a accionar en las secundarias. Una labor de mediación, de interlocución entre la institución y la alumna, que posibilita lo que Lia llama “un trabajo de infiltración.” Pues es a través de personas aliadas que se involucran en una especie de operación encubierta que Lia logra cruzar los límites establecidos y protegidos por las instituciones. Esta infiltración también nos lleva a entender esta labor esencial como un acto capcioso y transgresivo, abriéndole un espacio al trabajo pedagógico de Lia bajo la idea de “una sesión” o “una plática” sobre sexualidad. Cabe destacar que para Lia articular y agradecer estas alianzas transfeministas es un elemento importante de su obrar, pues una vez más hace hincapié en la relacionalidad y reciprocidad del cuidado, abrazando simultáneamente el miedo y la confianza dentro de la diferencia: “Pude sentir tu temor [Maestra Diana Gorgona] pero cerraste la puerta confiando en mí. Gracias, mi queridísima.”
La pedagogía de Lia incomoda pues al ser encarnada, desbordada y riesgosa, confronta. Pero su accionar mismo proporciona el bálsamo para que ese confrontar también conforte. Su trabajo artístico y pedagógico exige transgresión, cruzar límites y habitarlos. Lia hace vibrar los pasillos de la secundaria, regresa el cuerpo al aula, rompe sus puertas, quiebra sus ventanas y saca el aula, que ahora es cuerpo, al patio. Así como bell hooks nos llama a “enseñar para transgredir,” Lia reformula y expande esta invitación, y nos convoca a trans*gredir para enseñar.
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Cynthia Citlallin Delgado Huitrón es doctorante en Estudios de Performance por la Universidad de Nueva York. Escribe sobre la estética y política espacial de la performance trans/feminista en México.
Lia García (La Novia Sirena) es una artista, activista, poeta y pedagoga trans* de la Ciudad de México. Su trabajo moviliza su cuerpo trans* para detonar encuentros afectivos como actos de resistencia en espacios de complejidad.
consciente que busca generar un espacio de aprendizaje autocrítico con el fin de crear herramientas, redes y vínculos tanto para el aprendizaje del arte marcial como para el accionar en cada día de manera individual y colectiva.
